historia del diseño 2023, Resúmenes de Historia del Diseño

¡Descarga historia del diseño 2023 y más Resúmenes en PDF de Historia del Diseño solo en Docsity! 5 aquellas producciones erigidas que constituían no solo la identidad de una sociedad, sino que eran parte de su historia y la memoria de un pueblo. Pero Morris no solo es un hito en la historia particular del diseño y de las artes, sino que, con su trabajo y sus ideas, reorganizó y refiguró auténticas constelaciones de principios ideológicos y usos culturales que habían dominado de forma casi inalterada el mundo de las artes al menos desde el final del Renacimiento. La historia de William Morris y su producción ecléctica es tan abundante que las lecturas sobre su desarrollo son inagotables. No obstante, resulta importante rescatar su gran capacidad multidisciplinar, la cual constituye un antecedente para ubicarse en el plano del diseño desde un lugar flexible, abarcativo y que pueda fluir un poco más allá de la especificidad disciplinar. Por otro lado, hay que destacar el potencial desarrollo de diseños bidimensionales llevados a diferentes superficies, ya que significa un gran ejemplo para pensar el diseño de estampas y patrones en la actualidad. Dos ejemplos que sin dudas son los recursos en los que Mara y su equipo de diseñadores tendrán que poner la mirada para proyectar el cuarto salón del restobar. Libro Cap 9: El diseño gráfico y la revolución industrial Contexto social de la época: Surge la revolución industrial entre los años 1760 y 1840, en donde hubo un proceso radical de cambio social y económico. Nace la máquina de vapor a comienzos de la revolución para luego crear los motores eléctricos y a gasolina a finales de la misma. Ciudades crecen y las personas se desplazan del campo a las ciudades en busca de trabajos dentro de la industria. Surge una confianza excitante en el ser humano ya que se creía capaz de explotar los recursos de la tierra con el fin de satisfacer las necesidades materiales. Nace la figura del capitalista como fuerza mas poderosa. Comienza la producción en serie que incrementaba la demanda y reducía costos. La clase obrera era explotada en jornadas laborales de 13 horas en condiciones sanitarias malas y cobrando salarios precarios. La civilización estaba perdiendo el interés por los valores humanistas y se preocupaba más por los bienes materiales. La gente estaba perdiendo sus vínculos con la naturaleza, la experiencia estética y los valores espirituales. Surge la revolución francesa, en donde comienza a haber una mayor igualdad humana y trajo como consecuencia un incremento en la educación pública y el alfabetismo, con lo cual aumento el público para material de lectura (las comunicaciones gráficas se volvieron más importantes y la demanda hacia la producción de material impreso). Surge la era de las comunicaciones en masa. Las artesanías decaen. La variedad de cuerpos y estilos tipográficos se disparó. La invención de la fotografía y luego los medios para imprimir estas fotográficas expandieron el sentido de la documentación en color. Gracias a la litografía la experiencia estética de las imágenes a color paso de unos pocos privilegiados al conjunto de la sociedad. Las innovaciones en la tipografía: Antes de la revolución industrial, la función de la tipografía era difundir información a través de libros y pliegos impresos. Luego de esta revolución, las necesidades de comunicación masiva provocaron una rápida expansión de las imprentas. Se pedía una escala mayor, mas impacto visual y nuevas características táctiles y expresivas. La era industrial transformó las letras del alfabeto en formas abstractas que proyectaban formas concretas poderosas de fuerte contraste y gran tamaño. Había un enfrentamiento entre los impresores tipográficos y los litógrafos. Para poder subsistir en este enfrentamiento, los impresores tipográficos comenzaron a utilizar los “fundidores de tipos”. Se llegó a la invención de los caracteres ultragruesos (fat faces), una categoría importante dentro del diseño tipográfico, creada por el discípulo y sucesor de Robert Thorne. Los caracteres ultragruesos (fat fase) son letras romanas con más contraste y más peso, por engrosamiento de los trazos gruesos. El ancho del trazo tiene una proporción de 1:2,5 o hasta 1:2 con respecto a la altura de la mayúscula. En esta época se utilizaban mucho las letras romanas modernas, antiguos (egipcios) y otras tipografías de poca calidad como las tridimensionales. Ya en la década de 1830, se dio el nombre de jónicas a una variante de las egipcias con remates ligeramente suavizados y mayor contraste entre los trazos gruesos y los finos y surgen también las Claredon, que son similares a las jonicas (egipcias condensadas) pero con mayor contraste entre los trazos gruesos y finos y remates mas discretos. 6 En 1815, Vincent Figgins creo estilos tipográficos que proyectaban la ilusión de tres dimensiones que parecían objetos voluminosos. Con estas invenciones las perspectivas, los perfiles, la inversión, la expansión y la condensación podían multiplicar cada tipografía en un caleidoscopio de variantes. En esta época las fundiciones hicieron proliferar tipografías con entusiasmo. Al mecanizarse los procesos de fabricación durante la revolución industrial, aplicar decoración resultaba más económico y eficiente Los diseñadores de muebles, objetos domésticos y hasta tipografías disfrutaban con la complejidad del diseño Durante la primera mitad del siglo se aplicaron a las letras decorativas dibujos, motivos vegetales y adornos. La tercera gran innovación tipográfica de principios del sigio xix. la tipografía de palo seco, hizo su debut en un muestrario de 1816 publicado por William Caslon IV. Se parecía mucho a la tipografía egipcia, aunque no tenía remates. Egipcia inglesa de dos líneas. Las tipografías de palo seco, que llegaron a ser tan importantes para el diseño gráfico del siglo xx, tuvieron un comienzo experimental. Las primeras eran pesadas y se usaron fundamentalmente para subtitulos y material descriptivo. En la década de 1830 se las llamo “Sans serif”, nombre utilizado hasta hoy en día. Los carteles impresos con tipos de madera: Un impresor estadounidense llamado Danus Wells comenzó a experimentar con tipos de madera tallados a mano y en 1827 inventó una fresadora lateral que posibilitaba la fabricación en serie y a un precio económico de tipos decorativos de madera. Duraderos, ligeros y a la mitad del precio de los grandes tipos de metal, los tipos de madera no tardaron en superar las primeras objeciones de los impresores y tuvieron una influencia significativa en el diseño de carteles y pliegos impresos. Como consecuencia del impulso de esta nueva tipografía decorativa y de la creciente demanda de carteles públicos por parte de clientes tan variados como circos ambulantes y compañías de vodevil. tiendas de ropa y los nuevos ferrocarriles, aparecieron empresas especializadas en material tipográfico decorativo. Tipográficamente, el diseñador tenía acceso a una gama casi infinita de cuerpos, estilos, pesos y efectos ornamentales nuevos y la filosofía de diseño era que había que usarlos. Debido a la necesidad de trabar bien todos los elementos en la prensa, en el diseño se hacía hincapié en lo horizontal y lo vertical y esto se convirtió en el principio organizador básico. Las decisiones de diseño eran pragmáticas. Las palabras o los textos largos exigían un tipo condensado, mientras que las palabras o los textos cortos se componían con tipografías expandidas. Para destacar las palabras importantes se usaban los cuerpos más grandes. Las empresas especializadas en material tipográfico decorativo que se desarrollaron con la aparición de los tipos de madera comenzaron a decaer a partir de 1870, cuando, como consecuencia de las mejoras en la impresión litográfica, los carteles que se hacían por este proceso se fueron volviendo más gráficos y coloridos. Debido al aumento de revistas y periódicos con espacio para publicidad y a las restricciones legislativas a la fijación de carteles, las comunicaciones comerciales comenzaron a alejarse de los anuncios colgados y la cantidad de empresas de carteles tipográficos disminuyó considerablemente a finales del siglo. Una revolución en la impresión: La revolución industrial alteró la impresión de manera radical. Los inventores aplicaron la teoría mecánica y las piezas de metal a la prensa manual, aumentando su eficacia y el tamaño de la impresión. En 1800 se creó la prensa de Lord Stanhope hecha totalmente de piezas de hierro fundido en donde se podía duplicar el tamaño de la hoja y en donde solo se necesitaba una decima parte de la fuerza manual de la prensa de madera. El paso siguiente transformó la imprenta en una fábrica de alta velocidad. La primera prensa de vapor de Konig tenía un diseño muy similar a una prensa manual conectada a un motor de vapor. Más adelante, Konig desarrolló la prensa de vapor de cilindro de parada, que podía funcionar mucho más rápido. En toda Europa y América del Norte, los impresores de libros y periódicos comenzaron a retirar sus prensas manuales y a sustituirlas por prensas de vapor. En 1798, Nicolas-Louis Robert, un joven empleado de la fábrica de papel de Didot en Francia, desarrolló el prototipo de una máquina para fabricar papel. En 1803 funcionaba en Frogmore (Inglaterra) la primera máquina de producción de papel, una máquina parecida al prototipo de Robert, que vertía una suspensión de fibra y agua en forma de chorrito sobre una cinta transportadora vibratoria de malla de alambre en la cual se podía fabricar una hoja de papel interminable. Adquirieron los derechos Henry y Sealy Fourdrinier, que invirtieron su fortuna para financiar y promover las máquinas papeleras de mesa plana, que por eso se siguen llamando hasta hoy «máquinas Fourdrinier». 9 El surgimiento del diseño editorial y publicitario estadounidense: “Harper and Brothers” fue una de las imprentas más grandes e importantes del mundo. Durante la mayor parte del siglo xix, la mayoría de las editoriales estadounidenses y europeas (incluida Harper and Brothers) no se preocupaban demasiado porque el diseño de libros fuese original. A raíz de la rápida expansión del público lector y de las economías resultantes de las nuevas tecnologías, los editores se concentraban en las grandes tiradas y los precios bajos. Las tipografías modernas, que solían ser derivadas de segunda clase de los diseños de Bodoni y Didot, se componían en maquetaciones de página comunes y corrientes. La tipografía victoriana: A medida que iba avanzando la época victoriana, el gusto por la ornamentación recargada llegó a tener mucha influencia en el diseño de tipografías y letras. Las tipografías complejas de principios del sigío xix se basaban en formas de letras con una estructura tradicional. Se aplicaban sombras, perfiles y ornamentación sin dejar de lado la estructura clásica de la letra. En la segunda mitad del siglo, gracias a los avances de la tecnología industrial, las fundiciones de tipos metálicos pudieron impulsar la ornamentación, incluida la distorsión extravagante de las formas básicas de las letras, hasta llegar a grados extremos. Para conseguir tipografías más complicadas, los grabadores de punzones tallaban sus diseños en metal blando y a continuación los galvanizaban, para endurecerlos lo suficiente para poder estampar el diseño sobre un matriz de bronce. La cromolitografía, con sus letras desinhibidas, fue una de las principales fuentes de inspiración para las fundiciones y los impresores tipográficos que trataban de mantener su parte en una industria tan competitiva como la de las artes gráficas. El entusiasmo por las recargadas tipografías victorianas comenzó a decaer en la década de 1890 y cedió paso a un resurgimiento de la tipografía clásica, inspirado en el movimiento de Artes y Oficios inglés Libro Cap 10: El movimiento de Artes y Oficios y su herencia Willism Pickering, desempeño un papel importante en la separación del diseño gráfico de la impresión. Él tenía su propia librería (librería de libros). Su pasión por el diseño lo llevó a encargar nuevos ornamentos, iniciales e ilustraciones en bloques de madera y mantuvo el control sobre el diseño del formato, la selección de tipografías, las ilustraciones y todos los demás aspectos visuales. La edición de Pickering de The Elements of Euclid de Oliver Byrne marca un hito en el diseño de libros. Pero la decadencia en el diseño de libros continuo hasta finales del siglo, cuando se renovó. Esta renovación, que primero trató al libro como un objeto artístico de edición limitada y a continuación influyó en su producción comercial, se debió en gran medida al movimiento de Artes y Oficios, que prosperó en Inglaterra durante las últimas décadas del siglo xix, como reacción contra la confusión social, moral y artística de la revolución industrial. Se abogaba por el diseño y la vuelta a la artesanía y se despreciaban los artículos «baratos y horribles» de la época victoriana, fabricados en serie. Según el líder del movimiento de Artes y Oficios inglés, William Morris, tanto el diseñador como el obrero tenían que adecuarse a la finalidad, respetar la naturaleza de los materiales y los métodos de producción y defender la expresión individual. Lo que proponía el movimiento Arts and craft, era “recuperar para sus hijos”. John Ruskin inspiro la filosofía de este movimiento. Este señor proponía que después del Renacimiento el arte y la sociedad habían comenzado a separarse. La industrialización y la tecnología habían hecho que aquella ruptura gradual alcanzara una etapa crítica, aislando al artista. Las consecuencias fueron los préstamos eclécticos tomados de modelos históricos, la disminución de la creatividad y que el diseño quedara en manos de ingenieros sin ninguna preocupación estética. estética. En la base de las teorías de Ruskin estaba su creencia ferviente en que los objetos hermosos eran valiosos y útiles precisamente por ser hermosos. Ruskin se interesaba por la justicia social y defendía mejores viviendas para los obreros industriales, un sistema educativo nacional y beneficios jubilatorios para los ancianos. William Morris adoptó una síntesis de las filosofías estéticas y la conciencia social de Ruskin. El entusiasmo por las recargadas tipografías victorianas comenzó a decaer en la década de 1890 y cedió paso a un resurgimiento de la tipografía clásica. La Casa Roja, diseñada para ellos por Philip Webb, es un hito de la arquitectura doméstica. En lugar de distribuir las habitaciones en una caja rectangular tras una fachada simétrica, la casa tenía un plano en forma de ele, como consecuencia de una planificación funcional del espacio interior. Cuando llegó el momento de equiparla, Morris descubrió de pronto lo malo que era el diseño Victoriano de productos y muebles, por lo que diseño y supervisó la ejecución de 10 colores y tapices para la Casa Roja. Morris resultó ser un increíble diseñador de motivos en dos dimensiones. Creo motivos para papeles pintados, tejidos, alfombras y tapices. Muy preocupado por los problemas de la industrialización y el sistema fabril, Morris trató de poner en práctica las ideas de Ruski para hacer frente al empobrecimiento estético de los artículos producidos en serie y a la falta de artesanos honestos, había que reunir el arte con la artesanía. El arte y la artesanía se podían combinar para crear objetos hermosos, desde edificios hasta ropa de cama; los obreros podrían volver a disfrutar con su trabajo y se podría revitalizar el entorno creado por el hombre, que había decaído hasta convertirse en ciudades industriales con viviendas sucias y deprimentes, llenas de productos manufacturados destartalados. La preocupación moral por la explotación de los pobres impulsó a Morris a hacerse socialista. Durante las décadas de 1880 y 1890, el movimiento de Artes y Oficios fue apuntalado por una serie de sociedades y gremios que atentaban establecer comunidades artísticas democráticas unidas por el bien común; abarcaban desde cooperativas de exposición hasta comunas basadas en ideales socialistas y religiosos. El gremio del siglo: El gremio del siglo era un grupo un grupo de jóvenes artistas y diseñadores con una causa común. E objetivo del Gremio del Siglo era «que todas las ramas del arte cejaran de pertenecer a la esfera del comerciante para pasar a la del artista». Las artes del diseño se tenían que elevar «al lugar les corresponde, junto a la pintura y la escultura». Este grupo incorporaron a sus trabajos las ideas de diseño renacentistas y japonesas. Sus diseños constituyen uno de los vínculos entre el movimiento de Artes y Oficios y la estilización floral del Art Nouveau. Art Nouveau no se convirtió en movimiento hasta la década siguiente. Mackmurdo y Selwyn eran unos de los principales representantes. El Hobby Horse, que era la primera revista bien impresa dedicada exclusivamente a las artes visuales, pretendía proclamar la filosofía y los objetivos del Gremio del Siglo. El Hobby Horse fue la primera publicación periódica de la década de 1880 que presentó el punto de vista del movimiento de Artes y Oficios británico al público europeo, para tratar le impresión como una forma de diseño seria. La Kelmscott Press En 1890 William Morris bautizo su nueva empresa llamada Kelmscott Press, en donde se publicó uno de los libros mas exitosos de Morris llamado “The Story o f the Glittering Plain”. En esta época, William Morris se dedico a diseñar tipografías como la Golden y Troya (gótica). La Kelmscott Press se comprometía a recuperar la belleza de les incunables. La meticulosa impresión manual, el papel hecho a mano, los bloques de madera tallados a mano y las iniciales y les marcos ornamentales similares a las que usaba Ratdolt convirtieron aquella pintoresca casa de campo en una máquina del tiempo cue volvía atrás cuatro siglos. El libro se convirtió en una forma de arte. El volumen más notable de la Kelmscott Press fue la ambiciosa “Works of Geoffrey Chaucer”. La paradoja de William Morris es que, al buscar refugio en la artesanía del pasado, desarrolló actitudes de diseño que determinaron el futuro. Su llamamiento a la destreza en la ejecución, a ser fiel a los materiales, a hacer bello lo útil y a adecuar el diseño a la función son actitudes que fueron adoptadas por las generaciones siguientes para tratar de unificar no el arte y la artesanía, sino el arte y la industria. Morris enseñaba que el diseño podía poner el arte al alcance de la clase trabajadora, pero el mobiliario exquisito de Morris and Company y los magníficos libros de la Kelmscott Press sólo estaban al alcance de los ricos. A partir de la imprenta de William Morris, se comenzó a crear todo un movimiento de imprentas privadas. Morris, el movimiento de Artes y Oficios y las imprentas privadas inspiraron una vigorosa revitalización de ¡a tipografía. En Estados Unidos, la American Type Founders Company (ATF) creó una amplia biblioteca de investigación tipográfica y desempeñó un papel importante en la recuperación de diseños pasados. El legado del movimiento de Artes y Oficios va más allá de lo meramente visual. Sus actitudes con respecto a los materiales, la función y el valor social llegaron a ser una fuente de inspiración importante para los diseñadores del siglo xx. Su impacto positivo sobre el diseño gráfico continúa un siglo después de la muerte de William Morris, a través de las renovaciones de los diseños de tipografías anteriores, el esfuerzo continuado hacia la excelencia en el diseño de libros y la tipografía y el movimiento de las imprentas privadas que persiste hasta el día de hoy. El efecto a largo plazo de Morris fue un mejoramiento importante del diseño de libros y la tipografía en todo el mundo. 11 Libro Cap 11: El Art Nouveau El incremento del comercio y las comunicaciones entre países asiáticos y europeos durante el final del siglo XIX provocó un choque cultural y tanto Oriente como Occidente experimentaron cambios como consecuencia de su influencia recíproca. El arte asiatico brindo a los artistas y diseñadores europeos y norteamericanos una nueva perspectiva con respecto al espacio, el color, las convenciones del dibujo y los temas, totalmente diferente a la tradiciones occidentales, lo qué revitalizó el diseño gráfico durantes la última década desde el siglo XIX. La influencia del ukiyo-e Ukiyo-e quiere decir ‘pinturas del mundo flotante’ o estampa japonesa y define el movimiento artístico japonés del periodo Tokugawa, esta época corresponde a la última fase de la historia japonesa tradicional, un periodo de expansión económica, estabilidad interna y florecimiento de las artes culturales. Temerosos del posible impacto de la expansión colonial europa y los misioneros cristianos sobre la cultura japonesa, el shogun (gobernante militar con más poder qué el emperador) publicó en la década de 160 3 decretos por los qué se excluye a los extranjeros y se adopta una política social de aislamiento nacional. Durante esta época el arte japonés adquirió un carácter nacional singular con pocas influencias externas. El ukiyo-e combina las narraciones realistas del emaki (los pergaminos ilustrados tradicionales) con influencias de las artes decorativas. Las primeras obras fueron pintadas sobre mamparas qué representaban los barrios de entretenimiento, (llamados “El mundo flotante”) de Edo(actual Tokio) y otras ciudades. Los primeros temas fueron escenas y actores del teatro kabuki, reconocidas cortesanas y prostitutas y el erotismo. Los artistas de este movimiento no tardaron en adoptar la xilografía (es una técnica de impresión con plancha de madera. El texto o la imagen deseada se talla a mano con una gubia o buril en la madera). Por lo general se reconoce a Hishikawa Moronobu (1818 -1694) como primer maestro de la impresión de ukiyo-e, comenzó con ilustraciones en libros, con lo cual llegó a un público amplio. Además de prostitutas y cortesanas (foto de la derecha), sus obras representaban la vida cotidiana de las personas corrientes, como la muchedumbre en la calle y los vendedores ambulantes. Las impresiones xilográficas eran el resultado de una colaboración entre el editor, el ilustrador, el grabador y el impresor. El editor, financiaba la producción de una estaba y coordinaba el trabajo de las otras tres partes, El ilustrador hacía un dibujo distinto para cada color, los mismos se pegaban sobre bloques de madera y las partes negativas o blancas se recortan, con lo cual se destruía el dibujo original. Cuando se había grabado todos los bloques necesarios se comenzaba a imprimir. Se usaban tintas al agua y mezclas sutiles, de modo qué los impresores. tenían qué ser muy hábiles y rápidos. Okumura Masanobu fue uno de los primeros artistas qué paso de las planchas de madera coloreadas a mano a un solo color a la impresión de dos colores y en 1765 Suzuki Harunobu presentó estampas a todo color hachan con muchos bloques, cada uno de los cuales servía para imprimir un color distinto. Para sus contemporáneos Kitagawa Utamaro era el artista inigualable para retratar mujeres hermosas, ha sido llamado “el poeta supremo de la estampa japonesa”. Creo impresiones de insectos, pájaros, flores, mujeres de gran hermosura y delicadeza, donde busco transmitir los sentimientos de las modelos. Sus fondos cálidos amarillos y marrones destacaban la piel delicada de tonos más claros (foto derecha). En 1804 fue encarcelado y obligado a llevar esposas por 50 días por haber hecho estampas qué representaban a las esposas y concubinas del gobernador militar. Murió dos años después. El artista de ukiyo-e más famoso y prolífico fue Katsushika Hokusai (1760 a 1849), qué se calcula qué produjo 35.000 obras a lo largo de siete décadas artísticas incesantes. A los 19 aparecieron sus primeras estampas de actores de kabuki. Sus obras abarcan toda la gama de temas del ukiyo-e (foto derecha) estampa para álbumes, escenas de género, acontecimientos históricos, ilustraciones para novelas, series de pasajes con vistas de ríos, montañas, cascadas y puentes; estudios del natural de flores, aves, crustáceos y 14 Durante los últimos años de su vida quedó invalidado, cuando podía trabajar los motivos planos y las curvas dinámicas del Art Noveau cedían paso a una cualidad total más naturalista y con contornos punteados suavizaban los trazos categóricos de su trabajo anterior. El principal rival de Beardsley fue Charles Ricketts, él veía el libro como un todo y se concentraba en la armonía de las partes; la encuadernación, las guardas, la portada, las tipografías, la ornamentación y las ilustraciones. La composición de sus páginas es más ligera, sus ornamentos y su encuadernación son más abiertos y geométricos y sus diseños tienen una luminosidad viva La evolución posterior del Art Nouveau francés Henri de Toulouse-Lautrec, llevó a cabo el cartel de Moulin Rouge (foto de la derecha), el cual abrió nuevos caminos en el diseño gráfico de carteles. Se caracterizaba por un patrón dinámico de forma plana. Las formas simbólicas simplificadas y las relaciones espaciales dinámicas forman imágenes expresivas y comunicativas. Desarrolló un estilo ilustrativo periodístico qué captaba la vida nocturna de la belle époque. Théophile-Alexandre Steinlen, sus primeros encargos fueron dibujos de gatos para Le Chair Noir (foto a la derecha). Su radicalismo político, su afiliación socialista y su postura anticlerical lo condujeron hacia el realismo social qué representaba la pobreza, la explotación y la clase trabajadora. Alphonse Mucha, realizó un cartel para la obra Gismonda, con un alto grado de complejidad y con colores apagados, esta obra carece del impacto de la obra de Cheret, sin embargo, al acercarse todos quedaban asombrados. Con aquella obra comenzó su ascenso. Se aclamo al arte nuevo como le style moderne. Su tema dominante era una figura femenina central rodeada de formas estilizadas derivadas de plantas y flores, el arte popular moravo, los mosaicos bizantinos y hasta la magia y el ocultismo. Las mujeres de Mucha proyectan una sensación arquetípica de irrealidad. Son exóticas y sensuales, aunque con aspectos de doncella no manifiestan ninguna edad, nacionalidad, ni periodo histórico. Sus peinados estilizados se convirtieron en distintivos en la época. El Art Nouveau llega a Estados Unidos El arte británico y francés no tardó en invadir los Estados Unidos Las revistas compraron en dos ocasiones portadas de Grasset. Louis Rhead, de origen británico, se inspiró en carteles franceses. el adopto las doncellas esbeltas, las líneas de contorno y el color plano de Grasset, sin embargo, rechazaba sus colores pálidos y prefería combinaciones totalmente inesperadas. Will Brandley se inspiró en fuentes inglesas, especialmente en Beardley, utilizó su estilo de formas planas y contornos estilizados, pero esta inspiración fue un peldaño hacia una técnica gráfica fresca y con unidad visual de tipografía e imagen. Utilizó de forma innovadora técnicas para producir imágenes repetidas, superpuestas e invertidas. Durante las últimas décadas de su carrera hizo aportaciones importantes a la evolución del diseño editorial del siglo XX. Ethel Reed fue la primera estadounidense que adquirió notoriedad en el país como diseñadora gráfica e ilustradora. A los 18 años se hizo famosa como ilustradora de libros y diseñadora de carteles. Su carrera acabó bruscamente a sus 22 años y sí desaparición del registro histórico es un misterio. Edward Penfield, adquirió fama como rival de Bradley y de Rhea. Sus series mensuales para la revista Harper 's iban dirigidas a los miembros acomodados de la sociedad y con frecuencia los representaba leyendo un número de la revista o con él en la mano.Fue evolucionando hacia su estilo maduro de dibujo de contorno con planos de color homogéneo. Al eliminar el fondo obligaba al espectador a 15 fijarse en la figura y en las letras. Dibujaba con trazo fluido y enérgico y sus planos de color homogéneo a veces se contemplaban con una técnica de punteado. La innovación en Bélgica y los Países Bajos: Bélgica experimentó los comienzos del fermento creativo durante la década de 1880. A mediados de la década de 1890 el Art Nouveau belga se convirtió en una fuerza significativa, gracias al arquitecto Victor Horta y el diseñador Henri van de Velde quienes estaban influyendo en los cambios qué se producían en toda Europa. Van de Velde, arquitecto, pintor, diseñador y docente, sintetizó en un estilo unificado fuentes como la estampa japonesa, el Art Nouveau, el movimiento de artes y oficios inglés y la escuela de Glasgow. En el diseño de libros, abrió un terreno creativo, dibujando formas lineales dinámicas qué envuelven el espacio qué las circunda y los intervalos entre ellas. Su obra evolucionó a partir de formas inspiradas por símbolos u por motivos vegetales hacia patrones lineales rítmicos. Al aplicar este método al diseño gráfico, se convirtió en precursor de la pintura del siglo xx y predecesor de Kandisnky y la expresión abstracta. Su único cartel fue para Tropon donde atrajo al espectador con formas simbólicas y colores. Su principal innovación fue un doble contorno qué separaba la figura del fondo. El contorno oscuro se acentuaba mediante una franja blanca gruesa, qué incrementan el impacto de la imagen cuando se colgaba en las carteleras. En los países bajos, el Nieuwe Kunst (nuevo arte) abarcó entre 1892 y 1906. Donde provocaron una importante renovación artística en los Países Bajos, de donde salieron semillas de los movimientos futuros, como De Stijl, Art Deco y lo que actualmente se conoce como estilo Wendingen. Algunas de las características especiales del diseño de libros de este movimiento son la imprevisibilidad, la excentricidad, la apertura y la innovación, refleja el amor al orden, la geometría, equilibrado por la tendencia a lo primitivo y la independencia de las normas aceptadas. A comparación con el Art Nouveau, el Arte nuevo era más alegre y variado. Al final surgió un método abstracto en el que las líneas ondulantes se unían formando motivos intrincados. El surgimiento del batik como medio de diseño contemporáneo fue una de las aportaciones de los Países Bajos. El movimiento Jugendstil (estilo juvenil) alemán El Art Nouveau alemán tuvo fuertes influencias francesas y británicas. Tiene un interés por las letras medievales. En las páginas editoriales de la revista de Jugend aparecen ornamentos e ilustraciones. El arte aportaba una variedad rica a un formato mitad material visual, mitad texto. Se utilizaban letras sencillas palo seco en colores pálidos y contenidos y las imágenes se forman con planos contratantes de colores cálidos y fríos. La ornamentación a gran escala iba desde los diseños abstractos de Peter Behrens, hasta diseños florales estilizados. Junto con Otto Eckman (1865-1902) (foto de la derecha), se hizo conocido por sus grandes grabados multicolores inspirados en Art Nouveau francés y la estampa japonesa. Trabajo como asesor y diseñador en la AEG. Diseñó una tipografía propia qué combinaba la medieval con la romana. Libro Cap 12: La génesis del diseño del siglo xx En disciplinas como arquitectura, moda, diseño gráfico y diseños de productos, se buscan nuevas formas de expresión y los avances tecnológicos e industriales alimentaron esas inquietudes. Frank Lloyd Wright y la Escuela de Glasgow Rechaza el historicismo y prefiere la filosofía de ‘arquitectura orgánica’ donde la realidad del edificio se veía en los espacios interiores, donde se vivía y trabajaba. Para él el espacio era la esencia del diseño, hacía muchas repeticiones de zonas rectangulares y uso de una organización espacial asimétrica. Al comenzar el siglo se encontraba a la vanguardia del movimiento moderno emergente. Así surge este movimiento qué se opone a la línea principal del Art Noveau. La escuela de Glasgow, principios de la década de 1890, conformada por Charles Rennie Mackintosh, J. Herbert McNair, Margares y Frances Mcdonald. Ellos desarrollaron un estilo único de originalidad lírica y complejidad simbólica. Innovaron en un estilo geométrico de composición, suavizando elementos florales y curvilíneos con una sólida estructura rectilínea. 16 Las hermanas eran muy religiosas y tenían ideas simbolistas y místicas, esto en confluencia con la confluencia arquitectónica, dio origen a un estilo trascendental descrito de diversas maneras: femenino, una fantasía de cuento de hadas, y un desasosiego melancólico. Se caracterizaban por sus imágenes simbólicas y su forma estilizada, con líneas enérgicas y sencillas definen planos de color homogéneo Mackintosh en el cartel para The Scottish Musical (imagen a la derecha) realizó en Escocia la primera interpretación abstracta de la figura humana. Se caracteriza por línea verticales ascendentes, con curvas suaves en los extremos, además utiliza formas altas y delgadas y el contrapunto de los ángulos rectos frente a óvalos, círculos o arcos. La secesión vienesa o Sezessionstill (1987) Surge a causas de la renuncia de miembros de la Kunstlerhaus (asoc. vienesa de artistas creativos) debido a qué se impedía la participación de artistas extranjeros en las exposiciones, pero la esencia del conflicto era el choque entre la tradición y las nuevas ideas procedentes de Francia, Inglaterra y Alemania. El guía de la revuelta fue Gustav Klimt, y algunos miembros importantes fueron los arquitectos Joseph Olbrich, Josef Hoffmann y el ilustrador, diseñador Koloman Moser. Este movimiento se convirtió en oposición del Art Noveau. Los carteles para la exposición de la secesión demuestran la rápida evolución del grupo desde el estilo alegórico ilustrativo de la pintura simbolista, pasando por un estilo floral de la inspiración francesa, hasta la forma madura del sezessionstill, qué se inspiró en la escuela de Glasgow. Durante un periodo breve Viena fue el centro de innovación creativa del Art Noveau, representado por la Ver sacrum de la Secesión vienesa que se publicó desde 1898 hasta 1903. Esta permitió un desarrollo de diseño gráfico innovador mientras exploraban la fusión de texto, la ilustración y los adornos en una unidad viva. Las tapas a menudo combinaban letras manuscritas con dibujos de línea vigorosos, impresos en color sobre un fondo de color. Se usaban los elementos decorativos, los marcos ornamentales, las cabeceras y las piezas decorativas finales. Gracias al uso qué hace la Ver Sacrum del espacio en blanco en la composición, de material para imprimir liso y brillante y de métodos de producción poco habituales, alcanzó una elegancia visual original. Moser desempeñó un papel destacado en la definición de un enfoque del diseño gráfico. Su cartel del Calendario de Fromme combinaba símbolos místicos con un espacio simplificado en dos dimensiones. Del trascendentalismo de la Escuela de Glasgow se pasó́ a la fascinación por la geometría. Cuando los artistas de la Secesión vienesa rechazaron el estilo floral francés, se volvieron hacia las formas planas y una mayor sencillez. Se caracterizó por motivos geométricos y la construcción de diseños modulares. El lenguaje de diseño que surgió́ entonces utilizaba cuadrados, rectángulos y círculos de forma repetida y combinada. La decoración y la aplicación de ornamentos, dependía del uso de elementos similares en secuencias paralelas, no rítmicas. Esta geometría era sutilmente natural. Alfred Roller introdujo innovaciones importantes en el diseño gráfico con un control magistral de líneas, tonos y formas complejas. Fue diseñador y pintor de escenografía, aunque su trabajo más importante fue como diseñador e ilustrador para la Ver Sacrum y los carteles de la Secesión. Su cartel para la décimo cuarta edición de la secesión (foto de la derecha), anticipa el cubismo y el Art deco. También anticipó avances posteriores con sus imágenes simbólicas reduccionistas de contornos opuestos y rasgos geométricos sencillos. Peter Behrens y la Nueva Objetividad Beherens buscaba una reforma tipográfica, fue unos de los primeros defensores de la tipografía palo seco y empleó un sistema de retículas para estructurar el espacio en sus composiciones de diseño. Fue llamado el primer diseñador industrial por sus diseños para productos manufacturados. Su trabajo para la AEG, se considera el primer programa global de identificación visual. En la década de 1890 adoptó el movimiento Jugendstil alemán, donde se estableció una colonia 6 Antes de la revolución, alcanzó la abstracción total hasta lograr obras completamente sintéticas como lo fue “cuadrado negro sobre fondo blanco” una referencia innegable de las vanguardias artísticas. Con este hito pictórico se puede decir que nace el suprematismo con el foco puesto en la exuberancia de la nada y la representación del mundo a través de las formas geométricas. Las principales características del suprematismo promovido por Kazimir fueron las siguientes: ● Este tipo de pintura se desvinculó de la naturaleza y le dio origen a una realidad totalmente original. ● El mundo exterior no era útil para el artista. ● La sensibilidad plástica tenía supremacía antes que todo fin materialista, práctico, social o descriptivo. ● En este arte con abstracción de formas se utilizaban triángulos, cuadrados, cruces y círculos. ● Sus formas eran puras y absolutas con armonías sencillas. ● Se utilizaban colores planos que fueran contrastantes, principalmente, los colores primarios y algunas gamas intermedias, blanco y negro., ● La gama de colores era bastante reducida y, principalmente, se utilizaban el color rojo, negro, azul, blanco y verde. ● Los fondos neutros eran predominantes, generalmente, el blanco. ● Las pinturas proporcionaban una sensación de movimiento y velocidad. La mirada de Malevich se volvió impopular para el poder ruso en la década de 1920 y fue necesario que adoptara un perfil bajo durante varios años. El régimen de Stalin no valoraba la obra de Malevich. Fue criticado e incluso sus obras fueron confiscadas, destruidas y etiquetadas de antisoviéticas. El realismo social era el movimiento artístico preferido de Stalin, por lo cual no había lugar para expresiones como las de Kazimir. Durante los últimos años de su vida, Malevich continuó su producción cuestionándose el estilo de sus obras marcando una clara distancia con el realismo soviético. El trabajo del artista reflejó los tiempos cambiantes que le tocó atravesar a lo largo de su trayectoria. Además de la abstracción, produjo obras con escenas de campesinos y de género, retratos familiares y de amigos hasta sus últimos días. En 1935, murió de cáncer, sus restos fueron enterrados en su casa de Nemchinovka. Esta obra de Malevich se llama Mujer con rastrillo. LIBRO CAP 13 - La influencia del arte moderno Las dos primeras décadas del siglo xx fueron un periodo de fragmente y cambio qué alteró radicalmente todos los aspectos de la condición humana. la vida social, política, cultural y económica sufrió una gran perturbación. En Europa, las monarquías fueron sustituidas por la democracia, el socialismo y el comunismo. La tecnología y los avances científicos transformaron el comercio y la industria. El transporte sufrió un cambio radical con la llegada del automóvil (1885) y el avión (1903). El cine (1896) y la radio (1895) pronosticaron una nueva era de las comunicaciones humanas. A partir de 1908, con la revolución turca que restauró el gobierno constitucional y la declaración de independencia de Bulgaria, los pueblos colonizados y sojuzgados comenzaron a despertar y a exigir la independencia. La matanza qué tuvo lugar durante la primera de las dos guerras mundiales, librada con las armas destructivas que brindaba la tecnología, sacudió las tradiciones y las instituciones de la civilización ocidental hasta sus cimientos. El arte visual y el diseño experimentaron una serie de revoluciones creativas qué cuestionaron los valores establecidos y las maneras de organizar el espacio, así como también el papel del arte y el diseño de la sociedad. La representación de la apariencia externa no satisfacía las necesidades ni el punto de vista de la nueva vanguardia europea. Muchos artistas se dedicaron a estudiar las ideas fundamentales con respecto al color y a la forma, la protesta social y la expresión de las teorías freudianas y los estados 7 emocionales profundos del ser humano. alguno de estos movimientos modernos, como el fauvismo apenas afectaron el diseño gráfico, en cambio otros como el cubismo y el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, el De Stijl, el suprematismo, el constructivismo y el expresionismo, ejercieron una influencia directa en el lenguaje gráfico de la forma y la comunicación visual de este siglo. La evolución del diseño gráfico del siglo xx guarda una relación estrecha con la pintura , la poesía y la arquitectura moderna. El cubismo El cubismo inició una nueva tradición artística y una nueva manera de mirar qué puso en tela de juicio los cuatrocientos años de tradición renacentista del arte pictórico. En la génesis de este movimiento encontramos una serie de obras del pintor español Pablo Picasso (1881 - 1973), qué aplicaban a la figura humana elementos del arte de los antiguos iberos y las tribus africanas. Los planos geométricos muy bien definidos de las esculturas, las máscaras y las telas africanas fueron una revelación qué entusiasmó a Picasso y a sus amigos. Otra influencia importante fue el pintor Paul Cézanne, qué observó qué el pintor debía “tratar la naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cono”. Los dibujos de estos artistas demuestran las emociones humanas. Las figuras se abstraen en planos geométricos y se rompen las normas clásicas de la figura humana. Las ilusiones espaciales de perspectiva ceden paso a un cambio ambiguo de planos en dos dimensiones. Estos artistas desarrollaron el cubismo como un movimiento artístico qué en lugar de mostrar apariencias, presentaba las posibilidades infinitas de la forma inventada. Su obra recibió el nombre de “cubismo analítico”. Construyeron una pintura compuesta por planos geométricos rítmicos. La cautivadora fascinación del cubismo analítico nace de la tensión no resuelta del atractivo sensual e intelectual de la estructura pictórica en conflicto con el desafío de interpretar el tema. Picasso y Braque introdujeron en su obra elementos del collage de papel. El collage permite una composición libre, independiente del tema y manifiesta la realidad de la pintura como un objeto bidimensional. La textura de los elementos del collage podía significar objetos. En 1913, el cubismo se transformó en cubismo sintético. Inventaron formas qué eran símbolos, más qué representaciones del tema. En lugar de su apariencia externa representaban la esencia de un objeto y sus características básicas. Artista: Juan Gris. Las percepciones de los colores, las formas, los carteles y la arquitectura del entorno urbano se reúnen en una composición de planos de colores brillantes. Fernand Leger, quien alejó este movimiento de los impulsos iniciales de sus fundadores, gracias a los colores planos de color uniforma, sus motivos urbanos y la precision perfectamente delimitada de sus formas mecania contribuyeron a definir la sensibilidad del diseño moderno despues de la primera guerra mundal. El futurismo Comenzó cuando el poeta italiano Filippo Marinetti publicó su Manifiesto del Futurismo en el periodico parisiense Le Figaro. Las palabras instantes de Marinetti definen el futurismo como un movimiento revolucionario en el cual todas las artes pondrían a prueba sus ideales y sus formas frente a las nuevas realidades de la sociedad científica y la industria. Marinetti y sus seguidores crearon una poesía explosiva y con gran carga emocional qué desafiaba las sintaxis y la gramática correcta. Hacía un llamamiento a una revolución tipográfica contra la tradición clásica. Se rechazaba la armonía como cualidad de diseño, porque contradecía “los saltos y los estallidos de estilo qué recorren la página”. 8 El ruido y la velocidad, dos condiciones predominantes en la vida del siglo xx, se expresaban en la poesía futurista. El futurismo llegó a ser una influencia importante en otros movimientos artísticos y sus tácticas violentas y revolucionarias fueron adoptadas por los dadaístas, los constructivistas y los De Stijl. El dadaismo Como reacción contra la carnicería de la primera guerra mundial, el dadaísmo pretende ser un movimiento antiarte y contenía un poderoso elemento negativo y destructivo. A los escritores y artistas dadaístas les interesaba el escándalo, la protesta y el disparate. Se revelaron contra los horrores de la guerra mundial, la decadencia de la sociedad europea, la superficialidad de la fe ciega en el progreso tecnológico y lo inadecuado de la religión y los códigos morales convencionales en un continente convulso, rechazando toda tradición, pretendían la libertad absoluta. Los actos artísticos se volvieron una cuestión de decisión y selección individual. Esta filosofía de libertad absoluta permitió a Duchamp crear esculturas “ready-made” y exponer objetos encontrados como obras de arte. Según los dadaístas, ellos fueron los inventores del fotomontaje, una técnica qué consiste en manipular las imágenes fotográficas previas para crear yuxtaposiciones discordantes y asociaciones casuales. El surrealismo Con sus raíces en el dadaísmo y un grupo de jóvenes escritores y poetas franceses, el surrealismo entró en escena en París en 1924 buscando “el mundo más real qué el real qué hay detrás del real”, el mundo de la intuición, de los sueños y el inconsciente explorado por Freud. El poeta Andres Breton, el fundador del surrealismo, infundió a la palabra toda la magia de los sueños, el espíritu de la rebelión y los misterios del subconsciente en su Manifiesto. El surrealismo no era un estilo ni una cuestión estética, sino una manera de pensar y de conocer, una forma de sentir y un estilo de vida. Profesaba una fe poética en el hombre y en su espíritu. Los historiadores del arte francés han llamado “naturalistas de lo imaginario” a los pintores surrealistas figurativos. El espacio, el color, la perspectiva y las figuras se representan como un naturalismo cuidadoso, pero la imagen es un paisaje de ensueño irreal. El impacto del surrealismo sobre el diseño gráfico ha variado. Promovió técnicas nuevas y demostró qué la fantasía y la intuición se podían expresar en términos visuales. El expresionismo En el arte de principios del siglo xx, la tendencia a representar las emociones subjetivas y las reacciones personales ante las cuestiones y los acontecimientos se llamó “expresionismo” y surgió como un movimiento organizado en Alemania antes de la primera guerra mundial. El color, el dibujo y la proporción a menudo se exagera ban o se distorsionaban y se daba mucha importancia al contenido simbolico, la linea y el color solian ser marcados y se intensificaban los contrastes de color y valor. Se lograban propiedades táctiles mediante la pintura espesa, las pinceladas amplias y los dibujos de contornos bien definidos.