Artes visuales de los siglos XVIII y XIX, Apuntes de Historia del Arte

¡Descarga Artes visuales de los siglos XVIII y XIX y más Apuntes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity! ARTES VISUALES Rococó Se da en la primera mitad del siglo XVII, surgiendo en Francia. Se define como un estilo decorativo, delicado y elegante que sucede al barroco y precede al neoclasicismo. En un arte con un carácter sensual, sobre todo en el ámbito pictórico, tiene un gran vértice exótico, a veces exuberante y luego también mantiene un sentido fantástico. Comparte con el barroco la característica teatral. El rococó es estudiado mas que todo por los eurocentristas (Kimball, Sedlmayr, Baver) y no se difunde al resto de Europa sino hasta 1730. El estilo “Luis XV” (estilo del rococó francés) de 1720-50, es cuando alcanza su máximo esplendor. El rococó va desapareciendo en el 1760, siendo remplazado por el neoclasicismo. ¿De donde viene la palabra rococó? Es una definición burlesca de “rocaille”, que era un motivo con forma de concha, es una forma muy genérica que se encuentra en todos lados. El rococó es un arte del antiguo régimen y constituye una comunidad minoritaria, un arte para los burgueses adinerados. También es el arte de la Iglesia católica, pero la revolución francesa acabara con todo esto hasta el inicio del arte napoleónico que es muy parecido. La decoración del rococó es muy cara, utilizándose de sobremanera la porcelana, por ejemplo, es un arte lujoso, aristocrático, con un sentido de la gracia. El rey Federico II de Prusia le da nombre a un pabellón muy famoso del palacio de Sans Souci. Frivolidad, sensualismo y el hedonismo serán los elementos conceptualizados que definirán el rococó. El rococó fue un fenómeno francés y posteriormente europeo (1720). Francia en estos años se convierte en la capital intelectual de Europa. El idioma francés se convierte en uso internacional sustituyendo al latín.  Versalles se abandona, la nobleza se traslada a Paris para hacer palacetes con una arquitectura narcisista.  Los salones eran importantes ya que allí se recreaban los festejos, la música y las ceremonias.  Aparecen los boudoirs y cabinets, gabinetes muy decorados.  Cuadros de gabinete, su formato es mas pequeño que los de la época de Luis XIV. Hay que destacar la vida preponderante de la mujer en Francia porque muchas veces ella se convertirá en el eje de dichas reuniones (lectura, música, conocimiento). Una de las representantes mas importantes es: Madame de Pompadour, una gran mecenas de las artes, influyente en este campo y en la política, fue retratada por Boucher y fue protectora de Falconet. En un determinado momento ella se dio cuenta del declive del rococó e influyó en el surgimiento del neoclasicismo. JEAN-ANTOINE WATTEAU Fue un pintor francés (1684-1721) que incitó el resurgimiento del color y el movimiento. Revitalizo el estilo barroco, llevándolo al rococo menos severo, mas naturalista, menos clásico. A este pintor se le atribuye la invención del género de escenas galantes, escenas de encanto bucólico e idílico, impregnadas con un sentido teatral. Algunas de sus pinturas mas famosas fueron inspiradas del mundo de la comedia italiana y del ballet. En 1709, Watteau intentó obtener el Premio de Roma y fue rechazado por la Academia. En 1712 lo intentó de nuevo y fue considerado tan bueno que, en lugar de recibir la estadía de un año en Roma por la que había solicitado, fue aceptado como miembro de pleno derecho de la Academia. Peregrinación a la isla de Citera (Louvre, 1717). (importante examen) Fue realizado por Antoine Watteau, pretende evocar el jardín del amor de Rubens. Watteau solo pudo conocer esta obra a través de un grabado pues pertenecía al rey de España, lo que hizo fue una interpretación de la obra. Se trata de una excursión de jóvenes a la isla de Citera que está dedicada a la diosa Venus. En el camino encontramos una herna (un busto con una estípite) que justamente representa a la divinidad y esta adornada por guirnaldas y rosas, con un carcaj y flechas a los pies, iconografía de cupido. Las parejas intercambian promesas de amor en la tarde (suponemos), avanzan lentamente disponiéndose a embarcar en botes dorados rodeados de querubines, sin dejar de ver nostálgicamente lo que dejan atrás. Esta es la interpretación tradicional. Michael Leveyn dice que no se sabe si están preparándose para irse de la isla o para ir a ella. El defiende que se encuentran en ella por la estatua de Venus, por lo que realmente están partiendo de ella. Crispin subido a un burro y los otros bajo la figura de una estatua de piedra. Isabel y el Capitán, todos ellos miembros de la comedia italiana. Círculos concéntricos del sombrero, la gola, y el cuello que se contraponen con la figura maciza y vertical del comediante. Comediantes italianos, Watteau Mezzetino, Watteau (1718-19) Óleo sobre lienzo. Se trata de un hombre tocando la guitarra, cantando y sentado en un banco. Atrás se ve la estatua de mármol de una mujer que le da la espalda y que alude a esa amante que ignora al canto de Mezzetino. Utiliza un traje de seda, rayas características de color Salmon, manto rojo y la boina. El rostro y las manos son expresivas y nerviosas. Hay una armonía de colores claros que iluminan la figura que destaca del fondo verde del jardín. El color rojo hace contraste con la gama de colores fríos. Mezzetino era un personaje de comedia, basado en Arlequín pero con su propio traje distintivo, que fue presentado por primera vez por el actor del teatro Angelo Costantini en el teatro italiano de París el 16 de octubre de 1683.  FRANCOIS BOUCHER Fue un pintor francés que también trabajo en el estilo del rococo (1703-1770). Mantiene un estilo hedonista y erótico. Le gusta pintar cuerpos nacarados de mujeres. Boucher es conocido por sus pinturas idílicas y voluptuosas sobre temas clásicos, alegorías decorativas y escenas pastorales. Fue quizás el pintor y artista decorativo más célebre del siglo XVIII. Boucher se casó con Marie-Jeanne Buzeau en 1733. La pareja tuvo tres hijos juntos. Boucher se convirtió en miembro de la facultad en 1734 y su carrera se aceleró a partir de este punto ya que fue promovido como profesor y luego rector de la Academia, convirtiéndose en inspector de la Royal Gobelins Manufactory y finalmente en el primer ministro Peintre du Roi (primer pintor del rey) en 1765. Boucher se inspiró en artistas como Peter Paul Rubens y Antoine Watteau. Las obras tempranas de Boucher celebran el retrato idílico y tranquilo de la naturaleza y el paisaje con gran entusiasmo. Sin embargo, su arte generalmente renuncia a la tradicional inocencia rural para retratar escenas con un estilo definitivo de erotismo, ya que sus escenas mitológicas son apasionadas e íntimamente amorosas en lugar de las épicas tradicionales. Triunfo de venus, (1740) Se trata de una composición en espiral que deriva de Rubens. Las figuras se encuentran desnudas. Ninfas acompañadas de tritones y hay cupidos volando entre las nubes. Boucher se decantaba por los desnudos nacarados, incluyendo a veces un color rojizo en los cuerpos. Desnudo en reposo de Luoise O”Murphy (1752) Aparece una joven sensual en una pose provocadora, existe otra variante de este cuadro. Siempre en un marco lujoso, tendida entre las sabanas con una actitud relajada. Se dice que es uno de los desnudos mas descarados de la historia de la pintura. De nuevo con un tono rojizo en el cuerpo. Louise era una joven amante del rey Luis XV. Retrato de Madame de Pompadour (1756) Es un retrato de cuerpo entero de Madame de Pompadour, mecenas de las artes y mujer culta. Luce un vestido de seda azul con un salpicado de rosas color salmón. Nuevamente vemos que se encuentra dentro de un marco lujoso, mantiene un libro entre sus manos indicando que estamos ante una mujer culta. Boucher hizo varios retratos de este mecenas considerada como madrina del rococo. En todas las escenas lleva vestidos voluptuosos y elegantes. Pastoral de Otoño La encarga un intendente de Luis XV. Pertenece al género de las pastorales. Estos cuadros ofrecen una elegancia rustica e idealizada. Hace juego con el Pastoral de Verano.  JEAN-HONORÉ FRAGONARD Pintor y grabador francés (1732-1806) cuyo estilo rococó tardío se distinguió por su notable facilidad, exuberancia y hedonismo. Fragonard, uno de los artistas más prolíficos activos en las últimas décadas del Antiguo Régimen. Entre sus obras más populares se encuentran las pinturas de género que transmiten una atmósfera de intimidad y erotismo velado. Fragonard se unió a un notario de París cuando las circunstancias de su padre se tensaron por especulaciones infructuosas, pero mostraron tanto talento e inclinación por el arte que se lo llevaron a la edad de dieciocho años a François Boucher. Boucher reconoció los raros regalos del joven, pero no quiso perder el tiempo con uno tan inexperto, lo envió al taller de Chardin. Fragonard estudió durante seis meses con el gran luminista, luego regresó más completamente equipado a Boucher, cuyo estilo adquirió tan completamente que el maestro le encomendó la ejecución de réplicas de sus pinturas El sacerdote Coresus y Calirroe, (1765) Es un cuadro histórico hecho a la gran manera del siglo anterior. Constituye una pintura neobarroco de trazos sublimes. Exigió la elaboración de muchos bocetos. Diderot le dedico varias criticas constructivas a este cuadro. El columpio, Londres, 1767 (Las felices casualidades del columpio) Encargada por el Barón de San Jullen. Se trata de una escena galante, posiblemente de una amante del Baron, empujada por un personaje escondido entre las sombras que alude a un marido complaciente. Es una escena vitalista, con un carácter mas sensual y libre. Se ha dicho que es de una vegetación lujuriosa. El cuadro re realizo con un doble sentido ya que a primera vista vemos simplemente a una mujer divirtiéndose con su marido, pero dándole un segundo Galería de cuadros con vistas de la Roma Moderna (1758). Galería de cuadros con vistas de la Roma Antigua (1759).  MAURICE DE LA TOUR Es un pintor francés (1704-1788). Se decanta por los retratos esbozados, pastelista y retratista rococo en la época de Luis XV. La esencia de sus cuadros es captar la fisionomía de los personajes. Le gustaba mucho la técnica del pastel. Entre sus temas más famosos estuvieron Voltaire, Rousseau, Louis XV y Madame de Pompadour. Madame de Pompadour, 1755 Nuevamente vemos a Madame de Pompadour sentada y cogiendo un libro entre sus manos. Viste un traje de seda blanco con motivos dorados. Se encuentra en un marco lujoso con una gama de colores azules oscuros predominando en la escena, pero que hacen contraste con el color blanco del vestido. A su alrededor hay objetos de estudio lo que la representa como una mujer culta y preparada. Retrato de De La Tour. 1751 Aparece el pintor bien vestido con un traje en tonos azules y blancos sobre un fondo a su vez azul.  JEAN-BAPTISTE CHARDIN El contrapunto de los pintores galantes. Pintor relista y naturalista (1699-1779). Se decanta por los bodegones y pinturas de género en la cual se consagra. Maestro de Fragonard. Sus obras se convierten en símbolo de la burguesía laboriosa y comercial. En sus últimos años comienza a hacer retratos al pastel debido al fallo en la vista por el uso del plomo. La influencia de Chardin en el arte de la era moderna fue muy amplia y está bien documentada. La media longitud de Boy Blowing Bubbles de Édouard Manet y los bodegones de Paul Cézanne están igualmente endeudados con su antecesor. Fue uno de los pintores más admirados de Henri Matisse; Como estudiante de arte, Matisse hizo copias de cuatro pinturas de Chardin en el Louvre. Las naturalezas muertas de Chaim Soutine miraron a Chardin en busca de inspiración, al igual que las pinturas de Georges Braque. La Raya. 1725—26. Un cuadro copiado por varios pintores. Aparecen varios elementos en la pintura de bodegón como la jarra vidriada. Queda plasmado un mundo inanimado. Aparecen ostras, dos carpas, un gato que es el único elemento vivo, y la raya dominando la composición en el centro, sangrienta y destripada. Este es un aspecto naturalista de Chardin. La dieta de carne (1731). No se diferencia mucho de La Raya salvo por el protagonista. Aparecen nuevamente los típicos instrumentos de cocina. La jarra vidriada, un pimiento, riñones, etc. Estos bodegones no tienen mucho que ver con los ostentosos bodegones holandés. La Bendición (¿) y La madre laboriosa (1740). Son cuadros de genero que muestran escenas cotidianas, entrañables y delicadas. Los interiores son de clase media y sobrios. Chardin mezcla lo profano con lo sagrado. Los muebles son de la época de Luis XIV, es decir la anterior. Pompas de Jabón (1734)/El niño de la Peonza (1735). Chardin también pintaba temas de adolescentes absortos en alguna actividad, aislados del mundo que los rodea. Normalmente visten con un estilo francés. Actitudes tranquilas y serenas.  MARIE LOUISE VIGÉE-LEBRUN Nació en 1755 en París en el seno de una familia humilde pese a la reputación que gozaba su padre como retratista con la técnica del pastel. Su hermano Étienne, tres años menor que ella, también mostró talento como escritor. De su padre, Louis Vigée, recibió sus primeras lecciones, aunque se benefició más de los consejos de Gabriel François Doyen, Jean-Baptiste Greuze, Claude Joseph Vernet y otros maestros de la época. Autorretrato (1790) Galleria degli Uffizi (Florencia) Pintó los retratos de muchos de los miembros de la nobleza francesa y conforme avanzaba su carrera, a la edad de 23 años fue invitada a Versalles para pintar a la reina María Antonieta. La reina quedó tan complacida con el trabajo de Vigée-Lebrun, que recibió el encargo de pintar más retratos, tanto de ella misma como de los príncipes y de numerosos nobles. Autorretrato con su hija (1789) Museo del Louvre (París) Se solía vestir a los niños como adultos, Enrique VIII, 1698. Vemos que tiene completamente la postura del cuadro del verdadero Enrique VIII, con las manos sujetas en el fajín. Retrato muy fiel de enrique VIII, que el mismo perrito debe de oler a su dueño para ver si en realidad es el. Cabezas de Angeles, 1787. Es uno de los cuadros mejor conservados del autor. Batalla de Gallos del Colonel Mordaunt, 1784 Caballo atacado pro un león 1769. Esto le interesa por la antomia del caballo THOMAS GAINSBOROUGH Pintor de paisajes perteneciente de una familia de trabajadores textiles (1727-1788). Hereda el gusto francés por la elegancia de las figuras. Hace paisajes, retratos (estos solo por dinero) y cuadros de fantasía. Se le considera uno de los retratistas británicos más importantes de la segunda mitad del siglo XVIII. Pintó rápidamente, y las obras de su madurez se caracterizan por una paleta de luz y trazos fáciles. A pesar de ser un prolífico pintor de retratos, Gainsborough obtuvo una mayor satisfacción de sus paisajes. Se le acredita (con Richard Wilson ) como el creador de la escuela británica de paisaje del siglo XVIII. RETRATO MATINAL Mr. Y Mrs. Andrews, (1750 ) . Gainsborough desplaza a la pareja hacia un lado para que el paisaje tome protagonismo. Se trata de unas villas campestres del reino unido. Retrato de El Joven de Azul (1770 ) /Las hijas del pintor persiguiendo una mariposa (1756). Se cree que es un retrato de Jonathan Buttall (1752–1805), hijo de un rico comerciante de hardware, aunque esto nunca se ha demostrado. Es un estudio de vestuario histórico, así como un retrato: el joven en su vestimenta del siglo XVII es considerado como el homenaje de Gainsborough a Anthony van Dyck, y en particular está muy cerca del retrato de Carlos II de Van Dyck cuando era un niño JOHANN JOACHIM WINCKELMANN: Padre de la arqueología moderna. Asimila la cultura antigua, aprende griego y teología. Escribió tres obras fundamentales en alemán: Reflexiones sobre el arte griego en la pintura; Observaciones sobre la pintura antigua; La historia del arte en la antigüedad. Winckelmann aportó mucho a que se viera la historia del arte como disciplina intelectual. Escribía sobre el arte griego desde un punto de vista estético. ANTON RAPHAEL MENGS Fue un pintor alemán (sajón), activo en Dresde, Roma y Madrid, que mientras pintaba en el período rococó de mediados del siglo XVIII se convirtió en uno de los precursores de la pintura neoclásica, que reemplazó al rococó como el estilo de pintura dominante. Lleva las doctrinas de Winckelmann a la pintura. Mengs defendía el concepto de la belleza ideal. Era un retratista anclado, un pintor depresivo y neurótico debido a que de niño sus padres lo encerraban para copiar obras de Miguel Ángel y Rafael. No le gustaba España porque era muy pueblerino, las primeras reformas urbanísticas iniciaron en el reinado de Carlos III. Hace sus obras mediante el estudio de la anatomía. En dos ocasiones aceptó invitaciones de Carlos III de España para ir a Madrid. Allí realizó algunos de sus mejores trabajos, sobre todo el techo del salón de banquetes del Palacio Real de Madrid, cuyo tema fue el Triunfo de Trajano y el Templo de la Gloria. Johann Joachim Winckelmann (1777). Retrato de Wincklemann, padre de la historia del arte quien influyo en Mengs. El Parnasso, (1761). Fue realizada para el cardenal Albani. Se trata de un tema mitológico griego donde aparece Apolo rodeado por las musas. Rompe con el ilusionismo barroco de la perspectiva. Mantiene una visión octogonal con masas bien articuladas. El paisaje no cobra tanta importancia. Resaltan las vestiduras de las musas. Perseo y Andrómeda (1774-79) Nuevamente contamos con un tema mitológico griego el cual narra la salvación de Andrómeda del monstruo marino que se encuentra en la esquina inferior izquierda, por Perseo junto a su caballo alado Pegaso, con un cupido en su inferior. Para Mengs el arte debía imitar una naturaleza idealizada. Todo lo feo y lo doloroso se elimina. Los temas deben ser inverosímiles. La pintura se compone por un dibujo claroscuro, colorido. El modo de pintarla se basa en todo el arte clásico. Todo se sustenta en la lógica y en la simetría constructiva. Las figuras se conforman a partir de unas proporciones ideales herederas de esculturas griegas como el Doríforo de Policleto o el Hermes de Praxíteles. La apoteosis de Hércules (antes de 1769) Fue realizado para la antecámara de Carlos III en el Palacio Real. Desnudos poderosos y estudiados, escultóricos. Se hace una selección de lo bello. Se apoyaba de modelos naturales, pero siempre regresaba al estilo de la estatuaria antigua. El dibujo representa en el centro de la bóveda a Hércules con Vulcano, Plutón, Apolo y Minerva y en la parte inferior las musas y otros dioses