Apuntes clases teóricas de Picasso, Apuntes de Arte Contemporáneo

¡Descarga Apuntes clases teóricas de Picasso y más Apuntes en PDF de Arte Contemporáneo solo en Docsity! Picasso I. Acabando el siglo XIX Si pensamos en el arte del XVIII y principios del XIX no podemos decir que fuera un reflejo de la realidad o una expresión activa del pueblo, sino que es la sociedad, sobre todo a partir de la revolución francesa, la que quiere ver en el artista un intérprete de la propia vida, de su propia ideología. Esto tiene como consecuencia que la realidad se convierta en contenido de la obra, el espectador exige claridad, evidencia y compromiso en el arte, por lo que se produce este giro en el posicionamiento del espectador ante el arte. En los años centrales del XIX la realidad se convierte en un problema nuclear de la produccion artística, con Courbet (Buenos días, señor Courbet) llega esa idea que identifica lo bello como lo verdadero, si es ficción es feo, esto conlleva salir fuera de la mitología, los cuadros de vocación histórica y esa belleza conservadora de los cánones clásicos. Son momentos en los que se perciben contradicciones en el cuerpo social, ya que habían tenido lugar las revoluciones burguesas; es en esta crisis social que va a surgir buena parte del pensamiento europeo del arte de vanguardias, poniendo fin a los discursos unitarios. Daumier (Crispin y Scapin) Millet (Las espigadoras). Podemos fijar 1874 como fecha clave para los cambios que se producen en el arte, puesto que tiene lugar la primera exposición de los impresionistas; ellos parten de posiciones estéticas del realismo (Monet, Mujer bordando) abordando problemas como la relación entre ciencia y pintura ya que en ese momento la ciencia era la panacea de todos los males, todo debía ser científico. Con ellos podemos advertir un cambio en la tecnica (Renoir, La comida de los remeros), van a sustituir los problemas de contenido a la técnica es decir, en cuadros como Los Picapedreros de Courbet o Los monjes de Friedrich lo importante es el contenido, ahora cualquier tema puede ser representado, sin necesidad de justificar el tema elegido de la representacion. (Monet, Los acantilados) París se consolida como ciudad de las artes, un centro de nuevas ideas políticas y lugar de patriotas, exiliados y poetas, lo que propiciará la creación del Art Nouveau o el Modernismo. Destaca la figura de Alexandre de Riquer quien se presenta como una alternativa antihistoricista, luchando contra los estilos y abogando por la libertad del arte; es un modernismo que busca recuperar una tradicion autóctona, en el caso catalán se regresa al mundo medieval, ya que es con lo que se sienten más identificados. En definitiva se junta la voluntad cosmopolita con la búsqueda de raíces autóctonas, ambos parecen planteamientos contradictorios, pero es una alternativa a la crisis finisecular. En España al mismo tiempo que se desarrolla el modernismo tenemos el arte de la generación del 98, en ambos casos hay deseo de buscar nuevos campos de expresión, una voluntad regeneracionista y un deseo de ir más allá; para ello se van a apoyar en el uso de revistas especializadas para difundir sus pensamientos y planteamiento. En el terreno pictórico, fuera de Cataluña, los gustos van a la pintura académica o pintura de historia como es el caso de Antonio Gisbert (fusilamientos de Torrijos) o Francisco Pradilla (Doña Juana la Loca). Si avanzamos a los 80 y 90 predominan las tendencias vinculadas al realismo, destacando aquellas en las que la historia del arte las situa en la órbita fortuniana como es el caso de Martín Rico Ortega (Patio del palacio del dux de Venecia) quien nos presenta un realismo más formal que de fondo; en este caso vemos realismo pintoresco, anecdótico, virtuoso, figura y fondo, mientras que la figura tiene materialidad y realismo los fondos parecen decorados de fotógrafo, ya que convierte los paisajes en símbolos de sus personajes jugando con esta tensión, el paisaje habla de este personaje e intenta llevarlo a la generalidad el pueblo español. (Gregorio de Sepúlveda) La dinamización en el eje París-Barcelona contribuye a romper los límites del debate artístico entorno a la tradición; en Cataluña el arte se abre a tendencias más naturalistas en favor de una realidad viva, pero la sociedad no estaba dispuesta a que este realismo dejara de ser agradable, por lo que calificaban la pintura de Ramón Casas (Montmartre) y Rusiñol de ordinaria ya que ambos incorporan a esta tendencia naturalista la emoción y el deseo de ir más allá de la apariencia de las cosas, algo que no existe en el impresionismo del primer Monet o de Renoir, no hay un intento de trascendencia. En la obra de Ramón Casas vemos que no desaparece la anécdota y como rechaza el seguimiento del impresionismo porque no concibe el arte sin el tema, en Le moulin de la Galette apreciamos el interes que tiene por el color y como sus cuadros suelen tener una luz agrisada, tonos fríos que nos sugieren nostalgia y melancolía (relación con el periodo azul de Picasso), asi como la intención de incorporar al espectador en la escena. Camille Monet con un niño. Podemos resumir que el punto de partida de los impresionistas es ver cómo se comporta la luz y el color para transcribirlo de forma científica al lienzo, vemos también, ademas del mirar científico, el paisaje (Acantilados de Dieppe de Monet) se convierte en el protagonista principal, los distintos temas de la vida burguesa se convierten en el tema principal.  Sitúan al artista en contacto directo con la realidad  Liberan de residuos académicos la fuerza del color  Da pie a una profunda renovación del lenguaje figurativo  El cuadro se convierte en un campo de experimentación, el lienzo antes era el lugar donde representar temas y dogmas, de atrapar nuestra visión de la realidad, ahora en un campo de experimentación. El modernismo no es un estilo sino una forma de estar en el mundo según Rusiñol, que mira al mundo desde el pasado, que transforma la sociedad y que tiene un punto de referencia en el mundo medieval. El caso español del final de siglo se plantea si el arte tiene un carácter universal, ellos transmitir como la autenticidad de lo particular puede encerrar en si misma unas características comunes al espíritu humano. Dentro del modernismo catalán se percibe la influencia de simbolistas y prerrafaelistas, pero fuera tambien vemos esta influencia simbolista, por ejemplo con la obra de Julio Romero de Torres, pintura de la generación del 98 en la que no hay solo nostalgia del pasado imperial, sino que se percibe una voluntad regeneracionista, debemos tomar conciencia de nuestra situacion para poder tomar acción y evolucionar. En ese deseo de regeneración por parte del modernismo, dan un paso adelante y proponen llevar el arte a la calle, regenerar las calles de las ciudades dejando de pensarlas como ciudades donde únicamente los palacios tienen lugares de esplendor, un ejemplo de esto es la casa Bruno Cuadros. En la zona centro tenemos propuestas entre el realismo y el cuadro de historia que rodea a obras como el Fusilamiento de Torrijos, una obra realista pero con un marcado carácter romántico, o el de Pradilla de Juana la Loca con una factura más libre, pero apegado al cuadro de historia. En las décadas de los 80 y 90 del XIX vimos tendencias vinculadas al realismo en la órbita fortuniana, el realismo refinado que se podía aproximar al impresionismo y un realismo más directo. Sabemos que Rusiñol forma parte del contexto artístico de Picasso, se ven, se intercambian, hablan y comentan en un momento en que las charlas eran un modo de mantenerse al día de las novedades que unos y otros conocen, modo de compartir hallazgos. Picasso a pesar de su juventud será acogido por este cenáculo de los modernistas barceloneses. Ramon casas fue impulsor de la taberna Bohemia en 1897 en la que, al igual que en otras tabernas, se celebraron exposiciones temporales; Picasso es uno de los artistas que lo hace, pero es un gran fracaso económico ya que se tratan de lugares marginales, ni Rusiñol ni Casas hacen sus exposiciones aquí porque ellos tienen las puertas de las galerias abiertas. Siguiendo con Ramón Casas en Garrote vil la composición tiene como foco en ese vacío entorno al patíbulo, destaca la importancia que le da al cromatismo, ya que el color y composicion son los encargados de transferir el patetismo de la escena. Algo similar ocurre en La carga. De su última etapa podemos decir que declina debido a que su éxito social hace que se quede anclado en conservar un ritmo pictórico. Trini. Rusiñol comienza como Casas en la pintura realista (La fábrica) y después adquiere un tono intimista (Grand Bal) adentrándose en los lugares de diversión en París, pero fijándose en los personajes que se veían abocados a vivir en el mundo de la diversión de otros y que rezumaban una especie de soledad, abandono y melancolía. En Café de los incoherentes vemos como su pintura es empáticamente sentimental. amapolas de Monet aquí podemos ver luz, color, aire libre. En los impresionistas teníamos realismo pero ¿qué es más realista los impresionistas que reflejan la luz o Picasso que estaba intentando representar una cuarta dimensión? aquí vemos una cierta abstracción y estilización de la naturaleza, vemos color y libertad porque los impresionistas son libres en la pincelada, pero en el primer periodo se sujetan al estudio que la ciencia ha hecho de la luz, aquí vemos mayor libertad, es hacia esta dirección donde camina poco a poco la pintura. Cuando Joaquim Mir se traslada a Mallorca esta abstracción va en aumento, vemos como en La roca en el estanque perdemos la noción de totalidad y entramos en un análisis en profundidad, podemos recrearnos y el fragmento cobra protagonismo, esto forma parte de la naturaleza pero hasta que no vemos el fragmento y lo analizamos no somos conscientes de la riqueza de cada particularidad. Esto es lo que permite que podamos ver la riqueza que nos rodea, vemos un conjunto de colores y formas que se entremezclan porque nos faltan la distancia. Isidre Nonell (retrato de Ramón Casa) defiende que lo importante es la pintura, lo que el artista haga con ella, está lejos de Courbet pero muy cerca de lo que va a conocer Picasso. Nonell reivindica la materialidad de la pintura, el protagonismo de la pintura en si misma independientemente de si es un paisaje, bodegón o retrato. Está a caballo entre el Modernismo o Noucentisme, comienza el movimiento de la cola del azafrán por los tonos que usaba. Nonell da la espalda a la clase burguesa barcelonesa modernista y se va a relacionar con los desahuciados y los gitanos; hace Cretinos de Boí cuando trabaja en un balneario de este pueblo en el que la población padecía de enfermedades debido a la endogamia, vemos personalidad muy fuerte en el trazo, formas simples y sencillas, sinuosidad de la linea, rasgos tomados del grabado japones. Destacar también que hace una serie de grabados que sirven de estímulo a los jóvenes artistas porque demostraban que la ilustración podría ser mas prestigiosa, ilustrativa e innovadora desde el punto de vista artístico y político, Picasso y Nonell se procesaron mutuo respeto, Nonell pinta un mundo de enfermos pero lo que el considera mundo enfermo, miserable y triste. Se establece en Paris (Cantante de cabaret), pero en 1901 el tema que va a dominar es el de los gitanos, imágenes directas e inmediatas que presentan valor de generalidad, no son retratos individuales sino un rasgo de generalidad; en Gitana vemos un espacio anulado donde pone énfasis en el personaje y recurre a la linea, suele representarlas como masa de color articuladas con firmeza y son poco perceptibles sus facciones. Escoge este tema al ser un tema de marginalidad, más aún que los mendigos o los trabajadores, es un tema muy cerca del mundo del circo, de los payasos, los arlequines que Picasso aborda a partir de 1904; decimos esto de los gitanos porque pinta en ellos a los desheredados de la vida, es esa generalidad no la particularidad de Lola o Carmen, no pretende hacer pinturas de critica o crónica social, no busca lo pintoresco del mundo de los gitanos o su vertiente de titiriteros. Nonell muere en 1911 pero nos deja monumentalidad, grandeza en sus figuras, sus volúmenes son pura presencia (no hay una denuncia, se trata de una captación de la realidad, esta representacion de los gitanos en una realidad en la que tiene establecidos su modo de vida encuentra un modo de pintar, le permiten hacer un estudio casi arquitectónico de la forma, de los volúmenes, se fija en las formas plásticas, la gitana es una figura que parece pétrea una figura rotunda porque está estudiando el volumen no si está pintando o cantando, de ahí ese ensimismamiento de las figuras.) el dramatismo viene de esa contención monumental, nos trasmiten mucho más que las sombras de estos artistas más propensos al folletín, las sensaciones del espectador no surgen del tema sino de lo plástico “yo pinto y basta”. En Dos gitanas vemos la pintura, la pincelada, el rastro del pincel y esta pincelada cada vez va a tener más sentido, de ahí que hablemos de la expresión de los materiales, del gesto, hace pintura y lo más característico de esta es dejar ver la pincelada (no como ocurre con los Madrazos en los que no vemos la pincelada) dejo ver su personalidad, en estos momentos trabaja las masas, tiene un delineado y da volumen a traves de la forma de la pincelada, incluso en los rostros, el fondo verde. Es un artista que nos hace ver hasta qué punto la pintura se convierte en protagonista de sí misma, y solo cuando nos alejamos de algunas convenciones, como que la pintura debe estar sujeta a un tema se pueden hacer las revoluciones que se suceden en el arte del siglo XX. II. Aprendiendo a mirar, aprendiendo a pintar Picasso nace en Málaga en 1881 (Autorretrato mal peinado) en una familia andaluza donde la educación de los hijos está en manos de las mujeres, un ambiente dominado por las mujeres en donde la una cultura femenina está volcada en el cuidado del varón (es ahí donde Picasso va a aprender una cruel manipulación de la afectividad). Algunos especialistas ven en esta atmósfera femenina el germen de esta actitud misógina y afectiva por las mujeres, su necesidad de atención, de ser el protagonista, el derecho a exigir siempre a que atendieran sus necesidad. Picasso crece también junto a su padre, José Ruiz Blasco, que era profesor de dibujo y pintor especializado en la pintura de palomas (colombofilia). Algunos testimonios de personas nos dicen como Picasso dibujaba horas y horas junto a sus primas, quienes le proponían dibujar algo comenzando desde una parte al azar; es gracias a esto, según John Richardson, que Picasso se habitúa a dibujar con un punto de partida inesperado e ilógico que debe tener como resultado una imagen coherente. A veces en el verano volvían a Málaga y encontramos paisajes como Una cantera de málaga (1896) en el que vemos como ha aprendido a analizar las condiciones de luz como herramienta de modelado, aplica un tono de base para luego trabajar los pormenores. Su padre se traslada a Barcelona (La playa de la Barceloneta) pensando que sería un mejor lugar para la carrera de su hijo, vemos como en los ejercicios libres que habian en la escuela su padre intenta modelar el gusto de Picasso hacia los retratos (retrato de su madre), cuadros de historia o lo contenidos anecdóticos, esto lo vemos en sus primeras obras Retrato de la tía pepa que se encuentra muy cercano a los retratos de Velázquez. En esos ejercicios libres orientados por su padre nos encontramos con La primera comunión o cuadros como Ciencia y caridad, sin embargo el núcleo es estrictamente académico, algo que se habia superado ya en el resto de Europa, es decir, los cuadros de Pradilla o Rosales siguen vigentes en España. En 1897-1898 su padre (autorretrato con cabello corto) le consigue llevar a la RABASF, asiste a las clases de Moreno Carbonero, pero se siente cansado y prefiere centrarse en la copia de los grandes maestros del Prado, esto lo vemos en retrato de Felipe IV una obra mediocre donde se aprecia la falta de concentración (Importancia de la copia es entender la forma de trabajar de estos artistas que pensamos pueden hacernos progresar) En una carta se queja de los atrasos del método docente en la capital y considera que debe ir a Múnich para formarse, un centro muchísimo más conservador que París donde nadie se ocupaba del puntillismo o las tonterías de esas de las que Picasso reniega. Estas afirmaciones nos dejan claro como Picasso no tiene ningún tipo de concepciones vanguardistas, no es un revolucionario desde la cuna, sino que se fue haciendo por oposición a esta mediocridad del momento. 19.09.2022 Picasso viene a Madrid y se junta con Francisco Bernareggi, el negó sus estancias de estudio en el Prado pero esta el registro de los copistas para trabajar Picasso delante de Velazquez, sus visitas avivan su interes por estos maestros de la pintura española, velazquez, el greco y goya, por tanto con esta calificaicon que hace de lo que ve nos da una idea de lo que mas le interesa a Picasso en estos momentos. Cabeza de hombre al estilo del Greco, con el modernismo se revaloriza la figura del greco, se pone de relieve su carácter unico, su originalidad y personalidades como Rusiñol recurre tambien a el en el escenario de sus fiestas modernistas, las revistas que estaban comprometidas en la recuperación de la sociedad del arte, revigorizar el panorama artístico ilustraron sus paginas con muchas de las obras de Picasso. No son los nicos que se interesan por el greco, habia sido alabado por Zuluoga, Baudelaire, pero en 891 el director del prado hablaba del greco como caricaturas absurdas y buena parte de cambio del paradigma se debe a los modernistas que ven en el greco el espíritu de trascendencia que faltaba en el momento. Picasso adopta del Greco la acentuación de la expresividad mediante el estirameinto de las formas, elmanejo ajitado del pincel, vemos en sus cuadernos de dibujo un gran numero de experiencias visuales y creativas que denotan este interes por Picasso y en otros casos manifiestan la rica variedad iconográfica que recoge Picasso en estos momentos. IMage de la alcahueta va incrementando esa iconografía de Picasso. Parece que durante la estancia en Madrid, Picasso comienza ahacerse una serie de preguntas, escena de interior 1897-1898, cominenza a interrogarse sobre cual a de ser su propio camino, vemos una mezcla que no nos permite saber, es un caos poder decidir y elegir, tenmeos escena interior que nos remite al estilo modernista con trazos gruesos o al estilo alemán. Se enferma, regresa a Barcelona arto de una instrucción académica que no conseguía hacerse superar sus limitaciones, tras una pequeña estancia en la ciudad condal, se marcha a un pueblo pequeño horta del ebro en 1898-99 con su amigo Manuel Pallares, permanece 9 meses, de algún modo esto le sirve para absorber o aprender el ambiente rural, todas grandes ciudades, cuando regresa a Barcelona se independiza y decide empredner su propio camino incluso empieza a firmar ya con su segundo apellido, mas de tafetans, paisaje campestre. Su padre habia previsto este corte de lazos pq alquilo para el un estudio en la ciudad barcelona, podemos pensar como una especie de marchante para el pq con sus relaciones y la presentaicon de los trabajos de Picasso cuando el se independiza, goza de un cierto reconocimiento profesional que le permite relacionarse, le abre las puertas en determinados círculos artísticos a pesar d elas diferencias de edad. La primera comunión 1896 la presenta en la exposición de arte y artesanía de barceloan, entre 1300 obras era todo un logro que pudiera estar allí, mas tarde su padre en 1897 presenta la ciencia y caridad en la exposición general de arte de Madrid, porbablemnete fue aceptada por influencia de uno de los jurados amigos del padre, recibe una mención de honor y un año mas tarde en malaga consigue una medalla de oro. Su padre quería que volviera a la academia de la llotja pero Picasso solo accede a ingresar en el circulo artístico, algo similar a lo que era la academia ibre en Paris. Junto a esa indendpendia podemos csituar el quatre gats, barcelan será su lugar de trabajo hasta que se establece en Paris en 1904, en 1901 reside en Madrid por cinco meses. Este era un lugar de comidas, tertulias, intercambios, exposiciones y era el centro de reunión del núcleo modernista, es aquí donde se integra el primer Picasso a pesar de la gran diferencia de edad, este lugar fue restaurado y reinagurado a finales de los 80 del siglo xx con la intencion de recoger lo que fue el ambiente de ese momento. Llegan a concebir la publicación de una revista, un par de hojas, que llegan a los 15 numeros, en estos años tambien son momentos en los que el cartel se presenta ante Picasso como una actividad de darse a conocer, era un medio en el que ellos se encuentran muy agusto, participa en algunos concursos para la realización de carteles como para la caja de precisión y socorro. El modernismo es lo que Picasso esta absorbiendo, vuelve y se integra en el cenauclo modernista y empieza a bsorver su lenduaje, su postulado y sus pensamientos, el violinista callejero influencia del mundo japonista, contornos muy marcados, por tanto en esotos momentos Picasso sigsaguea en esa onda del modernismo retrato de carles casagemas. Podemos decir que Rusiñol le influye en la imaginación y Casas en el estilo. exposiicn que hubo de arte francés en el que habia Davis, Delacroix, doaumier, corot, Manet… aprovecho para emplear horas en el Louvre en el museo de Luxemburgo era de pintura moderna donde las obras de los artistas debian esperar allí para entrar en el Louvre hasta que su autor falleciera, ademas de esto hace una ronda por las galeria parisinas, glerias comerciales y de todo esto podemos decir que encontremos documentación con las opiniones de Picasso pero la propia obra es el testimonio mas sincero refleja las impreisones de ese momento. No hay rastro de los impresionista, no le interesaron, ni de sesan, Seurat, gaugen o de los navis, atracción por degas, van Gogh, pero por encima de los pintores es el trabajo de los ilustradores lo que va a llamar la atenicon de Picasso y se va a reflejar en sus escenas parisinas sobre toso steinlen aparecida en portada de la revista Gil Blas, bottini en el teatro le interesa pq tiene temas sexualmente explícitos, de todos ellos el quemayor impresión le produjo fue Toulusse lautec, conocía sus ilustraciones pero aquí puede contemplar sus cuadros originales y adquiriri su carteles madre e hija deuda muy fuerte con la obra de Lautrec, le atraen sus temas, sus planteamientos, el mundo delcabaret, de la sociedad del momento, mujeres encimismadas y provocadoras le moulin de la galette múltiples veces representado vemos como cada artista aborda el tema con un tratamiento y unas connotaciones diferentes, en el caso e Renoir la ve Picasso en el museo de Luxemburgo el acento esta en la observacion de la luz, aire de fiesta, en la diversión despreocupada, Lautrec estiliza las figuras con formas mas sinuosas introduce la escena de Renoir en la noche en e local cerrado, hay todo tipo de personajes, ramon casas pinta este local de día prácticamente vacia con la imagen, Picasso ignora esos pequeños detalles y se centra en las manchas de color, hay una iluminacion que no se sabe de odnde viene, vemos poca indivudalida en el tratamiento de los personajes, no se aferra a la mera imitación sino que refleja el deseo de asimilar para poder modificar, condensar disintos estímulos para despues poder dar su versión, su versión se aproxima mas al salón de baile de arles de van Gogh a estavision qu tiene de las gogo con maquillajes exagerados, labios rojos, vestiemnta de colores llamativos, se aproxima incluso a aquellas llamativas mujeres de G. Bottini, lasmujeres han abandonado las llamativos cancanes de Lautrec y adoptan esos nuevos bailes que llegan de america latina como el tango o la machica brasileña por lo que era conocido este local. 20.09.2022 A partir de este momento, obras de steilen abundaban las parejas, las madanas y unas expresiones que Picasso solo veía en el barrio chino (en españa las parejas no se besaban), por lo que serán temas que les van a llamar la atención el arbraso parís 1900, temas que habia visto en resistas ilustradas y experimenta en este momento con ello y van a mantenerse como una constante en su obra, se mantiene a lo largo de toda su trayectoria. Temas muchos mas duros como Frenesí, por tanto aparecen estos nuevos temas, la mirada dePicasso se fija en una realidad a la que ante son habia prestado atención braserie en monstmartre, aprovecha de pintar esos lugares por los que transita en parís, pero fija su mirada en personajes nada glamurosos escena en montmarte, mas sencillos, pobres. Aparece pedro Mañach era un personaje (retrato) su padre tenia negocio de cajas fertes en Barcelona, se marcha a parís y se convierte en marchante de arte en parís, va a comparle tres pasteles de escenas de toreo que Picasso sabiamente habia preparado en Barcelona porque sabia que tenian salida en parís. Va a firmar con el un contrato, le paga un salario mensual y Picasso le hace llgar la produccion que tenga (se lo presentan los amigos de 4 cats) y le procura la primera exposion en 1901 en la galeria bolard junto con otro pintor español, en este momento Picasso tiene un estilo modernista que recuerda a Casas con sus lineas gruesas. De nuevo no debemos olvidar el tema de los pasteles de corrida de toro porque lo seguiremos viendo cuando llegue el gernica. Bailarina azul recuerda a Degas a cierto preciosismo característico de la pintura española del xix que todavía seguía gustando. Despues de dos meses de insesante trabajo picaso y casagemas vuelven a Barcelona y Picasso piensa que puede distraer a su amigo y se marchan a málaga, Picasso abandona a su amigo porque se cansa de el. Es el momento en que empieza afirmer como pr Picasso y poco despues solamente Picasso, decide hacer un segundo intento en 1901 volviendo a Madrid, esta venida estuvo motivada por un ofrecimiento de francisco de asis soler para hacer juntos en Madrid una revista similar a la que ramon casa o Rusiñol (pel y ploma) habian comenzado en Barcelona, arte joven. El esperaba que su labor en la revista le dejara tiempo para trabajar y enviar obra a mañach como habian acrodado, se dedica de lleno a la produccion de la revista, le resulta un trabajo aburrido por lo que si le sumamos que dos meses en parís le habian dado un vuelco al modernismo de Barcelona, hay muchos factores que no le encajan ademas no tiene amigos en Madrid, decide abandonar Madrid por segunda vez, quizás tuvo que realizar este recorrido para darse cuenta de que sus intereses pasaban por su establecimiento en la capital francesa, en medio de este caos mental le llega la noticia del suicidio de casagemas y Picasso no es capaz de asistir al funeral de su amigo en Barcelona (dibujo bohemia madrileña). Con la muerte de casagemas a picasso comenzó a pintar en azul, pasaron seis meses anted de que podemos decir que ha inciado una nueva etapa, la obra siguió teniendo toques festivos de apariencia despreocupada, su obra mas ambisiosa en estos momentos en Madrid es mujer en azul que presenta en la exposiicoon nacional de bellas artes en Madrid que no fue ni siquiera reseñada bien por estar dolido, por dejadez o por falta de dinero para pagar el embalaje la obra permanece en los depósitos y acaba por abandono en el museo de arte contemporáneo de Madrid, es un personaje que recuerda a una menina por el traje y por la pose digna de un retrato de la monarquía, pero puede ser la infanta margarita, es una mujer que veíamos en el moulin dela gallete vestida con una versión. Realiza una serie de retraros que se acerca con el objetivo de la camara a sus rostros, mujer con sombreo de plumas, una pincelada muy pastosa en estos momentos con la misma tipologia femenina, mujer con sombrero, coge un tema y lo trabaja de distintos modos en este caso pone el acento en el color, en otro introduce el sentido de lo gortesco que tiene mucho que ver con Goya, en esta ocasión experimenta con los rostros expresivos porque hasta ahora son corridas de toros o abrazos en los que no se ven los rostros, en esta ocasión técnicamente ademas del color expresionista, fovista utiliza un tipo de pincelada mas grande típica del puntillismo no tanto en el tratamiento del rostro sino en el fondo de la obra. Al contemplar personajes nos parece ver un deje de lo grotesco, la enana, técnicamente recuerda al puntillismo pero remiten a los enanos de Velazquez que de algún modo representan a estos marginados, vemos color expansivo, fuerte y unos rostors desfigurados, no hay realismo sino expresionismo, de priorisar al personaje, la emocion que transmite frente a la realidad. Podemos decir que Picasso comienza a fraguar esa idea del paralelismo entre el creador (referido a quien es capz de dotoar de vida, a los dioses) y el artista, tenemos el dibujo de pigmalion, tema del artista y la modelo será muy recurrente. Seguimos en la etapa en la que no se encuentra agusto en Madrid, sus retratos recuerdan a los de Nonell, vemos como en sus dibujos muy en linea con el retrato de manch y otro con la mujer de azul, en arte joven n2 el retrato vemos como ha bebido del modernismo y como recuerda a las mujeres del prerrafaelismo. Hay problemas de financiación de la revista, manch empieza a estar nervioso pq no tenia obras, Utrillo le planea una exposion en una galeria importante, Picasso abandona Madrid en mayo, pasa por Barcelona sin Vollard se interesó por artistas españoles jóvenes, pero no le convence el periodo azul de Picasso y no vuelve a trabajar con él; en este caso Mañach y Vollard solicitan la ayuda de la pluma de Gustave Coquiot (crítico de arte) que a cambio de un retrato de Picasso ponían su palabra a disposición de los marchantes o coleccionistas que requerían su buen saber, de manera que hace la introducción al catálogo de Picasso. En el retrato vemos en el fondo el mundo femenino (de cosificación de la mujer) que le gustaba a este señor y estaba de moda, vemos pincelada densa, algunas veces resulta sucia e incluso se puede ver la dureza del expresionismo aleman. Bebedora de absenta, Cancán francés, Las carreras (1901). Llega un momento en que Max Jacob visita la expo y encuentra un gran amigo, queda impresionado por la obra de Picasso y por su personalidad, los dos atravesaron juntos la mala racha despues de la expo y los dos creían en la funcion mágica del arte, desde ese momento se convierte en su guía en el mundo de la cultura francesa (le enseña francés). Jacob le abre a la sensibilidad de la poética francesa y será el primero, en la línea de los poetas con los que Picasso se va a relacionar (despues se incluye a Breton y Apollinaire) cada uno de estos tendrá una importancia de su personalidad y su obra. Retrato de Max Jacob 1915, ademas le va a introducir en el mundo de lo oculto, este señor estaba obsesionado con la magia, la cábala, habia estudiado quiromancia, astrología y practicaba practicas ocultistas, de manera que el misticismo y la poesía empiezan a iluminar la obra de Picasso. Es en este contexto donde comienza a aparecer la idea de exorcizar la muerte con la obra. Sabartés se va a convertir en el secretario personal de Picasso, cuando viaja a París ve la exposion y cuenta la sorpresa que le causan las últimas obras de Picasso, menciona la crudeza y los abigarrados colores de sus composiciones como si de naipes se tratara. Mujer con collar de gemas, Niña con paloma, Niño glotón (Le gourmet). Retrato de Jaume Sabartés, vemos la mirada perdida, está anhelando porque siempre esperaba la llegada de Picasso para la tertulia y él lo retrata en uno de los primeros cuadros de su etapa azul. Habíamos apuntado que cuando él llega a Paris, le impresiona la crudeza de algunas de las obras que ha realizado Picasso durante su estancia en la capital francesa, habla de esas ultimas composiciones como si fuesen naipes. Son obras como La bebedora de ajenjo que ve como novedosas, vimos una composición parecida y trabajada con una pincelada muy fragmentada. En cuanto a temática destacan como trabaja una y otra vez los mismos temas, pero tratándolos plásticamente de un modo distinto, esto nos puede hacer pensar que lo que le importa a Picasso es el cómo pintar, su interés es por el arte y la pintura en sí mismo y no el contenido o el tema. Los dos arlequines son otras de esas obras que son como naipes, lo dice por el espacio, carecen de él, son planas, estamos cerca de Gauguin, del sintetismo y del cartel. Azoteas de Barcelona 1903 vemos como las formas están menos definidas, esto nos lleva a que está todavía definiéndose, es un periodo de formación en el que no sabe qué hacer con su vida, son obras de entrenamiento, de exploración. Sabemos que el azul es el color del modernismo, encontramos que una de las obras dónde más destaca este color La habitación azul 1901. En este cuadro vemos como Picasso se rodea de cosas que le gustan a modo de apropiarse de ellas, tenemos un paisaje, un poster de Toulouse Lautrec, un personaje al que admira y que es un homenaje. Esta obra nos recuerda a Van Gogh en cuanto al tema donde reconocemos su situacion y las circunstancias que vive, tambien nos recuerda a Degas. Retrato de Mateu Fernández de Soto en su contexto encontramos que triunfa el fauvismo, en auge los navis, por lo que se reconsidera la aceptación de la pintura decorativa dándole un tono más positivo. Picasso abandona en este momento el camino fácil, adentrándose en una pintura donde no elige unos temas demasiado frívolos ni divertidos, donde el color azul acaban siendo asociados con la miseria y la melancolía. Podemos decir que Picasso durante este periodo azul vivirá en la miseria porque tiene la osadía de pintar estas obras, comienza un periodo en el que se aísla del mercado y se prolonga hasta 1905, para entonces los coleccionistas comienzan a interesarse por las pinturas del periodo azul y del periodo rosa. Podemos decir que el periodo azul comienza en 1901 en París, pero el fondo de este está en Barcelona, en su ambiente artístico que será el centro del trabajo de Picasso hasta que se traslada definitivamente a Paris en 1904, esta actividad en Cataluña se verá interrumpida por una estancia en París entre octubre 1902 y enero 1903. Mientras que en Paris el fauvismo y los navis eran los que tenian mayor fama, en España era distinto, este tipo de temáticas dramáticas y oscuras como la que vemos en El entierro de Casagemas era más habitual. En ese ambiente lúgubre vemos el entierro de su amigo, la muerte de este amigo pesa sobre Picasso aunque este harto de él, necesita liberarse de esta carga que pesa sobre sus espaldas, Picasso comenta que la muerte de Casagemas trajo el azul a su pintura, con el azul consigue un carácter sobrecogedor, lo modela tonalmente con un procedimiento que conocía del Greco, colores ácidos, está copiando lo que le habia llamado la atención del Prado. Por otro lado el valor emocional del azul es la tristeza, el sufrimiento, la melancolía, que habian sido uno de los temas predilectos del arte y la literatura. Lo que advertimos en esta obra es que nuestra mirada va al centro y como esta tiene una temática erótica vinculada con ese entierro y una iconografía de carcater cristiano, el azul es popularmente asociado con el manto de la virgen. Lo que aflora aquí es que esta obra es el valor que Picasso va a dar al arte, la funcion mágica que tiene. A finales del verano de 1901 La mujer de la cofia, Picasso consigue un pase para visitar la prisión de mujeres de San Lázaro, allí acudían mujeres contagiadas con sífilis, se las aislaba y se las identificada con esta especie de cofia, era la única institución penal regida por monjas, y el doctor que le consigue el pase estaba especializado en estas enfermedades venéreas, enfermedad que contrajo muy joven el propio Picasso, fue paciente de él y por eso le conoce. Picasso dice que este lugar le venía bien porque tenía modelos gratis, pero Richardson nos dice que este lugar le viene bien para encontrar esa doble visión que tenia del sexo, algo que le da placer, pero que a la vez da culpabilidad y se asocia con la muerte (hospital pero tambien prisión, enfermedad de contagio sexual, enfermedad ligada al placer y una vez que la tienes a la muerte). Las primeras imágenes que nos ofrece de estas mujeres tiene un aspecto hombruno o burdo, pero recuerdan a la apariencia de las bretonas de Gauguin o de Van Gogh, por otro lado le llama la atención la presencia de niños que estan con sus madres, de ahí que muchas pinturas de este momento estén ligadas con temas que aluden a la maternidad. Retrato de mujer no idealizada, lo mismo que ocurre con Las dos hermanas con gran diferencia a la anterior las idealiza, las estiliza y las convierte casi en vírgenes, colocándolas en espacios indefinidos, atemporales con lo que podríamos decir que comienza aparentemente teniendo un punto de vista social. El retrato de estas mujeres con sus niños se estiliza, ya no son reales, estan en un lugar atemporal, indefinido e incluso vemos un dolor sublimado porque hay un peso, apreciamos un sufrimiento, pero no llevan al espectador a una reacción inmediata, sino más bien que nos parece que se aliviara la culpabilidad social, esto en lo que Picasso, cliente habitual del submundo intenta aliviar, esa culpabilidad. Obra realizada en Barcelona en 1902, es una composición sencilla, pero sin embargo hay un gran volumen de trabajos preparatorios, tiene que ver mucho en volumen y composición con la Visitacion del Greco, sus personajes encajan con los personajes que representa, su idea de mujer como diosa, pero al mismo tiempo como víctima, y con esa monocromía recuerda a las grisallas de los cuadros de altar que simulan esculturas. Hay otra obra que apunta a ese valor catártico que es La vida 1903, una obra que acaba de conjurar el fantasma de Casagemas, esta obra debemos decir que es poco antes de regresar a Barcelona, Picasso habia hecho este autorretrato que parece tomar el pulso a esta nueva etapa, se presenta avejentado, como si ese dolor y melancolía azul pesara sobre su juventud, un retrato que tiene que ver con la pintura del siglo de oro, con esa precisión en el dibujo, esa precisión trazada con lineas de color azul Prusia, con un finísimo pincel no es como el de Sabartés de anchas pinceladas y es quizás la obra más hermosa en su acabado hasta la fecha. Cuando toca renovar el contrato con Mañach la relacion entre ambos es tensa, las cuestiones monetarias pesan mucho, Picasso decide regresar a Barcelona con el año nuevo y pedir ayuda económica a sus padres, según los términos pactados con el marchante, toda la producción de París queda en manos de Mañach y vuelve a Barcelona casi sin obras, pero con numerosas ideas sobre lo que pintar y tomando como partida sus recuerdos de sus pasos por San Lázaro. Los primeros cuadros que realizan y se mantienen en la línea de lo que habia hecho antes de su traslado, tenemos Pordiosera arrodilla que se mantiene en la linea de colores un tanto ácidos, habíamos visto la obra de Las dos hermanas y muchas otras pinturas de figuras como estas de prostitutas sentadas o agachadas que evocan estas imágenes de las mujeres de San Lázaro. La figura siempre aparecerá constreñida en el cuadro, casi como en una hornacina, sobre todo sucede en los retratos. Madre con niño a la orilla del mar recuerda a la maternidad del cuadro de Casagemas es una obra con desgana, sin demasiada atención ni esmero, rápida, por otro lado es comprensible porque esta desubicado, el mar, los pies desnudos, la barca son todos elementos romanticos llenos de simbolismo. En Madre con niño a la orilla no vemos mucha diferencia entre la posición de esta madre con la del cuadro de Dos hermanas, en este caso volvemos al mar, la maternidad, pero esta mujer lleva una flor roja en su mano, es un cuadro que Picasso realiza para un doctor, que era ginecólogo y fue probablemente el pago por algún servicio, curiosamente a principios del XX, Freud cita que cuando una prostituta llevaba un lirio rojo era señal de menstruación, tema que ya habia abordado en algunos dibujos. El hermano de este doctor es Emili Fontbona, escultor, apasionado de Rodin y Picasso le pide que le enseñe a modelar, en Mujer sentada vemos que parece despertar en él un interes por la obra de Rodin, obra que le lleva a experimentar con la tridimensionalidad no solo representar y engañar al ojo con el dibujo como los pintores figurativos, a Picasso le ayuda a penetrar en el volumen, nos fijamos en ese modelado de la espalda, esta posición la hemos visto en las bebedoras de ajenjo apoyadas, no son dos mundos diferentes esta intrusión en la escultura, sino que tiene algo en la cabeza que lo hace investigar. Cabeza de un picador con nariz rota y El bufón. Los tres tahitianos de Gauguin tiene relación con la obra Rameras en un bar, Picasso lleva al extremo la simplificación de estas formas, lo único anecdótico que vemos es ese vaso vacío que nos ayuda a situar la escena en un bar, nos trasmite soledad aunque el bar este lleno. En una carta a Jacob, Picasso le dice que los artistas creen que pone demasiada alma y poca forma en lo que hace, dice que sus libros son idiotas, por tanto esta es la opinión de Picasso cuando habla con su amigo haciéndole ver que no está a gusto, que toda esa Antes de conseguir el dinero para regresar a Barcelona a principios de 1903 hace una versión del Vendedor de muérdago, una obra en la que el Greco sigue presente en el sustrato de fondo (San José con el Niño Jesús) Richardson dice que Picasso lo considera una especie de alegoría de su papel de Mesías para con su padre. Mantiene el formato de las figura alargadas, contrastes fuertes entre luces y sombras, se lleva al extremo la monocromía cada vez más pareciéndose a las grisallas pero en tonos azules. Ya en Barcelona durante los 15 meses siguientes que está allí se dedica a perfeccionar la síntesis de lo que habia estado trabajando desde la expo en la galeria Vollard, por un lado los primitivos catalanes, el Greco, Luis de Morales, Poussin con sus paisajes, Puvis de Chavannes en los frescos del panteón y Gauguin. Como consecuencia de esta asimilación de elementos tan dispares, Picasso consigue un estilo que podríamos calificar de comedido y original, pese a toda esta mezcla de elementos. En Desamparados 1903 podemos advertir las referencias A Luis de Morales una maternidad donde explora el volumen no existe ya la planitud de naipes, la corporeidad de las figuras es mayor que en La sopa o las dos hermanas. En la obra de Luis de morales (Virgen con Niño) hay una relacion entre madre e hijo donde el espectador es ignorado, algo que desaparece en las figuras de Picasso, tenemos un rasgo que mantendrá en toda su trayectoria, entre los personajes casi nunca hay una relación directa no se miran los unos a los otros. La mujer del mechón 1903 vemos una distancia con la de Desamparados, podemos ver más monocromía, la mujer está sola (va esencializando, ya no es una maternidad), la vemos más triste. En esa primavera comienza a dar vueltas a La vida, una obra donde el tema del pintor vuelve a ser la vida y la muerte, una dualidad que Picasso siempre va a tener presente, una lucha de gran intensidad, una obra donde mira nuevamente a las cartas del tarot de su amigo Jacob que apunta a lo sagrado, lo profano, lo místico. En el Abrazo comienzan a definirse las piezas del puzle que darán como resultado el cuadro de La vida, es una composición en la que trata a las figuras no de forma distante sino de un modo cariñoso, es un pastel de ahí su mayor calidez, encontramos dibujos preparatorios que nos remiten a La vida y que nos ayudan a saber dónde están las dudas, que es lo que el artista realmente está buscando y como pretende solucionarlo plásticamente, el rostro con el que trabaja al inicio es el suyo, también vemos el lienzo que en la obra final se va al fondo y lo que en la obra ya concluida parece una maternidad era en principio un señor mayor con barba y surge la duda de si sería su padre. En los diferentes intentos y combinaciones de figuras de los bocetos vemos como al parecer Picasso busca una especie de alegoría como ya habia hecho en el cuadro del entierro de Casagemas, una en la que hablar se sí mismo, pero al mismo tiempo lo suficientemente universal para que esa intimidad quedara diluida. Si seguimos revisando hay uno en el que el personaje aparece con el gesto característico del mago en las cartas del tarot, que presenta la voluntad, la creatividad, la capacidad y la astucia, pero ¿quién es el mago? Es un Hermes Trimegisto personaje de la mitología griega, primero Jacob y despues Apollinaire asociaron a Picasso con este personaje. Con una de las manos señala arriba porque de ahí proviene el poder y este pasa al plano inferior a lo terreno y lo señala con la otra mano, este personaje estaba asociado al dios Thot egipcio (dios de las artes, la magia y la sabiduría) y con el Hermes griego (mensajero, astucia). El tema de Hermes Trismegisto simboliza lo que para él debe ser el artista, el artistas es un creador, crea de la nada, el artista crea otros mundos. Aunque quite la imagen del su padre y el caballete sigue hablando de dar vida como creación, haciendo un símil con la creación artística. Picasso en el mundo del arte se ve como creador de nuevas vidas, algo que queda reflejado con el recurso compositivo de una obra dentro de otra. Debemos destacar tambien como en La vida aparece por primera vez la idea del estudio del pintor como Theatrum mundi Por tanto tenemos una mujer embarazada, el pintor en el taller, la imagen del pintor joven pasando al viejo, por lo que contradice la idea de que fuera una alusion a su amigo Casagemas o a su impotencia porque lo que vemos es una alusión a la creación en su estado puro, al final por razones plásticas se observa que el brazo levantado ha sido suprimido, la mujer con el niño sustituye al pintor maduro, si volvemos la idea hacia las cartas del tarot puede apreciarse una afinidad compositiva y temática con la carta de los enamorados, en la carta aparece cupido que nos invita a elegir entre el amor sagrado y el profano, entre someterse a las pasiones o dominarlas. Todos los personajes parecen ensimismados, no hay un cruce de miradas. El rostro de uno de los personajes principales deja de ser el suyo para poner el de Casagemas, esto nos puede hacer pensar que este cuadro gira entorno a su amigo, pero este cambio fue de última hora. Vemos también referencias al cuaderno Noa Noa con la imagen que aparece en la parte de atrás, recuerda al cuadro de Juventud y Vejez de Gauguin. A esta obra le siguen otras mucho más sencillas como La comida del ciego (1903), El viejo guitarrista o El viejo judío en las que ponen sobre la mesa el temor que le genera que su padre esté perdiendo la vista, peligrando su puesto de trabajo como profesor en la escuela, además de que la ceguera es uno de los peligros o secuelas del sífilis, que el ya habia sido atendido por aquel médico que le permitió contemplar la vida de estas mujeres. Por lo que estos cuadros, al igual que hiciera con el tema de su amigo, podemos pensar que hay un cierto deseo de conjurar este riego de perder la vista. En sus últimos meses en Barcelona, Picasso emprende la realización de un encargo, unos retratos individuales de la Sra. y Sr. Soler y el más ambicioso de todos La familia Soler que nos recuerda al Almuerzo en la hierba de Manet, nos llama la atención la iluminacion, de como todos los personajes tienen la mirada perdida en el pintor (igual que en el de Manet). Hay que mencionar que ambos artistas tienen un punto de encuentro en esa proximidad a los grandes pintores españoles del siglo de oro por los que se vieron influenciados. Picasso abandona la pintura por falta de interés, a pesar de ser una figura campestre él pensaba dejar el fondo anulado, pero Soler pidió a otro pintor que realizara un fondo convencional de paisaje. Esta obra fue vendida por mediación de Kahnweiler y Picasso insistió en eliminar el fondo, probablemente esta obra no era más que un trueque con su sastre. Mujer en camisa mantiene en el fondo el color azul, es un retrato de Madelaine, y podemos percibir en esta obra que Picasso ve que la etapa en la que estaba se agotaba y estaba confesándonos que se haya dispuesto a iniciar una nueva senda, a lanzarse de nuevo al vacío. Esta mujer quedo embarazada y con el consentimiento de Picasso aborta, pero un año más tarde por esas fechas en las que el bebe hubiese nacido aparecen estos retratos y maternidades. Al cerrar esta etapa del periodo azul podemos destacar:  Cierto retorno al clasicismos, al hieratismo, a las apariencias escultóricas, a las figuras monumentales, pero dentro de unos temas un tanto patéticos que consideramos son una esencia del modernismo. Misma esencia que vemos reflejada al dibujar las formas y los contornos con líneas gruesas que también nos remite al cartelismo.  Continuas referencias al Greco en composición, estilización, combinaciones de colores, zonas de contraste entre luces y sombras, y las monocromías.  Sus composiciones son cerrada y estáticas, cuando hay más de una figura no tiene solvencia ni soltura como para encajarlas en una gran composicion. Además confiere al azul una simbología y emoción típica de la época.  Aunque aparecen diversos personajes del extrarradio de la sociedad, lo que no parece que sienta el espectador es que haya una denuncia, no se quejan sino que simplemente hay una ausencia de felicidad y apelan a la tristeza. Son presencias solemnes e intenta buscar ese punto entre la proeza técnica mediante el manejo de la monocromía y la manipulación por medio de la búsqueda de la empatía con esos sentimientos.  Vemos como poco a poco comienza a centrarse y detenerse más en las formas que en esos sombreados y focos de luces. V. Del azul al rosa. Hacia un mayor esteticismo Este periodo se caracteriza por:  Ser mucho más esteticista, donde el gusto por la belleza de las formas está más presente, vemos como la belleza está por delante de muchos aspectos, intelectuales, religiosos y morales.  Veremos el tema del arlequín y su significo, así como la importancia que tiene el viaje que realiza a Holanda en el verano de 1905.  La escultura se convierte en una referencia en la obra, son momentos de continuos experimentos formales que se reflejan a su vuelta de ese viaje a Gósol en el verano de 1906. En Mujer con corneja (1904) vemos continuidad y cambio en la obra, continuidad con este arquetipo de la Bebedora de ajenjo pero ahora con esas espaldas amplias, el cuello embutido, cambia la pintura, el modo de trabajar la figura, el color y la pincelada. Esto será una constante en la obra de Picasso, mismos temas pero con distintos vestidos. Tiene una belleza, una gracia que no habíamos advertido en anteriores obras, juegos de contrastes, armonía y equilibrio que injerta en esos años en los que en París se mira nuevamente hacia lo decorativo, presta atención al detalle, el cabello que cae, el modo de trabajar la cabeza, una belleza que atrae. Esta obra nos da puntos claves para ver a donde se encamina Picasso, antepone la belleza a temas morales o religiosos, es una obra ante la que Picasso se interroga, es una obra de balance de donde estoy, que quiero, que pretendo, hacia donde me dirijo, hacia donde quiero llegar. Pinta tambien esta Maternidad 1905 en continuidad con los temas de la maternidad de Madeleine, y Madre e hijo en las que vemos cómo cambia de color pero todavía sentimos el peso de la época azul. Sin embargo debemos destacar la aparición de un nuevo tema, los saltimbanquis, personajes pobres que se mantienen al margen de la sociedad por vivir de su arte, algo con lo que Picasso se va a identificar, un artista que vive en la pobreza sacrificándose por su arte. Personajes marginados pero que poseen algo que los redime que es su arte, quizás esto es lo que le lleva a centrarse en el protagonismo de la belleza más allá de los contenidos, en el modo de abordarlos; un camino que le llevará hasta abordar en el cubismo la forma pura, en buscar la pintura en sí misma y no tanto en lo que en ella nos cuenta. Mujer desnuda sentada 1905, es importante considerar como las drogas (opio, hachís, éter, morfina) juegan un papel importante, este hecho nos dice que puede ser el responsable a la hora de ablandar los temas, sin embargo para Picasso el proceso de creación era sagrado, por lo que buscaba un estado equilibrado, consciente y de buena salud. En general las obras de este periodo (1904-1906) se caracterizan por una especie de languidez, por eso algunos estudiosos hablan de la sangre negra de la adormidera (las drogas). Es curioso como Leger describe las reacciones de sus amigos al consumir drogas, en el caso de Picasso lo que le obsesionaba era su temor de no tener ya nada que aprender, de no ser capaz de cambiar, de evolucionar, esto nos habla mucho de los cambios a la hora de su trayectoria profesional. En Contemplación 1904 podemos imaginar un significado simbólico puesto que el personaje tiene su parecido con Picasso, está contemplando a una mujer o a una creación, a esa obra que está por venir. Obra que podemos poner en relación con Noa Noa o con la obra de Júpiter y Antíope que hará posteriormente, es simplemente su atracción por las mujeres, el cuerpo femenino como clave de su arte que espera a ser revelado en su obra como creacion, un paralelo entre la mujer y la creación. El arlequín con copa fue un encargo de uno de los establecimientos que solía frecuentar, Picasso se retrata junto a la hija del dueño y es la única que realiza durante este periodo con un propósito y un lugar identificable (como en la familia Soler). Es significativo que se retrate como arlequín ya que está posando como artista y como interprete, de manera que el tema central de esta obra para un local de distracciones es la figura del artista, pero el artistas tambien en su marginalidad, el artista en esa vocación de ser interprete de los misterios, de algo que revelar a traves de su pincel. Familia de saltimbanquis vemos diferencia en el tratamiento de los personajes y del fondo, está investigando realmente la pintura, como el arte puede quedar solo pendiente de la plástica, que la pintura sea la protagonista en sí misma, ha ido trabajando por separado los mismos personajes para crear una gran composicion a modo de resumen, invierte nueve meses en la realización de esta obra, realiza muchos dibujos, ensayos previos que sobre pinta en diversas ocasiones, en origen su idea era Familia de saltimbanquis (II) ese entre bastidores, pero quizás le resultaba demasiado anecdótico y narrativo, necesita concentrarse en aquello que le interesa especialmente, podemos decir que lo que intenta hacer es el gran resumen de lo que ha sido su trabajo en el tema del circo, usa posturas y gestos que ha usado antes. Se nos presenta como una síntesis de los experimentos formales y temáticos que ha estado llevando a cabo durante esos años, finalmente seis figuras, un paisaje mucho más indefinido de lo que veíamos en paisajes previos, podríamos hablar de un equilibrio frágil, tenemos ese grupo de figuras en el que si quitamos a una todo el peso cae a uno de los lados, la mujer nos recuerda a una tanagra, Picasso quizás pretende dar cierta inseguridad al espectador. Encontramos una composición irreal, no hay unidad entre los distintos elementos, se nos presentan distintos puntos de vista por lo que no existe la relacion entre los personajes (no parece natural), la comunicación entre los personajes es mínima, de alguna manera intenta trabajar con la planitud, juega con la tensión de la planitud pero da volumen a las figuras, no son planas como El actor y sin duda alguna se mueve dentro del simbolismo, a medio camino entre el arte académico y la vanguardia, percibimos la influencia de la tradicion clasica francesa de Puvis de Chavanne, de Degas. Picasso parece decidido a hablarnos de la relatividad de la percepción artística y nos sorprende que lo haga a partir de una figura anecdótica, de un cuadro de historia, existe una identidad entre estos personajes y Picasso que ha andado de forma itinerante como estos artistas. Esta diversidad de pinceladas en los tratamientos de las diferentes partes del cuadro nos dice hasta qué punto Picasso se planteó la realización de esta obra, una tonalidad de los colores mate que recuerdan a esos murales de Puvis de chavanne y las pinturas al fresco del Renacimiento, está en esa búsqueda y denota cierta inclinación hacia lo académico. Él viaja a Holanda y no la acaba hasta su regreso en 1905, nos hace pensar que más allá del simbolismo del arlequín, está preocupado por definir donde está el arte. Acróbata con balón 1905 la remata cuando regresa de ese viaje a Holanda, ademas de interrogarse sobre su papel como artista de alguna manera reflexiona sobre el quehacer del arte, es pregunta más personas y general de que es el arte, para que sirve y que puedo yo aportar, de manera que en ese planteam iento camina a los problemas básicos de la forma, declara esas intenciones en obras como esta. Esto lo afirmamos porque esta investigando los límites de los equilibrios de la composicion nos fijamos en las formas, las masas, en la tensión en primer plano tenemos una masa pétrea, un cubo frente a la esfera y un gigante acorde a esa masa pétrea del cubo en el que esta sentado. Replica estas luces y sombras en las espaldas de los gigantes, vemos frente a ese equilibrio la esfera, pura ligereza frente a la gran masa dl cubo tenemos una figura estilizada e incluso sinuosa, la definición frente a ese paisaje que habia intentado en esos momentos aquí lo consigue. Una de la sobras más poéticas de este periodo en cuento a evocar un poema de Verlaine, muchacho con pipa, al que Jacob le habia introducido, este poema situa la escena en el palacio de batana donde los jóvenes experimentan los pecados capitales. Se cuenta que una madrugada cuando este grupo de amigos de Picasso debatía, Jacob cita este poema, Picasso abandona la discusión, regresa a su estudio y corona a un muchacho inacabado haciendo esta obra. Esto nos da la idea de que a Picasso no le basta la plástica sino que necesita un sentido, esto lo consigue cuando le da una identidad al personaje. A continuación realiza Muchacha joven desnuda con canasto de flores, que vendía su cuerpo y las flores, Picasso prefiere centrar su atención en una sola figura que le permita crear imágenes más compacta y estática. En el verano de 1905 es invitado a Holanda por un periodista muy fan de él, Tom Schilperoort, y su decidida aceptación nos hace pensar que el artista se encuentra en un momento de reposo. La obra que realiza durante el viaje tiene un cierto aire clásico, Las tres holandesas, muy cercanas a Las tres gracias de Rubens. Nos encontramos con una obra tan contundente que parece prefigurar lo que son esas gigantescas mujeres pétreas de las obras, La bella holandesa, que nada tiene que ver con las escuálidas figuras que hemos visto hasta ahora, mucho más voluptuoso. Cuando regresa de Holanda termina la familia de saltimbanquis y simbólicamente pinta La muerte del arlequín porque presencia otro suicidio y le recuerda a su amigo, por eso pinta esta obra, simbólicamente podemos decir que cierra la etapa de los arlequines en la obra de Picasso. Comienza un nuevo tipo de temas y de formas de abordar la figuracion en la obra de Picasso, jóvenes que recuerdan el mundo griego arcaico y que tienen una serie de referencias escultóricas. Volvemos a los fondos prácticamente anulados que tienen improtancia en la expresividad de la pintura; fija su atención en las esculturas arcaicas griegas, en formas de grandes volúmenes, en el desnudo masculino, probablemente sus largas visitas al Louvre y a la colección de los kuroi, porque en estas obras si que advertimos es que se ha producido una simplificación de las esculturas de los kuroi al trasladarlas a un soporte pictórico. El mayor colorido que podíamos advertir en Familia de saltimbanquis se ha quedado en esas tonalidades ocres, grises, usa mucho la acuarela y la aguada con frecuencia aplicada sobre el lienzo mezclándolas con la tinta y el pastel. El arte no tiene porque trabajar para engañar al ojo, el arte se vuelve autónomo y la plástica va teniendo cada vez más peso e importancia, el arte busca su propio lenguaje, por lo que aunque parta de esas escultoras arcaicas griegas estan simplificadas, solo representa aquello que más le interesa. Los adolescentes, el hecho de que nos enseñe esas vasijas de barro nos revela cuales son sus intereses y sus referencias en este momento, estos chicos sobre todo pintura, vemos la simplificación de las formas, el cubo de la hornacina de las cerámicas hasta donde se sienta el chaval que nos recuerda al Espinario. Otoño de 1905 Picasso habia tenido una cena donde estaba Gertrude Stein y el pintor le pregunta si puede retratarla, obra que se prolonga en el tiempo. Picasso siente hacia ella una gran admiración, es una mujer muy cercana a esa Holandesa y comienza a personificar para Picasso lo que son esas dríadas, diosas de la fertilidad tan poderosas como pueden ser las deidades masculinas, en ese androgismo nos encontramos con que el lesbianismo de ella la convertía para Picasso en ese ser andrógino. Llega un momento en el que le borra el rostro, no logra fundir en ella su personalidad, lo que estaba asimilando de Ingres, superar a Cézanne y ponerse por delante de Matisse, Matisse será el único rival que reconoce y mira como a un igual, esta rivalidad incrementa la producción de ambos, de manera que cuando Matisse acapara la atención del público con Alegría de vivir, Picasso se muere de envidia. Era una obra más avanzada en el color, la forma que los saltimbanquis, se siente como un segundón hasta que dos años más tarde consigue hacer las Señoritas de Avignon, que no son expuestas pero le hacen recuperar su liderazgo. Despues del verano de 1906 acaba el retrato, hasta que no regresa no completa su fisionomía y lo hace sin que ella este presente. En ese verano viaja a Gósol, vuelve a España después de hace dos años, Apollinaire lleva a Vollard al estudio de Picasso y compra veinte de sus primeras obras importantes y con dinero decide irse a este pequeño pueblo con la intención de aislarse, encontrar un sitio alejado de las interferencias de las obras de otros artistas, antes pasa dos semanas en Barcelona. Este pueblo esta aislado y solo tiene un única posada regentada por Josep Fontdevila al que retrata, Picasso se rapa el pelo y progresivamente se va identificando con este personaje lleno de energía a pesar de su edad y se preguntaba si él sería igual (se dice que se pudo inspirar en él para hacer sus autorretratos cadavéricos posteriores). Estos tres retratos nos permiten contemplar una síntesis, una abstracción el de Josep es más realista y pasamos a donde Picasso simplifica más las formas, el siguiente vemos como mira la realidad y busca lo que es esencial prescindiendo de lo innecesario, para finalmente vemos como partiendo de lo anterior busca un lenguaje propio tomando como punto de referencia la geometría. Retrato de Fernande Oliver, a pesar de estar veraneando en el campo, sigue pintando mujeres, mujeres dignas no son las prostitutas o las que vagabundean, son dignas, que hacen su trabajo del que no tienen que avergonzarse. Son años en los que no debemos olvidar ese mediterraneísmo del que hemos hablado El aseo de alguna manera estos desnudos de Gósol los fondos son como si hubiese una luz que envuelve a las figuras y unificar la composición, algo que ha aprendido de el Greco; Picasso plantea una figura embellecida por el pincel que de algún modo rinde homenaje al poder transformador del arte. Vemos el estudio sintético de los rostros que le permiten poner distancia con la realidad, la síntesis provoca el alejamiento del modelo real, Gosol y Paris 1906. Mujer con niño y cabra inspirada en bañistas de Gauguin, Venus anadieomene de Ingres, por lo que podemos desmentir que la obra de Picasso crea de la nada. Su siguiente composicion será El harén 1906, de nuevo es un conjunto de figuras trabajadas por separado y que hemos visto en varias ocasiones, resulta una obra más coherente, más unitaria quizá porque ha conseguido esa luz que da uniformidad a la composición, vemos al eunuco un personaje enorme con un bodegón y un simbolo fálico. Tenemos la obra de referencia que es El harén de Ingres, mucho más simplificada y todas las figuras responde al estereotipo femenino de Fernand Olivier, son mas etéreas, pueden disolverse en la atmosfera y este personaje del eunuco sustituye a la mujer que ocupa el primer plano en el cuadro de Ingres. En esta obra juega con Ingres como hizo con el Greco en el Entierro de Casajemas, ha devorado las enseñanzas de Ingres y vuelve con la obra de El florista ciego hacia EL Greco, con la anterior vemos un compendio aquí vemos cierta búsqueda de experimentación que comienza en Gósol y acaba en Paris, vemos cierta síntesis del manierismo que hemos visto en el muchacho con pipa, que recuerda al rococo, hay un poco de la compasión de la época azul, porque no es la primera vez que la niña guiando al ciego aparecerá en su obra. Lo interesante es el ensayo que hace de un recurso que está en línea con los recursos del cubismo. Vemos como en ese aislamiento de Gósol Picasso se siente más confiado, los autores dicen que estos ojos almendrados son referencia a las vírgenes románicas del siglo XII. A finales de agosto dejan el pueblo para evitar enfermarse de fiebre tifoidea. Siguiendo con el florista ciego podemos concluir que no hay separación entre las imágenes, no hay espacio entre las figuras, la iluminación no procede de un único punto, plásticamente es coherente pero no responde a una luz real . Tenemos estos temas de la mujer, de los desnudos, aparecen señoras rotundas, tenemos este tema del harén como un punto de partida para lo que seran las señoritas de Avignon. Cuando regresa a parís, podemos decir que en Gosol encuentra lo que admiraba de las esculturas ibéricas que habia observado en el Louvre, decía de estas esculturas eran la gran separacion de la norma clasica, esto implica para alguien que desde muy niño ha La frase de si el escultor de hoy tuviera el coraje y el talento, lo ve como un reto, una belleza con tintes de maldad, que viene del pecado, una belleza deseada. Algo similar ocurre cuando se hablaba de las mascaras africanas, esas poses, horripilantes ninfas, Warncke situa la visita de Picasso al trocadero en el verano de 1907, muestra estudios de Picasso donde aparecen recursos similares a las máscara africanas, quería afirmar que el parecido a las mascaras africanas era casualidad. Otro autor nos habla de las visitas de Picasso al museo (…) Las señoritas de Avignon llevaban tiempo en su mente, configurándose en diferentes estudios, lo que caracteriza a las máscaras es la expresividad y la simplificación, la esquematización. En 1939 la obra de las señoritas es adquirida por el MOMA, Alfred aseguro que esta obra era la principal del periodo negro de Picasso… hasta que Picasso no concluye daiks es quien hace su catálogo razonado que desmiente que las señoritas no tenian relacion con la escultura africana y que resaltara la idea de que tenía más relacion con la ibérica. Picasso quería desviar la atención de una de las fuentes principales de inspiración. Picasso con las señoritas de Avignon en marcha quiere hacer esta especie de exorcismo, convocar la creacion de una obra maestra ayudando a no caer bajo la influencia de los malos espíritus, las piezas como intercesoras y el artista como mediador, Picasso estaba convencido que la fuerza y energía de las personas podían pasar a traves de las cosas, de manera que esto podría ser en el sentido inverso, de manera que la necesidad de poseer estos objetos le atraía. Tenemos Baudelaire como inspiracion temática, el mundo africano e ibérico por sus soluciones formales y por ese carácter mágico como fetichista que conlleva la posesión. Picasso conoce a Matisse a finales de 1905 con los hermanos Stain, posteriormente conoce a uno de sus seguidores, Derain, ambos representaban la vanguardia, habian reflexionado sobre las aportaciones de Cézanne y habian decidió abandonar esa pintura ilusionista y experimentar en la expresividad del color, en ese abandono del tema por el color vemos como intentan buscar soluciones fuera de la tradicion, miran civilizaciones arcaicas. Ambos miran hacia el mundo africano, hacia la antigüedad como hace Picasso, al que le añadimos lo ibérico, por tanto de una forma independiente los tres descubren la expresividad puramente formal de otros modos y otros tiempos. En Matisse y Derain podemos decir que esta aproximación viene a confirmar una aproximación a una tendencia en la que ya estaban ubicados. Derain decide enviar al salón de 1907 esta composición de Tres bañistas, se afirma que en este cuadro se articula el constructivismo de Cézanne con la expresión del arte negro. Picasso se inspira en esta misma obra para su composición general, introduce la que estaba sentada que era la versión que tenía Matisse. Cuando en marzo de 1907 se expone la de Derain y el desnudo azul de Matisse causan sensación, Picasso se siente expoliado. Picasso se apropia de esta fuerza compositiva de Derain y de Matisse, lleva a los límites las formas, los trazos, las deformaciones, podemos decir que los tres estudian las bañistas de Cézanne al mismo tiempo que buscan un lenguaje puramente plástico y ese recortado geométrico de los planos, los contrastes de las formas, el ritmo si que podemos decir que alcanza sus niveles más altos en las señoritas. Esta visión paralela de las tres obras no fue posible porque las tres permanecieron ocultas a la mirada del público por hallarse en colecciones privadas, 1921 surrealista consiguen que la compren la obra y la publican en la revista surrealims y en 1934 la compra el MOMA. En 1916 esta obra fue expuesta pero nadie reparo en ella, iba a permanecer oculto, todos fueron comprados y no seran expuestos. Tres mujeres. Habíamos visto como este punto de union entre ellos (Picasso, Matisse y Derain) estuviese en Cézanne. Durante mucho tiempo los nexos de union de estas obras se habrían mantenido ocultos al pertenecer a colecciones privadas que no cualquiera podría observar. Picasso conservo sus señoritas rechazadas por sus amigos hasta finales de 1921 cuando los poetas surrealistas, Breton, hicieron que un coleccionista lo compara antes de publicara en su revista Revolución surrealista de 1925, en 1936 en comprado por el MOMA por Alfred Yard que lo habia calificado como la primera pintura cubista. Las señoritas no fueron la única obra realizada con estos rasgos sino que tambien teníamos otras como desnudo con Paño que compraron los Stein o las tres mujeres, es decir que todo ese entorno habia desaparecido de la vista de los historiadores y de los espectadores. Para Pierre Daix las señoritas ocuparían un lugar fundamental en el desarrollo de la pintura, fase que va desde le chico llevando el caballo pasando por el retrato de Stein hasta llegar al Desnudo con paño. Centrándonos en la obra, desde Picasso abandona Gósol vemos obras como Dos mujeres desnudas es las que concibe las obras a partir de un volumen plástico, tendencia a reducir, simplificar en unos pocos bloques, viola las proporciones y las formas naturales, descuida la perspectiva, las relaciones de las diversas partes del cuerpo entre sí, el contorno y los colores no se amalgaman para obtener ese efecto desilusión figurativa sino que vemos una desvinculación entre ellos y manteniéndose unidos en su misión de engendrar la forma. Con todo ellos lo que Picasso quiere es poner en manifiesto como la pintura puede crear una serie de realidades independiente a la realidad, tiene un carácter autónomo. En otoño de 1906 empieza el camino a su gran obra, en 1907 realiza su primera composición general en las que cinco mujeres de forma redondeada aparecen acompañadas de don hombres y podemos identificar la escena fácilmente (un burdel), vemos dos cortinajes que enmarcan la escena. En el siguiente esbozo vemos que ha simplificado el contenido y la forma, los dos personajes masculinos han desaparecido, son mujeres hechas en base a lineas rectas y angulosas en las que el carácter redondeado a desaparecido. Alrededor de 800 estudios previos, nueve meses de concentrada labor que le llevo a dejar su relacion con la chica que le acompañó a Gósol porque le molestaba su presencia. Podemos ver dos fases de desarrollo una temática y otra formal, que se realizaron de forma separada con el objetivo final de unirse, por un lado busca desarrollar un lenguaje formal que tenga las mínimas referencias a la naturaleza para que manos y se convierte en la protectora del pueblo. Podemos divagar en que la obra no vio la luz porque Picasso creía en esa fuerza exortizadora, cumpliría esa funcion de estatuas africanas de los antepasado. Para las señoritas Picasso titubea, consigue mantenerse a pesar de los comentarios de sus amigos y sigue buscando, pero consolidando los pasos que ha encontrado. Una de las obras que realiza inmediatamente despues es Desnudo con paños, que se mueve muy dentro del estilo africano, vemos el rayado como unificador del espacio y el fondo a pesar de no responder a las luces y las sombras, Picasso esta desarrollando un modo de representar puramente plástico. Se habla de este rayado que puede ser una sugerencia de la escarificación (incisión) que presentaban las máscaras africanas. Aunque sea una composición estática el rayado da movimeinto a la composicion. Desnudo (la bailarina de Avignon) vemos como deja el rayado en un intento de consolidar lo anterior. Estudio de bañistas sigue trabajando con las bañistas de Cezanne en el que rompe con la falta de profundidad, por la barca parece que rompe hacia el espectador, las figuras son mas hombrunas, se evidencia cada vez más la musculatura. A pesar de que trabaja en esta temática abandona la idea de una gran composición y las divide en pequeños grupos, una de ellas es Amistad quizá una alusion a Gertude Stein y Alex toclas, en esta ocasión tiene más en mente lo que son las esculturas africanas, ese entrecruzamiento de las figuras nos lleva al mundo africano, esas esculturas que son un desdoble de imagen que evoca la union con los antepasados a traves de su funcion mediadora. Desnudo de pie 1908 vemos la absoluta geometrización, pero que consigue trasmitir esa misma sensación de fuerza, potencia latente que emana de esas esculturas africanas de los antepasados. Hizo varias obras jugando con este tema, juega con el recurso de la escarificación tribal y vemos como cada vez más los volúmenes se convierten en una articulación de planos segmentados, Las tres mujeres, hay algunos autores que hablan de esta obra como un intento de escapar de Cézanne. Braque La femme y Derain La toilette vemos como este tema está presente, Picasso se ha alejado mucho de Derain a pesar de haber partido de Cézanne y en Braque podemos ver una sintonía en el tratamiento aunque con formas más redondeadas. A finales de la primavera de 1908 sale de esos desnudos y nos encontramos con Mujer con abanico, tiene un carácter pétreo, figuras magiestaticas del mundo egipcio, sigue la tendencia a la geometrización y a la construccion de volúmenes simplificados, vemos el carácter sosegado algo que vuelve a su pintura en los años 20 con el gigantismo de sus figuras. La granjera refleja honestidad y fortaleza por el trabajo en el campo, la convierte en la personificacion de una deidad relacionada con la madre tierra, con los pies a traves de los que se absorbe la energía de la tierra, brazos geometrizados. Surge despues esta Dríada o ninfa de los bosques, se supone que la vida de la ninfa duraba lo que durase el árbol al que se suponía estaba unida, tenemos nuevamente la idea de deidad madre, encarnación de la tierra, nos fijamos en los planos de luz que usa para representar los volúmenes y el espacio. La fuente de referencia para esta composición en un ensayo del siglo XVI (Tesalio) posiblemente enseñado por Apollinaire. Desnudo sentado de nuevo esta mujer monolítica que recuera por el rostro al mundo de la Polinesia, a los tótems, sea como fuese vemos figuras sumamente enraizadas con las energías, los espíritus de las que estas proceden. Podemos decir que es a finales de 1908 que alcanza a Matisse y a Derain, por lo que decide enfrentarse solo a Cezanne para sondear todos sus secretos, y en otoño descubre que del mismo modo Derain se enfrenta y toma como referencia a Cézanne. VII. 1908-1912 Del cubismo analítico al cubismo sintético 1912-1915 Picasso parte de lo que habia demostrado Cézanne, que habia posibilidades artísticas en el uso arbitrario de los medios de expresión (el modelo, la forma, la perspectiva cromática), la gran hazaña de Picasso con las Señoritas es que concibe verdaderamente un nuevo lenguaje formal que se materializa con esta obra, lo que demuestra esta obra es que se puede engendrar algo nuevo sirviéndonos de medios tradicionales de las artes plásticas, es sobre esta base sobre la que ira construyendo el lenguaje cubista. En un primer momento será analítico y después sintético, puesto que Picasso no parte de la aventura del color, no se ha mostrado propenso a los colorines sino que lo suyo es la forma. Formulación de un nuevo lenguaje basado en: o Autonomía de la linea, no sujetas a la imitación, la autonomía de las estructuras de lineas y colores no imitativas posee el mismo valor que la preproducción de la realidad, y ademas resulta estéticamente convincente. o Puede superarse la distribución convencional de un cuadro en sus planos delantero, central y trasero, podemos convertirlo exclusivamente en un anuncio plano o Nos demuestra que puede superarse la delimitación entre motivo y entorno, nos cuesta diferenciar a figura del entorno. o Autonomía, superación del plano y superación de motivo y entorno (resumen). Encontramos una serie de paisajes que realiza en el verano de 1908, busca que se desarrollen desde una estructura espacial autónoma, estiliza sus formas y quizás son estos paisajes los responsables del término cubista que utilizarían para denominar este estilo. Paisaje la rue des bois comienza con estructuras simples verticales que enmarcan y recortan ese espacio que va a analizar, va a desestructurar. Braque llegara a unos resultados parecidos casita en un jardín. Empieza a ver los paisajes como veía los bodegones, intenta traducir la realidad que está contemplando, usando ese nuevo lenguaje Paisaje con dos figuras casi como una nueva reinterpretación de Picasso de las bañistas de Cézanne. Braque en la misma época realiza Viaducto de L’estaque principios de 1908, durante su verano allí logra realizar una disolución de la construcción espacial y la temática, todavía en esta obra no ha conseguido romper esta perspectiva a la que estamos acostumbrados. Lo comparamos con el Castillo de la Roche-Guyon o Paisaje en L’estanque vemos como ya concuerda con lo que estaba realizando Picasso. Louis Vauxcelles será quien criticando una exposición de Braque escribió una crítica otorgándole el termino de cubismo, término que será retomado por algunos pintores para referirse a ellos mismos. Paisaje con un puente, despues de la exposición de 1908 en la galeria camwailer, comienza el intercambio entre Braque y Picasso que en ocasiones adopto la apariencia de una colaboración, se reunían comentando sus experiencias y logros sin dejar de sentir que eran rivales. En 1909 y en 1910 Picasso viaja a España, mientras que Braque se queda en Francia en la Roche-Guyon. Picasso Deposito de Horta de Ebro y Braque Viaducto de L'Estaque. Vemos como elimina toda la naturaleza que pueda distraer porque se concentran en las formas arquitectónicas. La Roche- Guyon de Braque vemos como la vegetación tiene una pinceladas más libres que no se constriñen a la línea ni a la forma de las estructuras geométricas arquitectónicas. Ya en Paris, Mujer con mandolina. La reina Isabel experimenta Picasso con el retrato de Fernand, con las formas del retrato que son capaces de transmitir una sensación espacial (el volumen de la nariz, la boca), se descomponen en luces y sombras convertidas en superficies que se entremezclan, que chocan, lo mismo lo vemos en Mujer con abanico 1909 vemos la botella al fondo, es un juego de superficies que se inclinan hacia el espectador. Picasso Bañista 1909 vemos una forma distinta de estudiar el cuerpo humano, no vemos homogeneidad, no es el cuerpo de las Dríadas que son un solo cuerpo. El gran reto es pasar esto que ha aprendido en los paisajes a la forma humana retrato Clovis Sagot. En las obras de Horta de Ebro vemos como se construye la perspectiva y los efectos ópticos para convertirlo en un entramado de formas geométricas, con diversas gradaciones de las tonalidades de color dominante, convertirlo en un entramado de formas geométricas. La fábrica, estamos viendo como para llegar al retrato de Vollard hace todo este camino. El viaducto, Casas en la colina el cielo esta trabajado como si fuese un entramado de paja. Braque Frutero y Mujer con peras de Picasso 1909, Braque nos ha regalado un bodegón y Picasso el rostro de Fernand Olivier, vemos como no depende del tema el tratamiento, como ha conseguido utilizar el lenguaje que ha experimentado en el paisaje y en las naturalezas muertas para llevarlo a ese rostros, porque si retrocedemos un poco (Mujer con abanico) siguen siendo rostros máscara, careta, donde no se ha despegado del volumen simplificado de una cabeza, se adentra en la experimentación de trabajar el rostro como si fuese un paisaje, con libertad pero siempre sujeto al reconocimiento de los rasgos anatómicos que permitan saber de quien se trata. Esto lo lleva al mundo de la escultura, una traducción literal en Fernande del rostro pictórico al escultórico, lo mismo ocurre con Manzana. En Desnudo en un sillón 1909 vemos como ya no es una muñeca mal ensamblada sino que vemos una figura construida despues de haber sido desmenuzada, combina los grises y los amarillos (no solo reflejo de la luz sino que son independientes, no se sujeta al color de la luz). Naturaleza muerta con botella de Anís del Mono ha parcelado la superficie del cuadro en facetas, introduce elementos ajenos a la composición porque simplemente funcionan plásticamente (coherencia plástica no una coherencia con la realidad representada), cada vez caminamos más a una representación platica pura, importa menos el contenido y el tema, si antes veíamos a las dríadas tumbadas junto a los árboles y tenian sentido, en este momento a Picasso le da igual lo que haya en el cuadro, el énfasis está en conseguir un lenguaje formal distinto desde el que mirar la realidad de forma diferente. El espacio en el cuadro deja de ser un lugar ficticio en el que suceden cosas y se convierte en un lugar en el que distribuir una serie de partes descompuestas tras analizar un paisaje, un objeto, una figura; esta radical descomposición hace que incluya partes que no estan ligadas a los objeto y lo mismo ocurre con las estructuras cromáticas completamente libres del contenido. Son obras que nos demuestran que la belleza y la sensibilidad estética de la pintura no esta ligadas a la ilusión visual de reproducir un objeto concreto. Mujer con mandolina, Mujer sentada en un sillón monocromía, la dificultad de encontrar la mujer sentada en el sillón ya que no hay jerarquización entre figura y fondo. En esta historia del cubismo se produce un cierto cambio a partir de 1911 y que se concreta en 1912, vemos Guitarrista de Cadaqués 1910 como los temas siguen siendo los mismos, pero lo que cambia es el tratamiento, está llegando a un punto en el que un paso más y estamos en la abstracción, pero no es algo que deseara. Comienza a introducir elementos como son cordones, Mandolinista 1911, esto de algún modo ligado a su relacion con Braque. El poeta vemos como usa el color ha usado una tonalidad gris azulados y en otras amarillos, Violin Jolie Eva vemos esas imitaciones de madera, lo que nos genera conflicto ya que se han querido alejar de la mimesis de la realidad, pero lo que vemos es como estos elementos no son usados con una coherencia en funcion de la realidad, sino que son usados de modo arbitrario, son redimensionados en función de esa lógica estética compositiva, por tanto son libres de la sintaxis tradicional, son combinados de forma plástica diferente. Se percibe ya una mayor claridad, los fragmentos en los que dividen la composicion son mucho mayores, intercesiones que no habíamos visto anteriormente que estaban perfectamente definidas e iban rompiendo la superficie, no habia estructura interna sino solo maquillaje, vemos unidad, una composicion en la que todo resulta coherente de principio a fin. Uno de los grandes logros del cubismo ayuda a ver la realidad de otra manera, ese mundo fragmentado que comenzaba a percibirse no esa realidad unitaria que habia dominado Picasso nos lo hace ver en estas obras, de algún modo nos dice a traves de estas creaciones que muchos otros mundos, de ver la realidad y otras soluciones son posibles porque él la ha encontrado. Violín, pintura y periódicos 1912 mucho menos sugerente y más sencilla, sigue usando el principio básico del cubismo que es la combinación de formas de un modo arbitrario, aparece la materialidad en esa imitación de maderas, reproducción de ciertas texturas, pero que tienen por sí mismas una capacidad expresiva. Guitarra j’aime Eva en las que asocia el cuerpo de Eva con la guitarra. Violín y partitura vemos como el mundo de la musica esta más presente en el bodegón con instrumentos musicales, nace un nuevo género ya que damos un paso más, lo que Picasso se plantea aquí es la necesidad de pintar cuando puede incorporar la partitura en sí misma, por lo que surgen estos Papier Colle o papeles pegados. Comienza a experimentar con esta posibilidades de ir empelando papeles pintados, impresos, esa estructura gráfica que ya tiene la partitura o el fragmento de periódico. Violín 1913-1914 ha sustituido esa imitación de madera con un papel amarillento con la gráfica del periódico, esta recordado de forma diferente, es síntesis dejando la figura prácticamente casi en el dibujo, la forma es más realista pero despues de pasarla por el cubismo analítico. El periódico ha perdido ese sentido funcional, no es simbolo de nada sino que sirve para ser percibido como un elemento gráfico, un puro elemento de la representación, esta introducción de los papeles pegados ayuda a renuncias a imitar la sensación de volumen, que si se conseguía con el uso del facetado. Botella en una mesa, es un realismo de representación casi como lo hacen los arquitectos de darnos como se ve desde arriba, abajo, es decir, combina distintas perspectivas, la perspectiva tradicional solo nos ofrece la vision desde un punto de vista y supone todos los demás, por tanto podemos decir que la vision de la botella es tan real como las uvas del pintor griego que venian a picotear los pájaros. La guitarra 1913. Otro de los generos desarrollados por Picasso es el collage, un objeto extraño es colocado en un determinado contexto de manera que cambia de significado, por lo que nos encontramos con obras paradigmaticas como Naturaleza muerta con trenzado de silla, vemos una composicion de tipo cubismo analitico complementada por un campo rectangular en el que se muestra el trenzado de una silla, este motivo esta representado de una manera realista porque procede de un recorte no es una imitación del artistas, el ovalo esta enmarcado con una cuerda hecha para que pudiese servir de marco, por lo que combina modos diferentes de traducir la realidad en imágenes. Podemos decir que le tema de las obras de estos años es el problema del espaico como ilusicon visual, ante obras ocmo estas es como si el artista shubiera montado, ensamblado, elimina efectos de luz y sombra, asi como la densidad de la pincelada. Escultura de papel de Braque de 1914 a este tipo de escultruas se las conoce como ensambladuras, esto es otro de los logros del cubismo del momento, esta nueva técnica desplegada en un soporte vertical (Picasso Guitarra) como si los hubiesemos descompuesto y los reconstruyeramos. Hay como una curiosidad por entender como funcionaria este lenguaje cubista en lo tridimensional, en la escultura, si es solo un lenguaje para la bidimensionalidad o se puede extender, no dejan de ser una traduccion desde la pintura. Mandolina y clarinete 1914, vemos como absorcion o un trasvase de un lenguaje que ha surgido en el medio pictorico y Picasso investiga si tiene razon de ser (o se divierte ) para el mundo de la esucltura. Bodegón el psicolabis. En un pirmer momento las obras tienen mas fescura la ser ejecutadas con materiales más comunes, Violin 1915. Podemos decir que es imposible (seguir experimentando sin alejarse de lo reconocible) por esta razon el cubismo a traves de estos objetos llega a la fase final de desarrollo y se habia convertido en el gran precursos de la vanguardia artisttica en europa. Nos encontramos con que el cubismo ha sufrido una internacionalizaicon como ñenguaje clasico, el descubirmiento o la construccion de este lenguaje habia dopstado una forma que se podia poner al servicio de diferentes sectores artisticos, se convierte en ejemplo y en catalizador, apaortan medios de expresion novedosos como el collage o la ensambladura y no debe extrañarnos que haya sido la difusion del cubismo la base de la que ha partido el reonocimeito de Picasso. Guitarra, calavera y periodico dentro del cubismo sintetico esa imitacion de la madera, la arbitrareidad. Mujer con camisa 1913, no podemos decir que es cubismo analitico, pero no hubiese sido posible sin haber pasado por ese analissi de la forma, esa ruptura que permite combinar de forma arbitraria esta serie de elementos. Si las comparamos con las Señoritas vemos como las figuras estan más deconstruidas, se nos ofrecen más puntos de vista de los objetos representados y es una obra mucho más plastica con el agregado de las texturas. Si pensamos en que nos queda del cubismo analítico, no habria la tela ni los referentes tan claros, ese fondo que nos hace tener encuenta de que todo lo importante esta en el sillón, ha resaltado la figura en la composición del fondo, por tanto una obra que no hubiera sido posible sin la investigación previa apreciamos gran soltura y libertad, un juego de arbitrariedades, divertido y que responden a toda esa sintaxis unica en cada obra, es decir, que la tela esta ahí porque si se quita de ahí no tiene coherencia, cada obra tiene su logica interna auqnue hablemos de Tenemos obras como Mujer con vestido español, la salchichona de 1927 vemos al igual que en el retrato de Olga presenta una obra inacabada o acabada sin cubrir todo el lienzo, resulta llamativo el tratamiento en este momento ya que no habia considerado hacerse puntillista aun en su momento de maximo esplendor, pero si vemo el cuado desde el punto de vista de la fotografia nos damos cuenta de que es a base de estos pequeños granos como la fotografía construye las formas, de manera que podemos encuadrar la obra en estos intentos de Picasso por comprender a fondo los recursos técnicos de la fotografía. Vemos un rostor nitido frente al marco, a la vestimenta de notable grano y ese fondo totalemten punteado. A estas obras hay que añadir las copias y las variaciones que realiza a paritr de reproducciones fotograficas de obras de arte, un ejemplo son las del matrimonio Sisley de Renoir, la obra de unto de partida es de Renoir, usa la fotografia como medio de sintesis, lo mismo que hizo sobre el retrato de su hijo lo hace con esta obra, sobre todo se ocncentra en los contornos, en lo esencial preocupandose poco por las gradaciones de color o las menciones al volúmen. Lo que vemos es como sigue experimentando, en su laboratorio realizando distintas obras, estudiando los resultados y para ello no hay nada mejor que trabajar siempre el mismo tema. Son muchas las obras de este tipo y con ellas percibimos como entrena la mirada y la mano para lo esencial, podemos decir que todas estas series o las que realizara posteriomente para los grabados seria imposible sin el entrenamiento que fue la obra de este periodo (obras del barroco esenciales porque no sobra ni falta nada). Estas obras que veremos despues en grabado se van a caraterizar por ser esenciales, por el estudio de la linea. Vemos la evolcuion a ser capaz de realizar sus porpias obras desde cero, sin fotografia o partiendo de las de otros artistas, tres bañistas. Resaltamos como asentua los constrastes, desdibuja la profundidad de campo (emborrona lo que el objetivo no es capaz de enfocar o la luz es deficiente) y ofrece dimensiones acoder a la perspectiva o deformada por la cercania o la utilizacion de grandes angulares, todos estos asgos nos llevan a la conculsion de que si bien la imagen que a fotografia nos ofrece es mas exacta que la mano, no es veridica sino que esta deformada por la máquina, estas carcaterísticas constituyen un estimulo para Picasso. En Jinete vemo como en el jinete y en las dos mujeres sentads se aprecia el interes por el escorzo, tipicas deformaciones causadas por la perspectiva del angulo de toma. Otra de las carcateristicas de este periodo es la infleuncia de las esculturas romanas y de sus posturas, que quedan potenicadas por la fotografia. Warncke nos dice que todos los dibujos figurativos de Picasso realizados a partir de 1926 estan basados en la composion de la fotografia por eso les falta algo que caracteriza al dibujo artistico y es las variaciones en la conformacion de la línea, es decir, los trazos no son gruesos o agrisados, sino que son como de hilo metálico, es uniforme. Por tanto la apariencia es fina, estilizada que en las pinturas destaca la exageracion del contraste claroscuro, mujer sentada, esas orbitas de los ojos profundamente sombreadas. Mujer desnuda de pie 1921, nos encontramos ante el desnudo clasico incluso con esos paños, pero tambien encontramos obras como La siesta 1919 donde busca los contrastes con zonas muy modeladas frente a otras más planas. Estudios 1920 vemos como un collage de su propia obra. Las bañistas 1920 o Mujer desnuda sentada secandose. En muchos desnudos clasicos estas posturas con evitables, pero el no las evita Gran desnudo con ropajes 1922-1923 que se compara con Mujer peinandose 1906 donde por diferentes caminos ha llegado a soluciones muy proximas, lo que tienen en comun es esta apariencia totemica a la que llega Picasso cada vez que se propone analizar el cuerpofemenino, en la primera estaba haciendo un estudio de formas y volumenes buscando otro lenguaje de transcirpcion, mientras que en la segunda utilizando la fotografia innova en esa transcripcion a partir de esa figuracion clásica que le sirve de punto de partida. Mujer e hijo 1921 juega con el contraste de la linea y el color, retrato de adolescente 1922 Picasso usa fuertes contrastes y deformaciones nos deja el reretaro de su hijo a oscuras. Seguimos con el tema del arlequin que ya habia sido explotado, con esto nos habla de la relatividad de la representacion y esto se hace presente cuando se aborda el mismo tema Arlequin con espejo 1923, vemos el juego de lineas que hemos visto en el matrimonio de Sisley al que hemos añadido la coloración (antes era solo juego de lineas) y como resultado tenemos obras de carácter novedoso. De lo complicado pasa a lo sencillo expresandolo con su lenguaje, por lo que necesita de sus temas clasico para medir aquello que ha aprendido. Los enamorados o los amantes. Tres bailarinas encontramos la fotografia publicitaria de los ballets rusos que usa para experimentar con las poses de las bailarinas con las distintas tecnicas de modelado, en todas ellas destacan esos contronos lineales y los modelados de fuertes sombras, por tanto Picasso reintertpeta en este periodo todo su repertodrio con un nuevo lenguaje tecnico, no solo el suyo sino el de los grandes maestros del pasado. Tenemos la referencia de Nicolas Poisan en tres mujeres en la fuente que ademas viste de griegas, ademas de los rasgos tomados en la fotografia tenemos la monumentalidad, las pdoemos asociar con las tres musas, la ceramica se asocia con el mundo clásico. Como hemos ido viendo en su trayectoria suele aparecer una especie de cuadro resumen desarrollado hasta el momento, en este caso es La flauta de Pan 1923, si estamos en el perido clasico la sensacion en el espaico y su posicon es importante por eso lo genera con estos bloques de piedra que deja abiertos al fondo, se han coservado cincuenta estudios previos, pero primeramente no penso en dos figuras, sino que en esta gran composion inpirada en los modelos clasicos de la antigüedad que psoiblemente a toda su actividad artistica, a seguir creando y dedicarse a ser bibliotecario. Lo que ocurre es que esta actitud va cuajando y un grupo de jóvenes intelectuales se va sumando (Breton, Peret, Aragón), en los dos años sigueintes de conformarse como grupos, la critica y los escandalos se suceden intendsamente durante dos años de la que nadie se salva. Desde estas filas surge la contradiccion, el cambio o una contradiccion porque los encargados de rescatar las señoritas de avignon son los surrealistas, breton que funda en 1924 el surrealismo como una respuesta a lo vacio y exahusto de dada, no se puede vivir a base de negacion y destruccion, debemos llamar la atencion sobre el surrealismo y como surge de la mano de poetas que despues se incorporan activamente pintores, pero es paulatina con cierto carácter secundario. De manera que en este moemnto encontramos a lso dadaistas atacando a picasso, y Picasso siendo rescatado por lo surrealistas, ellos se proyectan en él y se reconocen en algunas de sus obras, en la actitud de picasso de falta de respeto por la tradicion. En segundo lugar el desprecio por el estilo, Picasso puede vandearse de un estilo a otro sin temor a perder su identificacion porque en él prima la investigaicon y sus busquedas frente a un estilo, en tercer lugar una deformacion arbitraria de la simágenes, es precisamente la deformacion arbitraria de la que se quedan prendados cuando contemplan las señoritas de avignon en el taller. Además de estas tres carcateristicas los surrealistas valoran esta obra por la violencia que ejerce sobre la mirada del espectador, esta incomodidad que provoca. Jung puso el dedo en la chaga sobre lo que buscaban los surrealistas en Picasso, consideraba este señor que el arte de Picasso poseia o habia sido capaz de encarnar los sintomas esquizofrenicos de la degenerada cultura contemporanea, veia como se habia ido produciendo un distanciamiento cada vez mayor de la realidad exterior y un encantamiento por lo interior, lo inconsiencte y lo subconsciente que este psicologo suizo denominaba el descenso a los infiernos. Son muchas las evidencias que ponen de manifiesto el contacto entre los surrealistas y Picasso, algo que se va a intensificar en los años 30 llegando incluso Picasso a reconocer la influencia de ellos un ejemplo es la portada de la revusta Minotauro vinculada a los surrealistas, el minotauro con la daga, los simbolos de la masculinidad, una obra que tiene una gran frescura en esta mezcla de materiales y que será el primer numero de la revista en 1933. Es importante tener este numero monografico de 1936 de Cahier d’art en el que colaboran todos los grandes surrealistas exaltando la obra de Picasso, el director Cristian Zervos decia que en lugar de configurar los elementos en funcion de los falsos pintores de la realidad los ha elevado a su vision. Este numero recoge una selección de sus obras asi como de sus primeras poesias. Que es lo que vamos a encontrar en la obra de Picasso en linea con el surrealismo entre 1925-1940 según Calvo Serraller rara es la obra de Picasso que no trasluce una cierta atmosfera de este universo surrealista, Picasso acomete en este momento uno de los retos más importantes en la evolucion de su obra gracias a la presion generada por el surrealismo, es aquí donde podemos dselar Automatismo nervioso en el dibujo, deformaciones gortesca, fascinacion por determinados pasajes mitologicos, reencuentro con el arte de los primitivos idolos de oceani y de nueva guinea porque en el surrealismo estas expresiones prosedian de un modo ingenuo y mas libre de ese interior, de esos sueños, clima de violencia dionisiaca, de horror, misterio, efestos de sorpresa y un violento expresionismo. Una obra como La danza 1925 podemos ver todas estas caracteristicas detalladas, revelandonos como Picasso esta cerca del surrealismo, se construye sobre una vision compleja del ser humano donde el placer esta cerca del dolor, el amor de la muerte, la plenitud del frenesi, esta obra supone una importante imfelxion en la evolcuion del artistas, desaparece el aplomo y la serenidad que veiamos en su periodo clasico, ese frenesi de la dana, de la orgia ocupa su lugar, algo que habia intentado con la faluta de pan que habia quedado descartada. Podemos ver como la figura femenina se desdobla, se distoricona el cuerpo y el rostro. Elementos que nos trasmiten agresividad en comparacion con las obras anteriores son los colores, el movimeinto, la dureza de la linea es lo que nos trasnmite agresividad, los angulos y las deformaciones siempre son violentas. Vemos como usa su experiencia del papier collage, recortes de matisse en su ultimo periodo, vemos el perfil de su amigo pichot a quien dedica su obra por haber fallecido, este retrato del fallecido se relaciona con la danza en esas plalideras y en esos rituales españoles en los que era usal bailar alrededor del féretro. Otra obra de ese mismo años echa por tierra la agresividad de la linea recta y la no agresividad de la curva, El beso, donde el caos es agresivo, es la primera vez que representa de una forma tan violenta este aspecto agresivo y brutal del acto sexual, exige un ejercicio por parte del espectador (no es el guitarrista ciego), elementos con doble lectura que son afines al surrealismo (boca-nariz o pene-vagina). Despues de esta obra no pondra posteriormeste hasta los años 60 una sexualidad tan descarnada. A pesar de tener mayor complejidad en la lectura experimentamos un mayor placer al observarla. Los amigos más proximos al ciruclo de picasso han negado que en el haya una influencia surrealista, incluso la obra de Joan Miro del mismo periodo ejerce en él una influencia notable como las obras de Masson y Marx Ernst (una tal rosa maria mallet). Lo que picaso aporvecha de los surrealistas nos lo dice Cavan que Picasso vuelve a aflorar el mundo interior del que se habia desvinculado, le permiten alejarse de las modas del momento, simplificacion de sus medios, los enriquece y les da nuevas significaciones, depuracion que lleva a Picasso a abordar una realidad desconocida. Es decir deformacion, metamorfosis, maleabilidad, agresividad, monumentalidad. Picasso recrea una alegoria de la realidad en lugar de imitarla, esto es lo fundamental de este periodo surrealista, es lo que le interesa a los surrealistas de picaso ser capaces dee crear esa alegoria de la realidad despreocupada por la deformación. La deformacion, nos encontramos que la mujer de picasso en este moemnto, habiamos visto mujeres totemicas, enormes que daban la sensacion de construidas en piedra, en este momento surge una mujer mounstro que de alguna manera deviene del cusestionameinto del ideal clásico, esta mujer es el fiel relfejo, el espejo de lo anticlasico, para hablar de la ruptura y el cuestionameinto del ideal clasico usamos la metafora de esta mujer mounstro contra la perfeccion, el equilibrio, la armonia por eso el mounstro ocupa el lugar importante. Gran desnudo en sillón rojo 1925-1929 muy proximo en cunato a mode de construir, colores, fondos decorativos a la obra de matisse llevados al punto surrealista, se produce tension entre el fondo decorativo y la mujer que nos muestra los dientes. Joan Miro cabeza de mujer vemos la sintonia de estos mounstros, la diferencia es basicamente los colores si la transformamos en personaje plano y cambiamos el entorno donde la encontramos nos resulta menos agresiva. extraidos del mundo surrealista que permiten unos trazos y unas formas totalemnte libres, pero incluso con un solo trazo porque no hay fin de la linea. Esto nos deja ver como a Picasso le interesa la forma, si puede prescindir de el o que sea un complemento, el color al servicio de la forma (más al estilo de Ingres que de Delacroix). El acrobata 1933 idea del cuerpo resumindo, condensado, comprimido porque en dibujos muy sinteticos en ese periodo clasico donde no faltaba ni una linea, pero tampoco sobraba nada. En obras como esta vemos que de algún modo, en le tratamiento de las forma sy de los miembros que representa caracteriza la esencia del personaje, en este caso vemos al acrobata en la elasticidad del cuerpo. Algo similar ocurre en La nadadora 1929, es comprimir y sintetizar buscando la metafora del personaje. Mujer en sillón rojo 1932 tiene un carcater escultorico porque hay un mayor juego de luz y sombra, pasamos de la superposicion de la slineas sobre un color, ahora tenemos formas que crecen tectonicamente, esa palabra hace regresar a nuestra mente aquellas driadas, mujeres enormes que parecian de piedra, mujeres gigantes de la obra de Picasso. Son configuraciones biomorficas que ademas aparecen mineralizadas, petrificadas. Hay menor movimiento casi como si se hubiese extinguido la fuerza vital frente a las demaa, como si la vida se hubiese petrificado. La cruxificción según Grunewald lo hace al estilo de Ferrand o Benjamin Palencia, formas que parecen huesos, piedras, como restos arqueologicos de un pasado prehistorico. Unos años antes ha dado a las formas un colorido completamente diferente con formas de gran maleabilidad La cruxificicion 1930 una de esas obras en las que revisita los maestros del pasado en la necesidad de medirse con ellos, no hay jearquia de perspectiva ni en los personajes. Observamos que Picasso juega con las formas, crea formas en si mismas, en un principio carentes de contenido a las que a posteriori otorga un signifciado, en buena medida confiando en la capacidad de asociasion y de abstracción del espectador (que sepamos leer y completar su obra). El escultor 1931 podemos decir que juega con las formas, pero haciendolo con un lenguaje muy personal, vemos como el cubismo lo liberó de la mímesis, de la sujeción a un modo exlcusivo de mirar de una unica perspectiva. 1930 Picasso adquiere el castillo de … para taller de arquitectura, entre 1931 y 34 hace las piezas que trasnmiten mayor energia, en la mayoria de los casos inspirados en Maria Therese Walter, en estos momentos seguia casado con Olga pero en 1935 se separa de ella. Obras como Mujer dormida 1932 van a ser las que carceticen este periodo, vemos como sin necesidad de reconocer la forma nos transmite la sensualidad de un cuerpo desnudo, es la sinuosidad de las formas, el modo de trabajar las lineas lo que nos trasnmite el carcater voluptuoso de la Walter. Surge toda una serie de Mujer desnuda acostada 1932 (x2) donde vemos cuerpos descompuestos a ordenar al arbitreo del creador. Desnudo en un jardin es pura carnalidad a lo que veiamos en el 32, sensualidad, atemporal, evanescente que ademas supone una alternativa a la belleza clasica que podemos ver en la Suite Vollard Una obra de grabado que realiza entre 1930 y 1937. Parece tener mayor pasion, expresividad, factura más suelta y libre, menos controlada y racional, vemos al mismo tiempo el rostro, las nalgas, el puvis en color rosa pastel que contrasta con el jardin. A pesar de los trazos tan gruesos Picasso logra que captemos que se trata de su amante ignorando en todo momento la verosimilitud, a pesar de su no realismo es capaz de transmitir más erotismo y carnalidad que la Venus del espejo de Velazquez. Lenguaje que veremos utilizado en el Guernica, figuras compuestas de forma antinartural, pero los detalles muestras suficientes elementos comunes de la idea de mujer que permiten el reconocimeinto y el tratamiento que se da a la linea y color lo que nos trasnmite esa sensualidad. Continua lo que habia esta haciendo durante el cubismo sintetico porque el considera el cuadro como un sistema de signos, cuya base arbitraria deja un extenso margen para majenar de libremente las formas, esta identificaicon del objeto se produce a traves de conceptos y definiciones graicas a un proceso puramente intelectual. Minetras que para los surrealista la forma es el elemtnos desencadenante de una serei de sensaicones, Picasso impide que el espectador se quede reflexionando sobre esa forma o sobre si mimso y lo haga sobre ese arte, por tanto lograr una relfexion artisttica capaz de manifestarse en la propia obra de arte. Es precisamente por esta razon por la que podemos considerar que trabaje muy reiteradamente sobre los temas del pintor y la modelo, hace una relfexion sobre el arte y el tema del pintor y la modelo se van a presentar como muy idoneos para ello. La Suite Vollard, cien laminas donde predomina el tema del pintor y su modelo con un estilo clásico, son años en los que Picasso trabaja la gráfica abundantemente, ilustra con trece plancahas y en un estilo clasicista la obra desconocida de Balzac. Tiene además la metamorfosis de Ovidio que recoge numerosas transformaicones de personajes mitologicos, le interesan especialmente todas ellas. Muchas de estas obras dirige su mirada hacia Rembrant o artistas que se han ocupado en temas similares, encaja en la idea de anclaje con la tradicion, con el pasado, revela una fascinacion por el mundo clasico, muestra una gran afinidad con el texto que ilustra y sus temas muestra inclsuo una sensualidad en los temas más violentos. Podemos afrimar que Picasso logra una vision de conjunto. La Suite Vollard presenta toda una serie de sitas, tematicas y formales, a Rembrant y que podemos pensar que viniendo de Picasso suponen una especide de autoafirmaición (diciendo que es el digno sucesor de tratamiento y carácter, aquí el minotauro ha desgarrado a la yegua blanca. Corrida: La muerte del torero 1933 en relacion con Desnudo en el jardin, vemos personajes entremezclados unos con otros, en este caso es la cabeza de la yegua que clama ante el dolor, aporvecha plasticamente para resaltar el color (contraste de la yegua con el fondo negro del toro, el fondo rojo del burladero y como utiliza el paño, la capa para trasnmitir esa vision de la sangre provocada por el toro y el torero). Eros y Tanatos muy presentes en las obras de Picasso, vemos como con ese paso por el surrealismo, lo freudiano nos encontramos con que en etsa violencia del toro hacia la yegua existe esa violacion que veiamos en algun momento, el minotauro arrastra, saca a la yegua, la fuerza, la vence, la domina con esas dos manos que parecen reclamar a la yegua (Minotauro y yegua muerta delante de una gruta y niña con velo), es la encarnacion de la violencia, lo masculino y lo femenino, pero tambine lo salvaje frente a la devilidad, es una metáfora muy rica que se carga de significados según se va desarrollando en la obra de Picasso. Vemos como las mujeres tratan a picasso reflejado en este grabado del minotauro rodeado de mujeres, pero en otras es el macho alfa, exiviendo el toroso desnudo, disfrutando de todas estas relaicones. Muchas veces como la herida de la yegua adquire la forma de una vagina, es muy diferente el tratamiento, son lineas muy silencionsas, muy recargadas, esos tonos oscuros y como esas herramientas y recursos son utlizados para dar signifcados a la escena. Toro moribundo 1934, tenemos simplemente al toro con el estoque, dentro del tratamiento de la anatomia del animal el enfasis esta en los rostors que han sido distrocionados para que podamos verlos desde disitntas pepectivas. Desde 1933 que aparece le minotauro hasta 1937 deciamos que el dilema no se resuleva, cuatro años en los que pinta corridas, caballos abiertos por astas de toros o bien heridass, Corrida de toros 1934 ese ultimo grito desgarrador en el que poco a poco va desapareciendo el torero, esto quiere decir que la yegua tiene un potente significado, por lo que acaban siendo los dos protagonistas (ademas destaca el blanco y el negro). Con muchas las veriones que hace de este tema, algunas más deformadas y otras más deformadas. Mujer con vela combate entre toro y el caballo 1934, esa mujer con vela muy similar a estos espectadores que estan contemplando la corrida, en este caso nadie va a una corrida octurna ni muhco mneos con una vela, por lo cual podemos imaginar que la metáfora va cobrando vida y de ser un tema en un contexto como era la plaza de toros, lo extraemos y lo situamos en otro lugar, por tanto es la misma yegua blanca y el toro negro fuera de la plaza de toros y alguien contempla la escena (con la nariz de Maria Therese Voltaire). En la Suite Vollard se encierra la mitologia picassiana y de nuevo en ella se persive que el minotauro forma parte de esta, todas estas seran condensadas en la obra resumen, que en este caso se corresponde con el Guernica. En la Suite Vollard vemos una linea suave, nerviosa, sensual, se pasa de un modo tan eficaz el dibujo a la plancha que es uno de los mayores logros de esta serie. Entre 1936 y 1939 Picasso parece comprometerse con el bando republicano, siguiendo el posicionamiento político de sus amigos surrealistas, esta es una de las razones por las que participa en el pabellón republicano de la exposición universal de Paris de 1937, hasta que no se acaba la Segunda Guerra Mundial no se afilia al partido comunistas francés, en 1932 se habia comprado el castillo de Vauvenargues y su propio chofer, algo que se puede considerar como síntomas de aburguesamiento. Vemos en el Guernica el paso de Picasso por el surrealismo y el cubismo creando su propio estilo, según el nombre alude a al bombardeo de la pequeña ciudad vasca por los aviones de la legión cóndor, por lo que podríamos catalogarlo de cuadro de historia, pero a diferencia de la pintura decimonónica en esta obra no vemos ni los bombardeos, ni las bombas, ni los soldados. Podríamos decir que tenemos una gran escena central, una composición en tres bandas como si se tratara de ese típico retablo de altar, la yegua herida con la lanza, la cabeza lata en esta expresión de paroxismo por el dolor o el placer, luego la mujer vuelve a iluminar la escena, el toro está al lado opuesto y no parece tener relación con la herida de la yegua, un guerrero descuartizado a los pies del caballo (que representaría ese enfrentamiento), otra mujer semidesnuda avanza al centro de la composición, otra debajo del toro, esas bocas que se buscan (la del toro y la mujer con el niño en brazos), al lado opuesto otra con los brazos levantados. Hay otros elementos interesantes para las posibles interpretaciones, uno es el pájaro herido encima de la mesa (entre el toro y el caballo), la lámpara que recuerda al ojo divino (se plantea este ojo divino como una blasfemia del Dios que contempla esta escena de caos, se dice el bando franquista decía que la guerra era una cruzada). Vemos que el cuadro está cerrado por abajo, limitado por los lados de manera que nos sentimos invitados a entrar al cuadros cerrado por los lados menos por arriba, que junto con el triángulo central el punto de fuga nos hace sentir que estamos dentro. Otro centro de gravedad se situa fuera del lienza, allí de donde procede la tragedia, donde estan los bombarderos que causan ese estrago. A que es muy apaisado, necesita mucho aire en la parte superior, el espectador añade al menos otro tanto del cuadro, lo proyecta, lo prolonga, no sentimos que ahí este el techo del escenario que sucede, de ahí esa monumentalidad que se siente cuando se observa (si hubiese sido una pintura de historia, con el tamaño del Guernica el número de personajes se hubiera multiplicado, pero si algo habia descubierto Picasso en su trayectoria profesional es que la fuerza expresiva procede de la síntesis, que esta tiene mucha fuerza y energía). Ademas observamos que todos los personajes han ido apareciendo, cabeza y brazo de yeso 1925 que remiten a ese soldado caído, de manera que volvemos aver que los temas han ido apareciendo y poco a poco ayudan a configurar una obra en la que esos elementos adquieren un nuevo significado habiéndolos estudiado anteriormente. Lo que observamos en este conjunto de la composicion es que la tragedia española le permite conferir un nuevo sentido historico y moral a ciertos asuntos míticos que ya habia ido cultivando, cuando vimos La danza hablamos de la violenta y expresiva distorsión de los cuerpos que se repetían de un modo distinto (más recargado) en el beso, como surgía la sombra del amigo fallecido que invade el espacio del placer. Ademas desarrolla plenamente la imagen múltiple característica del de monstruos ridículos que habia puesto en libertad la sublevación militar. Hay referencias a las andanzas de Don Quijote, se define al toro y al caballo como símbolos positivos de España (toro como lo masculino y caballo como lo femenino de España). Se piensa que el Guernica seria la secuencia final de esta serie. Estaba previsto vender estas estampas para ayudar en la guerra, finalmente se venden en una carpeta junto con un poema escrito por Picasso. Su trayectoria surrealistas y Sueño y mentira de franco como trabajo político son las razones que posibilitan la realización del Guernica, esta obra ha llegado a nosotros precedida con una gran variedad de bocetos y cuadros que nos ayudan a precisar y matizar su significado, podemos decir que hay una constelación de trabajos interconectados de un modo muy diferente y de hecho es asi como comienza el Guernica, con este boceto que nada tiene que ver con la obra final, lo que podemos ver es que Picasso no sabía que quería hacer, pero de algún modo este bombardeo sobre una ciudad pequeña sin valor militar esta ciudad será el desencadenante que le lleva a realizar una obra profunda de significación universal. El Guernica no comienza con la idea del bombardeo sino con la idea de seguir barajeando el tema del pintor y la modelo, su obra hasta el momento nos sirven para saber cómo se han ido perfilando todos los elementos que aparecen ene le cuadro. No hay una única interpretación sino que hay una serie de cuadros relacionados unos con otros, sabemos que Picasso tenía dificultad para concebir cual sería el tema de este mural y que los acontecimientos que sucedieron en España dan unidad a estas acontecimientos y metáforas que habian estado sucediendo hacen que las piezas tengan sentido. La prensa internacional se habia hecho eco de este acontecimiento y en los bocetos previos nos encontramos con que el caballo es la yegua totémica, la esposa mítica del toro y como de su herida vagina sale un caballo alado, simbolo de la libertad en ese momento de la muerte, podemos decir que de algún modo la yegua en este caso es España, como ese pueblo de Guernica ha sido bombardeado, la yegua ha sido herida, en este caso es como si resurgiera de sus cenizas porque sale esa victoria alada de su vientre. El otro protagonista es ese toro arrogante, pero que es como el jin y el jan, no puede estar uno sin el otro, de tal modo que la España vulnerable es la yegua y el toro es el pueblo español al que no podrán sojuzgar esa agresión fascista, el espíritu resistente del bando republicano. Del espacio podemos mencionar el soldado que nos ayuda a situar la escena en el ambito de la metáfora y de una realidad, es muy concreto desde el punto de vista del detonante, abstracto en cuanto a los significado que Picasso ha ido otorgado a esos elementos, peor a la vez muy concreto porque el guerrero y el escenario parecen remitir a ese episodio de la guerra civil. Podemos pensar concretamente en lo que paso en Guernica o irnos a un conflicto armado y sus consecuencias. Las figuras estan como en un hornacina, nos remite a la caja teatral, la caja escénica, una mezcla de fachadas interiores y exteriores que evitan una concreción localista, ademas nos remite a una caja escénica porque esta todo comprimido, no hay una perspectiva, una relación de tamaño entre las figuras y el escenario de atrás (esta tan cerca que esas arquitecturas tendrían que ser mucho más grandes). En esta abstracción lo que hace es dotar de un valor universal, restarle el carácter anecdótico de situarlo en un contexto determinado como si se tratara de un documento historico. Por otro lado el hecho de que fuera a colocarse como un mural en el pabellón inclino a Picasso a utilizar una materia sin brillo, lo más semejante al aspecto de los frescos tradicionales (mates), por ello emplea pintura propia de los pintores de paneles, frente a los pintores de paneles. Este mural lo pinta en 20 días, es curioso porque se lo encargan en enero, en abril bombardean Guernica y comienza a trabajar el 1 de mayo. Lo pinta en una gama de grises con algunos tonos azulados, prácticamente imperceptibles a nuestros ojos, la razón por la que trabaja en grises es por la fotografia, él ha visto fotografías de prensa de los acontecimientos en España, es decir, Picasso nos presenta una gran fotografia, un documento periodístico. Por lo que el color y texturas le proporcionan a la obra ese carácter de documento, es decir el Guernica se contagia de esta fidelidad que proporciona la fotografía. Picasso parte de un lenguaje formal cubista porque se necesitaba algo radical y para él el cubismo era su medio de expresión más radical. Por tanto el Guernica ademas de ser uno de los últimos de los cuadros de historia es un gran cartel propagandístico, el cubismo en 1937 ya era parte del lenguaje familiar en el cartelismo comercial, por tanto es una radicalidad pero han pasado 30 años desde las Señoritas de Avignon, es una radicalidad sosegada algo que encaja con la modernidad del pabellón republicano sin excederse para que pueda ser comprendido por todos. De algún modo esta opción de que participen Miro, Picasso y demás era un intento por parte del gobierno republicano dejar para el bando nacional ese academicismo conservador y ser lideres del arte más vanguardista. En el cuadro vemos las caracterizaciones más extremas del dolor por medio de la desfiguración, utiliza elementos punzantes como se ve en las lágrimas (son como alfileres que parecen que salen de los ojos y la postura de las manos), el desencajado que si bien lo veíamos antes como en el retrato de Eva, eran en ese momento un recurso formal sin más, ahora esa desfiguración viene asociado al dolor (ahora si tiene significado) a una fragmentación de los cuerpos, las casas. No debemos olvidar que es malagueño por lo que ha visto