Nuevo título: Arte europeo: siglo XVII hasta era moderna en Holanda, Francia y vanguardias, Resúmenes de Historia del Arte

¡Descarga Nuevo título: Arte europeo: siglo XVII hasta era moderna en Holanda, Francia y vanguardias y más Resúmenes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity! XVII! El mercado de arte de Holanda durante el siglo XVII se expande por Europa. Para este momento el arte y la cultura son inciertos en el capitalismo, no se tiene información de la demanda ni de la oferta. En Francia durante el siglo XVII, durante el reinado de Luis XIV, la cultura está ligada al espacio. + Había una academia que establecía normas + Los pintores se vuelven mecenas y hay una censura establecida por la iglesia + Hay hogueras de personas y libros. Las academias aparecen durante el manierismo, y las personas que participaban de ellas debían ser cada vez más virtuosas. Eran instituciones donde se enseñaban símbolos clásicos. Durante esta época había una valoración del presente y de la modernidad. Aparece el Salón académico en 1699: salón de arte, el cual era un salón para exposiciones, un espacio de exposición colectiva de arte solo entre los académicos. Estos eran organizados por el estado o por alguna institución, era anual, tenía una prioridad. Durante el año 1737 el salón se abre al público, y se periodizan las Bienales, las cuales eran cada dos años y eran nacionales y regionales. + Predominan las bienales en el mundo, y estas son de apertura pública. + Siempre hay una institución detrás. + Loeconómico no es lo prioritario. + Algunas veces se aprovecha para vender algunos cuadros, pero no es el objetivo. + Se premian proyectos en vez de obras, y de esta manera ganaban el dinero para realizar estas obras. Esto implica una democratización, todos tienen la misma posibilidad. El salón deja de abrirse al público, ya que había muchas opiniones. Por lo que comienza a haber un jurado en 1748, este determinaba premies, decía quien ganaba y quien no, Durante 1789 fue la revolución francesa. El salón se abría para todos los artistas, no solo los académicos y también fue la apertura del museo del Louvre en 1792. Durante ese momento era muy notable una lucha de representaciones entre dos conceptos de cultura: la exhibición y la recepción. El salón que se usaba era uno en el palacio de Louvre, en Paris. Esta reunión era laica, desacralizada, profana y secular. El arte y la cultura buscan ahora mejorar la humanidad (nuevo concepto). Aparece el concepto de campo: + Esun fragmento de la realidad que va a tener sus propias reglas, estas serán solo para el campo. + Aparecen con él luchas por el poder por la posesión del centro del campo. + Las normas en el centro de un campo solo son válidas dentro del campo. 1784 —S. XVIII Se retoman criterios del antropocentrismo y del renacimiento. Se busca el progreso industrial, el bienestar público, el estado se preocupa por los ciudadanos. El arte es educativo, éste se transforma como un lenguaje oficial del poder, donde el estado supero a la iglesia. En la actualidad todavía podemos ver fachadas neoclásicas, en los hospitales o en las escuelas. La recuperación se hace gracias a que financias expediciones para descubrir tesoros griegos, ellos son los primeros arqueólogos. Se hace, en pocas palabras, un saqueo de las culturas antiguas; estos son financiados por la burguesía. Pintura: 1. Hay una búsqueda de representación naturalista por parte del color. 2. Se preocupa por la forma, el espacio y el color. Los cuerpos están pintados como composición. 3. Temática anécdota. O Racionalidad, algo es bello cuando responde a una necesidad. Se piensa en el tema y en el lenguaje. o Separación del tema de la forma. o Autonomía política del artista. ARQUITECTURA No utilizan ornamentación arquitectónica como pasaba en el barroco. Por fuera el edificio es clásico, pero por dentro es barroco. En lugar de estatuas ecuestres, se colocan obeliscos. >doOoNPp No predominan los edificios puros, dan cuenta del cambio histórico. La mediación tecnológica no la vuelve “objetiva”, el encuadre puede ser el que cada uno prefiera. Utiliza la perspectiva geométrica lineal como sistema espacial. 1874 — 1886 Manera artística o literaria de considerar y reproducir la naturaleza, atendiendo más que a su realidad objetiva a la impresión subjetiva o personal. En Francia hay inestabilidad política luego de la revolución francesa, ya que pierden la guerra. Los artistas con distintas ideologías políticas se unen por temas de arte, pintura y estética. Les interesa pintar la luz (color luz), no les interesa pintar las cosas, sino que buscan pintar lo que la luz provoca en estas cosas, por eso se dice que la luz era la excusa para pintar estos objetos. Esto lo logran mediante una mezcla óptica, los colores se mezclan en el ojo, y no en la paleta. Ya que buscaban pintar la manera en que la luz actuaba en ciertos objetos, debían ver cómo era en la vida real, por lo que los pintores comienzan a salir afuera a pintar, se permite pintar en el exterior por primera vez. Se debía pintar rápido, directo, con pinceladas yuxtapuestas, sin dibujar anteriormente, para aprovechar la luz de ese momento antes de que cambie. Había un predominio del color sobre el dibujo. Hay predominio del color sobre el dibujo. Los colores que más se usan son los primarios, y a partir de ellos realizan las mezclas para obtener máxima expresión de la luz. No usan el color local de las cosas, sino que usan el color luz. Los colores frios alejan y los calidos acercan. Tampoco usan la perspectiva geométrica lineal, no les interesa ni la profundidad ni el espacio. La línea de horizonte esta elevada y esto sin querer da profundidad. El espacio se aplana. 1883 Impresionismo cientifico, o divisionismo. Se pensaba que el impresionismo no captaba la luz correctamente, por lo que el arte debia ser mas ciertifico. Se usan puntos en todo el espacio pictorico, en vez de hacer pinceladas rapidas. Se le llama PUNTILLISMO. Las formas no son abocetadas, como en el impresionismo, la forma se recompone. Se mira la naturaleza. Fines del siglo XIX — principio del XX 1886 Hay un distanciamiento de la sociedad cosmopolita. Los artistas estan influenciados por el colonialismo, hay un uso exesivo del color y mayor libertad formal. Hasta el impresionismo era importante representar la luz. En arte por el arte se rompe con la representacion. El post-impresionismo busca componer, jugar con el lenguaje, importa el como se dice, como se pinta; no hay representacion, el artista pinta como quiere; son cuadros con propias leyes 1895 Fue un proceso social. Alude a como funciona la cultura. Predominio de la linea curva y detalles pequeños. Aparecen nuevas tecnologias, la ingenieria. Los arquitectos se apropian de los ingenieros. Le dan carácter ornamental a la forma, el sentido esta ligado a la naturaleza. Se comienza a usar mucho el hierro y el vidrio. Se esta en contra de la revolucion industrial. 1816 - 1852 Independencia y derrota de Rosas. En 1853 se crea la constitucion nacional argentina: representativa, republicana y federal. Aparecen nuevas imágenes de diferentes temas las cuales estan relacionadas con la politica: + Vistas de ciudades + Escenas costumbristas, aunque ya no se vivia del modo de las pinturas. + Gauchos, malones y cautivas. + Retratos, actuales y de proceres. + Uadros historicos. + Paisajes. Como Europa era el espacio central de las artes habia pintores viajeros y viajes informativos o becas. Por lo tanto habia eclecticismos academicistas, clasicismo, romanticismo, realismo, entre otros. Teniamos una academia de las artes al igual que en Francia y un museo nacional de bellas artes. Había una mirada muy fuerte desde lo cultural hacia Paris y una mirada muy fuerte desde lo económico hacia Gran Bretaña. También las fachadas tenían contenido cívico. En el año 1894 se crea el centro obrero nacionalista. Aparecen nuevas realidades que ya no pueden evadirse, como la pobreza y las rudimentarias vidas de los inmigrantes. Se hacen muchas apropiaciones. Globalización: + Primer contacto con América y Oceanía. + Primitivismo: todo lo que no está en Europa y civilizado. + Contacto entre colonias y metrópolis. + Despojan el contenido simbólico de las máscaras africanas. VANGUARDIAS: Las formas son agudas y esperpénticas de objetos y personajes, y sobretodo el color, el protagonista indestructible del movimiento. 1910 - Alemania Kandinsky: busca la no figuración, y la abstracción total. Pintaba indistintamente composiciones abstractas y otras figurativas. El tema no es importante, lo que importa es como se hace: “composición 4” Todavía se entiende un poco de lo que hay en el cuadro, como el paisaje. Predominan las líneas curvas, y las asociaciones cromáticas eran más armoniosas. Énfasis en cómo se arma: + Hace equilibrios con manchas de color: equilibrio del color. + Seutiliza el espacio como campo, se utiliza el espacio del cuadro como algo mayor. + Cada cuadro expresaba una emoción, un sentimiento. 1915 — 1930 - Holanda Se usan ladrillos y tejas (cálidos). Predominan las líneas curvas (sensual, emociones), las formas onduladas y los pequeños detalles sobrios. Se arman barrios de obreros, para la clase media. No hay un monoblock igual a otro, son todos diferentes. Hay un tratamiento en la forma y aventanamiento. Ladrillos vistos y ventanas blancas. Quien vive merece una vivienda más allá de su posición social. Movimiento artístico europeo de principios del S. XX caracterizado por la descomposición de la realidad en figuras geométricas, representa la ruptura clara y definitiva con la pintura tradicional. 10 1907 — 1912 - Francia Se puede pensar a Cezamne (postimpresionismo) como antecedente del cubismo, donde el espacio se construía a partir de zonas cromáticas diferenciadas, llamado técnica de los pasajes. Esto producía una sensación de profundidad, sin necesidad de emplear la perspectiva. El cubismo relaciona el arte con la ciencia. Acercamiento a las teorías científicas de la época, pintan las cosas como las vemos. Los elementos plasmados en el cuadro se descomponen en diversas formas geométricas superponiéndose de tal modo que resulta imposible identificar de qué se trata. Se compone, no se representa. Se ve luz desde varios lugares, hay muchos claroscuros. La paleta es restringida (se usan pocos colores), la pintura es casi monocromatica, se usa mucho el gris y el ocre. Las figuras son cada vez más irreconocibles, se trabaja con fasetamientos. Los cuadros cubistas no son “no figurativos”, no hay independencia de la figura y el fondo. Incorporación de letras, se usan como formas y tienen la misma importancia que estas. 1912- Francia Invención de los collages, en un primer momento se trató solo de integrar papeles pegados a la superficie del cuadro, pero más tarde utilizaron todo tipo de elementos provenientes del entorno cotidiano, buscan diferentes relieves y textura, uso de la arena, pegado de otro tipo de cosas. Con todo eso comienzan a aparecer otros tipos de formas. Recomposición de las formas, aunque de manera extraña. Permitían que el espectador percibiera con facilidad una forma global identificable. Multiplicidad de puntos de vista, en la misma forma. Tiene un sentido intelectual. La diferenciación entre la figura y el fondo se vuelve a distinguir. 1912 - Praga Comienza al mismo tiempo que el cubismo sintético. En Praga, la cual es una ciudad burguesa, hay muchos coleccionistas. Uno de ellos compra una obra de cubismo analítico. 11 Así es como surge el cubismo en Praga, pero en forma de arquitectura. Estos edificios son viviendas, que van a funcionar como una enorme escultura. Las fachadas son cubistas, podemos ver las ventanas que tienen formas hexagonales, y sobre ellas relieves con puntas de diamantes. Al igual que en las pinturas, los edificios tienen fasetamientos, con los que se generan luces y sombras. La función sigue a la forma. Es purista, se busca la forma pura. No hay curvas, solo líneas rectas. 1909 - Italia Movimiento artístico de vanguardia que se origino en Italia a principios del S. XX y que intenta romper con los valores estéticos del pasado reivindicando el futuro y con él la era de la técnica moderna, la velocidad, la violencia y las maquinas. Quien comenzó con el futurismo fue un poeta, en un manifiesto en un diario. Fue una declaración de principios. Tenía una ideología de progreso, donde el presente ya es el futuro. Para ellos la clave del futuro era la velocidad, y se pensó a partir de los automóviles. Los temas abordados por el futurismo eran muy diversos, reflejan por distintas vías todo lo que les entusiasma, como los avances de la tecnología, la velocidad (la cual es plasmada a través de la técnica simultánea, donde repiten la imagen en distintas posiciones). Ellos eran provocadores, y agresivos. “Queremos glorificar la guerra”. Aunque era más lo que decían que lo que hacían. Su primera idea clara era la velocidad. Su segunda idea clara era la guerra, este pensamiento lo tienen cinco años antes de que ocurra la primer guerra mundial. RUIDISMO: Se puede ver en teatro y en literatura. Es provocativo, ellos esperaban el rechazo. CRONOFOTOGRAFIA: Es una representación simultanea de las sucesivas instancias del movimiento. Muestra velocidad. ESCULTURAS: tienen una pose en movimiento. ARQUITECTURA FUTURISTA: Importancia del edificio como un volumen, no solo la fachada. Proyectan la ciudad del futuro, aunque quedan solo en el diseño, ya que muchos de ellos mueren en la guerra. 12 New Y ork era, en este momento, la capital económica de Estados Unidos, pero no artística; allí se cuestiona el sistema artístico con la llegada del dadaísmo. Luego de extiende por Europa. El dadaísmo es un fenómeno, con características contrapuestas. Douchamp: Se cuestiona el concepto de originalidad, obra única y el concepto de arte. Crea el READY MADE, elije objetos por ser indiferentes y combina los elementos. A partir de allí crea la primera obra realmente dinámica. El autor es quien tiene la idea, no quien crea esos objetos, y tampoco es necesario que el autor haga la obra. Lo que hace que algo sea artístico es llevarlo a una muestra de arte, por lo tanto plantea otro tipo de arte, otro concepto. Toma un elemento de la vida cotidiana y lo descontextualiza. Tiene un objetivo, y este es provocar y cuestionar, y lo logra. El elemento rueda descontextualizado de la bicicleta aparece en posición invertida, insertado en un taburete de cocina. Este tipo de realizaciones implicaba una revisación profunda del hecho artístico en sí. 1919 -— 1933 Alemania Un arquitecto crea la escuela. Allí funcionan dos escuelas y solo una parte está dedicada a la arquitectura. Alí quieren juntar teoría y práctica, y fusionar arte y artesanía. Los primeros años (1919 — 1923) se usaba de base el expresionismo. Durante esta primera etapa, se organizó la primera gran exposición de los objetos diseñados en la escuela. Se potenciaba únicamente lo artesanal, tomándose como modelo la estructura gremial del mundo medieval. Su principal objetivo era borrar fronteras entre artistas y artesanos, y no tener distinciones de clase (ideologías de izquierda). Entre 1923 y 1933 aparece el “Estilo Bauhaus” el cual es un diseño especifico. Se produce una transformación, se advierte la posibilidad de conjugar el mundo artesanal con el industrial. 15 Allí se hacían fiestas temáticas, las cuales eran abiertas a todos. Lo que buscaban era parar el descontento y una integración con la sociedad. En esa escuela había mucha libertad, lo cual lleva a tener conflictos y para evitarlos se hacían fiestas. El edificio tiene una gran cortina vidriada, el muro no es portante. Dentro había claridad y luminosidad. Plantean el diseño moderno con materiales de la revolución industrial, y no usan nada de ornamento. Se retoma: la forma sigue a la función. Aquí la forma y la función van juntas. Los diseños de objetos de uso cotidiano que surgieron de la Bauhaus eran inconfundibles y aun hoy en día siguen plenamente vigentes. Uno de los factores que más contribuyeron a que la escuela se hiciera famosa, fue el hecho de contar con un profesorado altamente cualificado para impartir todas y cada una de las enseñanzas, ya fueran de carácter teórico o práctico. Entre los profesores más destacados con los que conto la escuela podemos mencionar a Kandinsky. Sigue siendo emocional y lirico, usa líneas rectas y sus cuadros no son figurativos. Las formas que antes eran irregulares, ahora son formas. Sus cuadros están tensionados, pero logran un equilibrio. Usa el espacio como campo, porque las líneas se prolongan. El elemento base era el punto. Arte como expresión y composición, usa colores complementarios. MOVIMIENTO MODERNO ORGANICO 1932 Estados Unidos El nombre es una construcción política llevada por Estados Unidos, al MOMA (Museum of modern art). Congresos internacionales de arquitectura moderna (1928 — 1959). Se hacen viviendas familiares, las cuales son llamadas casas de las praderas, de fin de semana, ya que se construían en las afueras de las ciudades. Aunque buscan integrarse a las ciudades, ya que tienen líneas horizontales, las cuales son predominantes, y están hechas de ladrillo, esto da calidez. Usan el sistema simétrico. 16 1924 — Francia Movimiento artístico y literario que surgió en Francia después de la 1GM y que se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional. No hay arquitectura porque el surrealismo adopta lo no racional. Hay cine escultura y pintura. La pintura surrealista se manifiesta de dos modos distintos, uno es el automatismo, y el otro el onirismo. En el primer caso los artistas optan por un lenguaje basado en el automatismo, de manera que los elementos del cuadro surgen del inconsciente del artista, se le llama intervención al azar. En el segundo caso, se busca asociar elementos dispares en sus obras, optando por una metodología similar a la de terapia del psicoanálisis. El artista es un distinto, puede hacer cosas que todos no pueden. Se priorizan las obras colectivas y anónimas. Fluir directo de lo irracional, su objetivo era hacer fluir el inconsciente. Retoma el dadaísmo “surrealismo es dada sin la risa”. Fottage: jugar con texturas, por ejemplo papel barrilete sobre lavandina, cuadro de arena (arena + pintura). El surrealismo nunca es NO figurativo. Siempre es abstracto. No hay composición, el punto de partida es el azar, el automatismo. Dalí pinta fotografías de sueños hechas a mano. La principal aportación de Dalí al surrealismo fue la elaboración del método paranoico-crítico, destinada a la interpretación de la obra de arte. 1925 — 1929 aunque continua durante los años 30 (los locos años 30). New Y ork 17 Juega con los colores de la bandera brasilera. Hay un manifiesto, como en las vanguardias. 1944 Ya no son auténticas, llevan al extremo los recursos de las vanguardias históricas. Después de la segunda guerra mundial, no hay originalidad. No hay nada nuevo, copian y repiten de la mirada eurocéntrica. Sienten que no se inventa nada, solo es moda. No tienen el carácter innovador de las primeras vanguardias. Benjamín Buchloh: Resistencia al sistema Potencia crítica respecto a la especulación de la cultura. Hal Foster: Critica a la sociedad de postguerra. Convocatoria a nuevos públicos. 1944 - ARGENTINA Se corta todo vínculo con Europa en la primera guerra mundial. Se continúan las vanguardias en Buenos Aires, Sao Pablo, México. Estas ciudades son nuevos centros. Los artistas no se veían como periferia, se consideran a ellos mismos como centro. Aparece una moda de lo latinoamericano en Europa. Buenos Aires (peronismo). Grupo de artistas muy jóvenes, de 20 años, de izquierda. Durante una muestra en 1944 sacan un único número de la revista Arturo. 20 Surge el ARTE CONCRETO: lo hacen artistas argentinos y uruguayos. La primera muestra fue en la casa de un psicólogo, no la hicieron en una galería de arte porque está ligada al mercado. Inventan un nuevo planteo original: Cuadros objeto, el cuadro del marco recortado, el espacio de fondo es la pared. Están pensados para una arquitectura, por lo tanto se dice que es arte integrado a la vida. “Ni buscar, ni encontrar, inventar”. No entraban al salón, porque les molestaba su forma de pensar. MAD! Hacen una síntesis de materialismo directo. Composición. Postura marxista. Crean cuadros que se vuelven objetos, son continuadores del marco recortado. Muchos de los elementos que crean tienen carácter móvil, se mueven por el movimiento del aire. Estas obras tienen mucho humor. También juegan con la luz. Rechazan el peronismo. 1942-1956 No es una escuela, es un fenómeno. Los artistas tenían distintas formaciones, por lo tanto las obras eran distintas; las pinturas eran principalmente abstractas y expresionistas. EXPRESIONISMO ABSTRACTO. Action painting Pollock pinta “Convergencia” Los humanos no están pintados pero se tienen en cuenta, el pintor el cual es muy activo y el espectador. Es monumental, por lo que no se usan caballetes. Todo el cuerpo es importante para pintar. 21 La técnica es el automatismo. El proceso de pintar es lo importante, el hecho de estar pintando. No hay composición pero si hay equilibrio cromático. SIMILITUDES CON KANDINSKY : Pintan expresionismos, abstractos. No tienen figuración ni tienen tema. DIFERENCIAS CON KANDINSKY- Las excusas para pintar, Kandinsky usaba los sentimientos, y Pollock solo quería pintar, hay sentimientos, pero sin analizar. Kandinsky pintaba con composición, y Pollock con automatismo. 1960 EEUU Arte modemo = Lenguaje. Consistía en simplemente pintar. Manet es quien empieza con este arte moderno, comienza a aplanar. Seguido por Pollock. No es tan autónoma como Argentina, tiene más relación con Estados Unidos. Magnates fundan el museo de arte de San Pablo, el cual era privado. En 1951 fue la bienal de San Pablo, la cual tiene la misma estructura que la de Venecia. Funciona en relación con el museo de arte de San Pablo, y luego tiene edificio propio. Sigue la línea de Le Corbusier, tienen afición por la curva y la planta libre. Hay una notable integración de la arquitectura y la naturaleza, se le llama adecuación ecológica. Hay un desarrollo de las protecciones solares. 22 Metaforizacion de los contenidos y utilizacion del espacio coextenso (barroco). Marchas de Abuelas de Plaza de Mayo, siluetas de personas en forma de denuncia. 1950-1970 1960-1965 - Estados Unidos. Se caracteriza por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comics, objetos culturales, etc. Utilización de colores puros, brillantes, homogéneos y planos. Hay uso excesivo del collage, repetición y recortes. Se usan personajes famosos. Repetición y seriación. El lenguaje es figurativo. Se inserta en la sociedad de consumo. Se inserta el arte y la vida. Todo lo contrario al expresionismo abstracto. Roy Lichtenstein: Dice que el pop art es una pintura industrial, que en América ha sido afectada en mayor medida por la individualización y el capitalismo. 1960 / 1961 - Francia. Se hacen dos muestras, el primer manifiesto en 1960 y el segundo manifiesto en 1961. Son cuadros casuales, lo que quedaba al final lo pegaba. El arte y la vida: transforma el arte en la vida, conseguía elementos iguales (no los compraba), y los acumulaba, objetos que tengan la misma funcionalidad, con matices similares. Pone al sistema en el extremo. 1962 Grupo internacional de músicos. 25 Debe ser simple, entretenido y sin pretensiones. Fue la primera forma de arte desde el Dadaísmo en apostar por la fusión de géneros. En realidad, más que de un movimiento, deberíamos hablar de un fenómeno singular por su carácter internacional. . Sus formas no son especializadas, la idea es que fluyan entre las distintas artes. EEUU. Sucesión de acciones en la que el espectador tenía que participar. Anti-mercado. 1960-1971 — Austria. Grupo violento que realizaba acciones con contenido sexual y sadomasoquista. Lograban la legitimación por medio del campo. El artista es la acción. Anti-mercado. 1958 Morris Louis: Teñía telas, impregnando color en ellas. Se le llamaban también colores chorreados. Era absolutamente bidimensional. No hay marco duro. Kelly: Borde duro y literalidad. El espacio esta usado como campo. Hay bidimensionalidad y planos yuxtapuestos. Los colores que se usan son colores planos y uniformes, puristas. No hay contenido simbólico, solo análisis formalista. El lenguaje es autorreferencial. 26 Stella: Marco recortado. Sus obras tienen formato de cuadro, aunque tienen una linea limitatoria. Utilizacion de colores son planos, hay bidimencionalidad y abstraccion total. El marco recortado ya se habia usado en Argentina 20 años antes. 1965-1968 - Estados Unidos Se denomina a un grupo de artistas que aspiran a un estilo más estricto geométricamente pero donde la imposición del orden no es inflexible sino más bien moderada. Las diferentes formas están reducidas a estados mínimos de orden y complejidad desde el punto de vista morfológico y esta más interesado por la totalidad de la obra. Menos es más, y más es menos. No hay sentido místico o simbólico. Estados Unidos No cuestiona la forma, cuestiona al espacio de la galería. Usa espacios exteriores no habitados. El artista tuvo la idea y lo mando a hacer. 1965 Arte como problema filosófico y lingúístico. El objetivo es absolutamente innecesario. Anti mercado. Es un estilo de arte visual, que hace uso de ilusiones ópticas. El observador participa activamente, moviéndose para poder captar el efecto óptico. 27