Apuntes del segundo tema de Artes Visuales de los Siglos XVIII y XIX, Apuntes de Historia del Arte

¡Descarga Apuntes del segundo tema de Artes Visuales de los Siglos XVIII y XIX y más Apuntes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity! TEMA 2 El neoclasicismo se va a desarrollar en Europa entre 1760, conviviendo todavía con el rococo y los primeros años del siglo XIX, alcanzo su apogeo en el último cuarto del siglo XVIII, por lo que podemos habar de un neoclasicismo pleno hacia 1780, coincidirá con los reinados de Luis XVI en Francia, Jorge III en Inglaterra o Carlos IV en España. La Revolución Francesa de 1789 se inscribe de lleno en lo que se llama movimiento neoclásico. Una última fase correspondería al lado “estilo imperio” que se va a desarrollar en Francia en la época de Napoleón I y que corresponde a los primeros XV años del siglo XIX. El “Estilo Imperio” supone (lo deja claro Honour) una derivación del primero neoclasicismo, que ahora se va a volver un arte ostentoso, grandilocuente, publicitario y un arte al servicio del poder político representado por Napoleón Bonaparte, artífices de este estilo podrían ser: - David; en pintura - Percier / Fontaine, en arquitectura y decoración. Es un arte de nuevo ricos, por lo que necesitan un arte que componga el valor en el nuevo régimen. Si el arte de la Revolución Francesa se inspira en la roma republicana, en la época napoleónica va a ser la roma imperial el ejemplo a seguir. El neoclasicismo se podría definir como el arte, es una definición muy elemental en la que predomina el retorno a los ejemplos proporcionados por el mundo clásico de Grecia y de Roma, es un estilo en toda la extensión, es el último gran estilo que conocemos porque en el siglo XIX ya no habrá estilo como tal si no movimientos. En este estilo se deben cumplir unas normas que se extienden por toda Europa, todos los artistas lo hacen igual, más la influencia del neoclasicismo de América. Entonces es un estilo. Este neoclasicismo se caracteriza por una voluntad de retorno a lo antiguo que se va a plasmar en un estilo sencillo y sobrio en el que predomina el gusto por los temas serios (edificantes) y la búsqueda por supuesto de la belleza ideal. La imagen del desnudo ideal. Los neoclásicos van a ver en Grecia y en la Roma antigua modelos que no eran tan solo formales, si no cambio en ello modelos éticos, confiando en regenerar la sociedad de su tiempo mediante el establecimiento de las supuestas virtudes de los antiguos. En Francia concretamente el neoclasicismo tuvo además profundas implicaciones morales y políticas, en un deseo antiguos por restaurar los valores romanos antiguos en la sociedad civil de la Francia del momento. El neoclasicismo se ha identificado también como el estilo de la ILUSTRACIÓN constituyendo la expresión estética de este movimiento intelectual, por lo que el neoclasicismo se convierte en la expresión estética de este movimiento, donde podemos encontrar recogido todo el pensamiento ilustrado, que quedara recogido en la biblioteca de Diderot y Gilamenbel, que se publicó en Francia entre 1751 y 1772. Pero el movimiento de la ilustración está en dualidad entre lo que se gesta en el antiguo régimen y el rococó. La enciclopedia es un compendio del saber de la época, en donde nos podemos encontrar con 17 tomos de texto y luego once volúmenes de láminas que son grabados fuertes, son las ilustraciones que corresponden al texto, entonces esta organiza por entradas y artículos organizados de manera alfabética, nos encontramos artículos relacionados desde filosofía, religión, anatomía, astronomía, incluso los oficios. Esto es por lo que en sitios como España estuviera prohibida por ley, hay algunas enciclopedias de España, pero probablemente eran de nobles o incluso del rey porque oficialmente estaba prohibida. “Diccionario de las ciencias, de las artes y de los oficios”. TEMA 2 Surge como rechazo al rococó y a los valores que el rococo implicaba. En Francia triunfa lo que se llama la pintura galante con todo el componente erótico que tiene esa pintura, es pintura donde el erotismo tiene un cierto grado. El Rococo prácticamente se extiende de principios del siglo XVIII hasta los años 60. Frente al Rococo que es un estilo hedonista, del antiguo régimen, frente a la frivolidad del Rococo, amoral, libertino, se va a oponer con el neoclasicismo la seriedad, la moderación, la nobleza virtuosa, y la recuperación de un mudo antiguo que se ofrece como modelo estético y ético. Quien más ataco esa frivolidad del rococo fue Diderot, que dijo “ya estoy harto de senos y traseros, estos objetos seductores contradicen las emociones del alma, excitando los sentidos” y ese es el arte de Boucher, con los mitos que son los pretextos para tratas el desnudo femenino, él había sido nombrado pintor real y lo acusa de depravación moral y reivindica un nuevo tipo de pintura, y alaba el cambio a otros pintores como Chardin, que es el pintor de la vida cotidiana, de lo humilde, etc. y a Gros que es un pintor pre-neoclasico que es moral y sentimental. Diderot hacia 1780 (fecha temprana) reivindica la voluntad pedagogía del arte y apela a la responsabilidad social del artista creador, entonces sus obras deben estar subordinas al bien y a la educación de la colectividad, Mengs lo llama de una manera muy acertada, él nos habla de que el arte nos debe de enseñar deleitando debe ser una especie de escuela de costumbres. Los temas se debían encontrar en la Odisea o Ilíada y en la Roma republicana, entonces se recomendaba la lectura de las vidas paralelas de Plutarco, las obras del Tito Libio, o las obras de tácito, se recomienda por un lado el conocimiento de la Grecia clásica y leer obras de la época republicana, autores donde podrían rencontrarse todos esos paradigmas o ejemplo de virtud, patrimonio, abnegación, amor filial, patriotismo, etc. Es decir, uno ideales de valor universal, por lo que cuando David nos presenta la muerte de Sócrates es una pintura de valor universal, ya que cuando se suicida delante de sus alumnos muere por sus ideales, esos son los ideales de valor universal. Entonces en las pinturas de David con su grandeza a la antigua, con su sencillez formal y su heroica serenidad de todo bastante heroica en donde el neoclasicismo va a encontrar su expresión más pura. El neoclasicismo tiene su origen en Roma (no en Paris) por lo que a mediados del siglo XVIII se convertirá en un puerto franco para el intercambio de ideas artísticas, allí habrá dos teóricos Mengs y Winckelmann que son los creadores, la vanguardia de este movimiento artístico, por lo que muchos artistas irán a Roma a formarse o a vivir, David va a formarse a Roma, Antonio Canova a trabajar para los papas, ingleses como Flaxman o el escultor danés Tolversen, vivieron muchos de ellos largas temporadas de Roma lo que pasa que luego salta a Francia. “Grabado coloreado de 1776 de las excavaciones de Pompeya” TEMA 2 Giovanni Paolo Pannini (1691-1756) y el “GRAND TOUR” El Gran Tour es un viaje realizado al continente europeo realizado por los aristócratas ingleses del siglo XVIII y el primero tercio del siglo XIX (conocidos como los gentleman), esto contribuyo a la propagación del neoclasicismo y a fomentar el gusto por la antigüedad clásica. El Gran Tour sirvió de punto de partida para las numerosas colecciones de escultura y cerámicas clásicas, reunidas en sus mansiones por los grandes terratenientes ingleses. Las mansiones inglesas estaban llenas de antigüedades (Orgullo y Prejuicio) Estos jóvenes aristócratas casi siempre iban acompañados de un receptor, el viaje podía durar un año o un año y medio. Tenían que cruzar el canal de la mancha, visitaban Paris y Bruselas la zona del Pises Bajos, luego tenían que ir a Suiza el lugar más visitado era Ginebra y luego los Alpes, para llegar a Italia, donde visitaban Venecia, Florencia, Roma, Nápoles y por supuesto tenían que ver Herculano, Pompeya, etc. Estos eran puntos fundamentales. Algunos autores llegaron a Sicilia, pero esta última no entraba dentro del Gran Tour. En Florencia Canaletto Guardi hicieron muchas vistas de Venecia que vendieron a precios altos Este gran Tour fomenta la venta de pintura italiana de vistas de la antigua Roma llamada pintura de “vedute”. “Roma Antigua” uno de los cuadros más importantes que muestra como las paredes se cubren totalmente con cuadros del propio Pannini, aparecen los coleccionistas que están examinando los cuadros, las obras de arte y luego aparecen esculturas de la antigüedad, podemos ver a la derecha el Laoconte y sus Hijos. En este momento se fomenta mucho el coleccionismo. “Roma Moderna” donde aparecen también muchos de los cuados que acabamos de ver, todo ello se vendía muy bien. Aquí también aparecen los coleccionistas que están viendo libros con repertorios de grabados. Las fechas exactas de los cuadros estarán pintado hacia 1750-55-60. También esta Piranessi es un grabador que hizo muchos grabados relacionados con las ruinas de Roma y también hizo grabados relacionados con la Roma moderna, pero distorsiona las proporciones reales de las ruinas ya que eran un romántico. Piranessi sobre todo vendió grabados ya que eran más baratos. Galerías de cuadros vistas de la Roma Antigua, 1759. Galerías de cuadros vistas de la Roma Moderna, 1758. TEMA 2 Otro es Pompeo Batoni (1708-1787). Hay unas correcciones muy buenas ya que muchos de estos aristócratas querían ser retratados junto a monumentos de la antigüedad, tres retratos de ejemplo serían: - Francis Basset. Obra en el museo del Prado hecha en 1778, al fondo aparece la basílica de San Pedro y la Mole Adriaa, el aparece apoyado sobre una especie de pedestal con un bajo relieve antiguo y casi todos tienen un mapa de Italia en la mano - George Lege, está en el Prado en 1778 (hace poco tiempo no se sabía quiénes eran) George Leggi aparece sentado, entre las manos lo que tiene es un mapa de la península itálica y debajo aparece u busto de los museos capitolinos. - Thomas Dundas, en colección particular, muy significativa, es anterior se puede fechar hacia el año 70, la pose no es muy agraciada, pero lo realmente interesante es lo que hay detrás está el Laoconte otra vez, por ejemplo, una serie de esculturas clásicas. El Gran Tour propicio la proliferación de los libros de viajes sobre Italia en el siglo XVIII, por lo que las impresiones del viajero quedaban pasmadas en un estilo literario novedoso para la época que era el género epistolar, simulan que son cartas y ahí se van diciendo el recorrido, os sitios por los que se pasa, etc. Dos clásicos que se utilizaban mucho eran los libros de La Lande y Cochin y “Un Viaje a Italia” de Goethe. Un escritor que es Leandro Fernández de Moratín, que fue pensionado por Godoy para viajará a Italia (había viajado antes a Inglaterra) a finales del siglo XVIII, y escribe un libro, pero no vería la luz hasta la segunda mitad del siglo XIX que fue cuando se publicó. Francis Basset, Pompeo Batoni, 1778 George Legge, Pompeo Batoni, 1778 Thomas Dundas, Pompeo Batoni, 1778 TEMA 2 LA VUELTA A LA NATURALEZA Hay una obsesión en el neoclasicismo por volver a la naturaleza y agricultura y los ciclo estacionales del año, es una idea que ya expuso el escritor y filósofo francés de vivir una vida natural Jean-Jacques Rousseau que la puso en la obra de “Emilio” eso también se ve en la obra de “Hameau” la aldea de María Antonieta en Versalles entre 1783 y 1786, el artífice que hizo esta obra es un arquitecto clásico que es Richard Mique, esta aldea estaba compuesta por la casa de la reina, hay también un gran lago, con cosas de tipo rustico. Tenemos también en esta aldea una granja, una lechería, un molino, un huerto, etc. aquí lo que él hace es una fantasía ella que escapar de la etiqueta ya rugada del espacio, por lo que, lo que hace es escapar con una serie de damas de la corte y hacen cosas de granja. En 1793 el calendario gregoriano se cambiaba por el revolucionario, este comenzaba el 22 de septiembre, ese año era el año 1 y cambiaron los nombres de los meses: - Septiembre: vendimario - Octubre: brumario - Noviembre: frimario - Enero: Nivôse - Febrero: Pluviôse - Marzo: Ventôse - Abril: Germial - Mayo: Floréal - Junio: Prarial GIOVANNI BATTISTA PIRANESI (1720 – 1778) El Gran Tour produjo un comercio de arte importante. Piranesi, es una figura especial, era arquitecto, pero sobre todo grabador, se trasladó a Roma y se quedó allí, él realizara grabados en aguafuerte de vistas de la Roma nueva y antigua y sobre templos de paeustrum, todo esto se publica entre 1748 y 1778. Por ejemplo: - Vedute di Roma (1748)-. Vistas de la Roma moderna - Le Antichità Romare (1756). Aquí básicamente lo que hace es grabado sobre los monumentos de la Roma antigua. - Della Magnificenzia ed Architettura de Romani (1761). Esta obra le supuso una polémica con Winckelmann, porque Piranesi defendía la supremacía de la arquitectura romano sobre la griega, esta obra contiene una serie de grabados sobre los órdenes clásicos y ahí es donde Piransei proclama la supremacía. - Carceru d’invenzione (1760-65) - Vistas de Paestrum (1778) A Piranesi le llaman la atención las ruinas de Roma como restos evocadores de un pasado gloriosos y efímero. En Piranesi encontramos como una especie de sentimiento de veneración ante la sublime magnificencia de la arquitectura romana. Piranesi representa las ruinas en toda su grandeza y sublimidad (algo prerromántico), por ejemplo, incorpora lo que llamamos el elemento de “sic transit” el paso del tiempo, esto quiere decir que aparecen las ruinas desmoronadas, la maleza creciendo entre los mármoles, las serpientes deslizándose entre las - Julio: Messidor - Agosto Themidor - 18/08 – 16/09: fructidor Otoño Invierno Primavera Verano TEMA 2 1. Según él la belleza es única y cualquier particularismo la daña, una belleza ideal, clásica, medida, abstracta. 2. La suma belleza según Wickelmann, que ya lograron los griegos, por lo que hay que hacer al no poderlos superar es imitarlo. 3. La pintura ha de imitar la escultura, porque al no conocerse la pintura antigua, tan solo por descripciones, los pintores neoclásicos deberán imitar la escultura (la pompeyana no fue tenida en cuenta). Hay que tener en cuenta que la mayoría de las observaciones que tenía Wickelmann era de copias romanas. 4. La escultura griega, era blanca y la moderna en consecuencia también habrá de serlo. Los neoclásicos desconocían la policroma e los templos y de las estatuas griegas. Esta es una idea que a saber de saber que son policromadas la imaginaron aun de blanco. ANTONIO RAPHAEL MENGS (1728-1779) Pintor y tratadista de origen alemán. Va a llevar a cabo una trasposición de las doctrinas de Wickelmann al campo de la pintura. Mengs publica en 1772 sus Reflexiones Sobre la Belleza y el Gusto en la Pintura. La obra se tradujo al español en 1780 por José Nicolas de Azara, que era el embajador de España en Roma, fue biógrafo y amigo personal de Mengs, Azara en esta misma obra hizo una biografía del pintor. Mengs es ante todo un defensor de la belleza ideal, pero va a tomar como modelos por un lado la estatuaria clásica va a tomar también como modelo las obras de Rafael, para el dibujo y la expresión, de Correggio toma la gracia y el claro oscuro y de Tiziano el color. Hay una obra del Parnaso: TEMA 2 Una obra pitada en Roma para el cardenal Albani, en 1771. En este fresco que mide 3x6 metros vana queda reflejadas las ideas de Wickelmann y las de Mengs acerca de la pintura, en un momento todavía temprano En el que asistimos a la formulación de los principios e la pintura neoclásica posterior. Se representa a Apolo en el centro, es un Apolo muy escuálido, rodeado por las musas, el medio de esta composición es romper el ilusionismo Barroco de la perspectiva, pintando una composición a modo de relieve antiguo, como si estuviera pegado al techo en el que triunfa el dibujo sobre el color. Mengs pasa muchos años en Roma, pero Carlos III le llama a España en 1761, que había sido rey de Nápoles hasta el año 59, por lo que en 1766 es nombrado primer pintor de cámara (el cargo más importante que podáis ostentar un pinto) como pintor de cámara tenía una serie de obligaciones, por lo que viene es para decorar algunas bóvedas del palacio real de Madrid y para retratar a la familia real. Permanece en Madrid durante 2 estancias. - La primera entre 1761 – 1762. - La segunda 1774-1776. Luego marcha a Roma con un permiso del rey, ya que España no le gusta y Madrid tampoco, así que en el 1769 se le concede el perimo para ir a Roma, en Madrid empieza a sentirse enfermo, pide permiso para ir a Roma donde muere en 1779. En los frescos del palacio real pinta desnudos académicos basados en el estudio de la anatomía, son temas mitológicos. Los retratos de la familia real y nobleza son retratos todavía muy aporcelanados dentro de la tradición del rococo, muy minuciosos en los que prima la idealización del retratado la ostentación en los trajes, etc. Pinta a Carlos III a los príncipes de Asturias, algunos nobles, etc. Mengs tuvo su importancia en España ya que se calificó como “dictador de las artes” cuando llega a Madrid intenta ser nombrando director general de la academia de Bellas Artes de San Fernando. Pero si logra imponer cosas como la pintura del desnudo, los vaciados de yeso, etc. Se llevo mal en general con los académicos, es cierto que España estaba una muy anclada en la tradición, tuvo la protección del rey. TEMA 2 Azara hace una biografía de Mengs y cuenta que ya desde pequeño tuvo una infancia difícil ya que su padre Ismael Mengs le encerraba en las estancias del vaticano desde por la mañana hasta la tarde a estudiar a Rafael, por lo que tuvo roces con todo el mundo. Mengs defiende la obligación del artista de moderar las pasiones, lo que los neoclásicos llamaban los afectos, es decir, el artista no se puede permitir el plasmar el horror, el miedo, la risa, etc. Por ello era el genio clásico, es un arte muy equilibrado y perfecto, pero en el que los rostros no denotan nada. Para Mengs el cometido de la pintura es instruir deleitando, el arte para Mengs debe imitar a la naturaleza, pero una naturaleza perfecta e idealizada. El pintor lo que tiene que hacer es una selección de lo hermoso de lo bello y debe rechazar lo feo o desagradable los temas deben ser siempre temas posibles y verosímiles. La pintura se compone de 5 partes principales: 1. Dibujo. Consiste en imitar las formas de la naturaleza de una manera correcta 2. Claro oscuro. Se basará en la imitación de los efectos de luz y sombra de la naturaleza. También servirá para expresar el carácter de una obra alegre o grave. 3. Colorido. “La belleza del colorido consiste en la justa imitación de los colores locales o tonos de cada cuerpo”. Lo que hará el pintor es pintar las cosas de cada color, por lo que no se atiende nunca a la entonación del cuadro, esta idea viene de la academia francesa del siglo XVII. 4. Invención. Consiste en elegir la primera idea de una obra pictórica, a la que estarán subordinadas las distintas figuras y objetos de la misma. 5. Composición. Nunca debe ser abigarrada es decir confusa o tumultuosa, si no que por el contrario deberá atenderse a composiciones formadas por pocas figuras y objetos, perfectamente individualizados unos de otros. Mengs distingue los siguientes estilos en pintura, es una escala: - Sublime. Nos dice que este estilo solo lo poseyeron los antiguos griegos y que, al no conservarse ejemplares de sus pinturas, habrá que recurrir a las esculturas antiguas que nos legaron. - Bello. Para Mengs, es el estilo sencillo y depurado de elementos superfluos a este estilo nos dice que pertenecen la mayor parte de estatuas griegas que nos quedan y también nos dice que a este estilo se acercaron pintores como Rafael, Anibale Carraci o Guido Reni. - Gracioso. “cuando se da la figura movimientos moderados, fáciles, amorosos”. Pone como ejemplo a Correggio, como representante de este estilo - Significante. Cuando la expresividad es tenida como fin principal del arte. pone como ejemplo a Rafel. - Natural. Es el que imita a la naturaleza e intenta plasmar la idea de verdad. Ha sido practicado por lo que él denomina los pintores naturalistas, que representan la naturaleza tal cual es, sin mejorarla o someterla a un proceso de selección para escoger lo más bello y nos da tres ejemplos: Rembrandt, Teniers y Velázquez. - Fácil. Denomina así a los pintores “vulgares y populares” según sus palabras y cita dos ejemplos, dos italianos: Pietro da Cortona y Luca Giordano. - Los estilos viciosos. Hace referencia al estilo “recargado amanerado, en definitiva, el estilo barroco” en el sentido peyorativo dice que es un estilo basado en la contraposición del claro oscuro y en la “disposición quimérica de masas de luces y sombres donde no pueden hallarse, aquí no da ningún hombre le profe cree que se TEMA 2 La obra más importante de Tiepolo será en el salón de los reinos o de embajadores, “la majestad de la monarquía española” En esta sala presenta la grandeza y poder de la monarquía española o la majestad de la monarquía española. Es de 1774, está firmado por el autor. Es un fresco de grandes dimensiones que destaca sobre todo por su fantasía, por el dominio de la composición en perspectiva y por unos colores muy vivos de una transparencia cristalina. Los colores azules o los amarillos, se dice que representa la última apoteosis del barroco. La obra de Tiepolo se caracteriza por la exuberancia y a ampulosidad decorativa. En esta obra Tiepolo, es una composición típicamente barroca, es lo opuesto a los frescos de Mengs, se caracteriza por una búsqueda de los puntos de fuga en el espacio, un sentido de movimiento y fluidez también hará diagonales y escorzo, en este lienzo azul está lleno de alegorías, que ascienden por la bóveda de una manera ingrávida, que parecen flotar, mientras que en la cornisa aparecen representados los diferentes reinos de la corona de España con sus correspondientes atributos. Mengs como retratista. También es retratista ya que una de las obligaciones del pintor de cámara se hace retratos, son retratos muy aporcelanados dentro aun de la estética del Rocco, por lo que retrata a Carlos III a la reina de Sajonia a los futuros reyes de Asturias a los infantes y a otros miembros de la familia real. Son retratos perfectos con tendencia a la abstracción a la idealización del retrato, esto hablando de los retratos oficiales, porque luego hay otra faceta que son los retratados íntimos, ya que cuando se retrata a él o amigos suyos, son diferentes. La pincelada en estos cuadros es prieta y minuciosa, el ojo no puede apreciar la pincelada, son retratos esmaltados y fríos como una porcelana, domina los retratos de tres cuartos, en actitud reposa; en los que cobra una especial importancia el traje el vestido, es decir, la indumentaria y las condecoraciones, es un gran maestro a la hora de representar las telas. Los retratos de la familia real: Carlos III, rey de España y de las Indias. 1765. Es un retrato que encargo el rey Federico V de Dinamarca para una galería de retratos de los diferentes soberanos reinantes en Europa en ese momento, en el palacio de Christian Borg, había todo tipo de soberanos retratados y encarga a Mengs esta obra. Esta actualmente en Copenhague se expuso hace poco en Madrid, con motivo de la exposición de are de Carlos III, estamos ante un retrato monumental, de aparato, es un retrato de cuerpo entero (que no es habitual en Mengs), aquí el rey aparece vistiendo un armadura completa y manto de terciopelo rojo y armiño, forrado de armiño por dentro, con un broche de diamantes. En la mano derecha lleva lo que se llama la Bengala de Mando y en el pecho luce dos bandas de moaré, el toisón de oro que es la máxima decoración de la corona de España y una banda roja que representa la obra de San Gerardo que creo Carlos II en Nápoles y la banda azul que es una orden francesa llamada “Santo Espíritu”. Es el último rey de España que se hace retratar con armadura. TEMA 2 Carlos III, 1765. No lleva la banda azul, lleva la roja de la orden de San Genaro y su mujer la reina María Amalia de Sajonia, este retrato se fecha hacia 1761, está también en el Museo del Prado y se trataría de un retrato póstumo de la reina, que se ejecutaría a partir de una miniatura, la reina murió en Madrid en 1760, ellos llegaron en 1761, se puede ver como trata las telas. Carlos III cuando muere se dedicaba a despachar asuntos de estados. La corte de Madrid según decían los embajadores europeos era una de las más tristes de Europa. Fernando IV de Nápoles, 1760 más o menos. Este Fernando IV hereda la nariz de Carlos III, los italianos le llamaban narizotas y estuvo casado con María Carolina de Nápoles hermana de María Antonieta. Carlos III, Mengs, Museo del Prado María Amalia de Sajonia, Mengs, Museo del Prado TEMA 2 Retratos de los príncipes de Asturias, el futuro Carlos IV, se fecha hacia 1765. Aparece con atuendo de cazador, es un retrato influenciado por a Velázquez, posiblemente esos árboles sean en el monte del Pardo, el retrato que hace pareja el de María Luisa de Parna princesa de Asturias, todos ellos en el Prado. Es un retrato muy Rococó, se ve la artificialidad con la que coge la rosa, o la elegancia de vestido. María Luisa de Borbón, Gran Duquesa de Toscana, Museo del Prado. María Luisa de Borbón gran duquesa de Toscana, de 1770. Cuando Mengs marcha a Italia en 1769 se cumple la primera estancia, de camino paró, para retratar a la ¡familia del duque de Toscana, es un retrato muy detallado. Príncipe de Asturias, futuro Carlos IV, Mengs, Museo del Prado María Luisa de Parma, princesa de Astuiras, Mengs, Museo del Prado