historiografia, Apuntes de Historia del Arte

¡Descarga historiografia y más Apuntes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity! 25/09/2012. “El tema 1 de teoría, empieza en el 5 del temario”. Del 1 al 4, Practicas PowerPoint. TEMA 5. Los inicios de la historiografía. Los modelos biográficos. INTRODUCCION: EL NACIMIENTO DE LA HISTORIOGRAFIA EN EL RENACIMIENTO. I. FLORENCIA: EL AMBIENTE CULTURAL EN LA CUNA DE LA HISTORIOGRAFIA. II. FLILIPPO VILLANI (1325- 1405) III. LORENZO GHIBERTI (1378 - 1455). INTRODUCCION. El ambiente cultural en la cuna de la historiografía (en Florencia). En Florencia nace una forma de hacer historia del arte. Esos intentos que se parecían a la historiografía pero que todavía no eran tal lo veremos en el tema 4. La historiografía nace en Italia, en Florencia, y para ello se han tenido que dar una serie de factores. El primero de estos factores será el empezar a tener conciencia de lo artístico (nueva conciencia artística). Asta estos momentos el arte fue cualquier cosa creada por los humanos, es decir todo aquello que era capaz de realizar con sus propias manos. Si un concepto artístico cambia, por consiguiente cambiaran todos los demás conceptos. Va a cambiar la función que se le va a dar al arte. Asta este entonces, el arte era aquello que el hombre produce con sus propias manos siguiendo una técnica. Lo que ocurre en Italia es que asta ahora se dan dos agrupaciones distintas, que son los intelectuales y los manuales, que son dos tipos de prácticas distintas. En este periodo ya se dan cuenta donde hay momentos en donde prima lo manual y otros en donde prima lo intelectual. En el renacimiento ya será cuando lleguen a la conclusión de que son dos prácticas distintas. En los momentos en los que surge la historiografía es cuando se pone de manifiesto que los conocimientos, es decir, el intelecto, vale su precio, y que nosotros pagamos por los conocimientos que otros tienen y que por ello son capaces de crear algo. Así, en esta época lo que prima es el intelecto, y lo que mas valor tiene por ello son los conocimientos. Una de las cosas que mas van a afectar al cambio, es que el artista no acepta imposiciones de ningún tipo, salvo que sean artísticas. Así en esta etapa renacentista una de las cosas mas importantes es que acaba de descubrirse que el artista no debe de hacer caso a ninguna de las imposiciones que se le puedan poner por parte del que encargue la obra. Entonces lo que los artistas hacían es hacerle creer a la otra persona que esta equivocada y que lo que él quiere no puede ser. Los artistas justifican sus ideas, basándose en las normas artísticas, estas normas artísticas las encontramos escritas. Y todas estas normas provienen del pasado, es decir, que los artistas en esta época recurren al arte del pasado. Y con todo esto se da pie a una nueva disciplina, que seria la historia del arte. Es decir, que cualquier norma vigente ahora tiene que venir regida por la historia del arte del pasado. Aquí en el renacimiento para buscar las normas artísticas acuden al siglo clásico de la antigüedad, puesto que hay un paréntesis de no arte en la edad medieval. Y las normas del arte clásico proceden de dos casos distintos, por un lado la obra de arte clásica, a través de la obra del pasado en si. Pero por otro lado también a través del estudio de los documentos escritos, porque en los textos antiguos se utilizaba el arte para introducir otro concepto en el discurso y se ponían ejemplos relacionados con el arte. En Florencia nos encontramos ya en el renacimiento con un artista que ya esta concebido como alguien especial. La historiografía nace en Florencia por muchos motivos, ero lo principal es que se dan las condiciones sociales, artísticas, intelectuales y económicas que no se dan en ninguna otra ciudad. Es un periodo en el que el príncipe y gobernador tiene que demostrar que un buen defensor del pueblo y además “parecer” ser inteligente. Y de esta situación los artistas sacan buena parte de provecho. Entonces los artistas exigían que se le apoyase y que fuesen reconocidos como grandes artistas y no solo como artesanos, y ellos a cambio en sus obras harían una gran propaganda para la figura de los príncipes en sus obras, muestras de exaltación para que la gente piense que es mejor gobernante. Por esta misma cuestión, los artistas realizan sus obras con el fin de ser algo bueno y para el bien de toda la ciudad. Aquí nace un nuevo concepto de artista profesional. Estos artistas provienen de campos muy variados, aunque todos finalmente tienen el mismo cometido. Así lo importante y el cometido de los artistas es demostrar que ellos son artistas y que se les reconozca, mientras que lo que viene siendo exaltar la figura de los gobernantes a ellos les da igual. Estos artistas comienzan a reunirse, y discutían sobre arte y economía. Empiezan a reunirse en lo que se llama como: Camerata. “eso es lo que hoy día se haría en las academias”. 2/10/2012. Estos artistas exigían ascender en la escala social, y que esa consideración a la vez fuese unida a un reconocimiento económico. Y los artistas hacen algo parecido a los sindicatos, pero que es simplemente reunión de artistas, reuniones en las que cabían músicos, pintores, escritores, grabadores, etc. Todos tienen en común que se dedican a la práctica del arte y que necesitan unas mismas condiciones. De estas reuniones de artistas va a salir una definición concreta de arte, y las diferencias de los distintos conceptos de arte. Estas reuniones se denominaban “PARANGONES”, aquí es donde hacían las comparaciones de los distintos conceptos. En estas reuniones había una especie de secretario que iba tomando las opiniones de todos los artistas. Entonces en estos escritos se habla precisamente de arte. Y aquí ha nacido ya la teoría del arte, y la teoría de arte son discusión de conceptos que son fijados por escrito y que por ello se pueden discutir con conocimiento de causa “son como las pruebas”. Estos artistas al decir en que consiste su arte, están teorizando. A partir de estas teorías se van a establecer unos principios o normas, perfectamente asentados. Estos principios se entienden casi como reglas o normas. El conocimiento resultante de los No solamente desliza este tema, sino que también inicia algo que también va a ser importante y es que cuando habla de estos temas suele dar su opinión personal, y a partir de ahora además de estar haciendo historia del arte esta haciendo una critica. Y para esto se necesita un criterio. Y este criterio será el del mismo individuo que puede ser o no compartido con otras personas. Entonces más que la critica lo que Ghiberti introduce aquí es que podemos construir un criterio por el que guiarse. El segundo comentario va de los artistas de la ciudad y de la época más o menos inmediata (presente). Lo que hace aquí es mostrarse como un autentico critico. Entonces aquí lo que hace fundamentalmente es criticar, porque previamente posee un criterio. De acuerdo a ese criterio él va a seleccionar los mejores pintores del siglo XIV, y además incluye dos escultores: uno de los escultores esta claro que va a ser el mismo. Además un detalle importante es que no solamente habla de Florencia sino que incluye a Roma y Siena. Con esto implícitamente esta reconociendo que el arte no es solamente un fenómeno florentino sino que es mas general. Independientemente de que el arte sea mas general este dirá que como en Florencia no habrá tan buen arte que en ningún otro sitio. También cabe añadir que en este segundo comentario vemos una gran idea, es que: el piensa que el arte tiene mucha relación con el modo de ser de la persona que lo crea. Y con esto Ghiberti quiere decirnos que no todas las personas son iguales. Este tenía un criterio, y es que todo aquello que se parezca a giotto es lo mejor. Entonces si giotto es el maestro los que vienen detrás lo que hacen es seguirlo e imitarlo, pero como no lo podrían seguir al pie de la letra, Ghiberti deja caer que hay algunos artistas que han sido capaces de captar algunos rasgos de giotto pero que nunca lo podrán copiar tal cual con la misma maestría. El tercer comentario tiene que ver con las técnicas y conocimientos del arte. Es decir, de la situación y estado del arte. Utiliza textos que proceden incluso de la edad media como: Tolomeo, Alhacen y Bitelo; son textos de naturaleza científica y con estos textos, lo que pretende es demostrar que el arte tiene una base científica y que por ello no puede estar al alcance de todo el mundo. En este texto introduce una teoría (que no esta completa) a cerca de las proporciones, y con esto lo que esta haciendo es aprovechar para contarnos primero cuales han sido los distintos Cánones a lo largo de la historia del arte, como por ejemplo el canon de Varron, y también para contarnos como se debe de construir la figura humana sobre la cuadricula. Y como ya sabemos la base del arte es el dibujo. Hay también otros autores que hicieron libros como: Billi, Adriani, Michiel, Manetti o el anónimo de Magliabechiano. A. GIORGIO VASARI (1511 - 1574) Y SU VITE DEI PITTORI, SCULTORI E ARCHITETTI. I. EL CONCEPTO DE “HISTORIA” EN VASARI 1. Vasari ante la historia y la historia del arte. 2. La biografía como método: la critica de estilo. 3. La historia como arte orgánico: las vite. II. VASARI ENTRE LA Estética y la Crítica: conceptos teóricos. 1. Imitatio. 2. Disegno. 3. Regola e Grazia (mejor combinación posible de las reglas existentes). 4. Maniera. EL CONCEPTO DE HISTORIA EN VASARI. 1. Vasari ante la historia y la historia del arte. Vasari va a ser el primer historiográfico, es decir, el primer personaje que se encarga en hacer historia del arte y en decirnos como se ha de estudiar historia del arte. Esta es la razón de que la obra de Vasari: “vida de los pintores, escultores y arquitectos”. Introduce como preámbulo de la historia un tratado de teoría del arte. Comienza la obra con un tratado de arte donde deja muy clara la siguiente idea: el arte depende de la vida de los artistas. Vasari es un pintor manierista, se trata de alguien que hace pintura y que por tanto conoce el arte. El tratado de Vasari no tiene la finura del Alberti para definir los conceptos. Aunque Vasari si que tiene el deseo de acudir a las fuentes, es decir, procura no inventarse nada. Le interesa acudir a las fuentes para dar veracidad y para poder demostrar que esa idea de que él tiene que el arte depende del modo en que ha vivido un artista se sustenta. Aunque en algunas ocasiones recoge ciertas habladurías. Vasari como historiador es un historiador complejo, puesto que se comporta como un historiador contemporáneo, el intenta ser objetivo, y para ello analiza como es el tiempo y el lugar, pero lo analiza de un modo aséptico. Este relaciona a los artistas entre si, e incluso avanza en la existencia de pequeños grupos diferentes. Que en un principio los va a llamar grupos, pero en realidad esta sentando las bases de las escuelas. Agrupa a los artistas en función de lo que tienen en común. Y además tiene algo más que un historiador moderno suele hacer: analiza el problema y busca los antecedentes y en cierta medida nos dice hacia donde condujo ese arte. Por otro lado, en algunas ocasiones mantiene una postura demasiado comprometida, es decir subjetiva, puesto que se implica mucho. Vasari lo que va hacer es seleccionar artistas, y para seleccionarlo necesita un criterio. Y lo primero es dejar claro el criterio que va ha utilizar, y a este criterio que Vasari usa le va a llamar: “perfecta regla del arte”. Que es el modo de hacer arte que tiene miguel ángel. Entonces, Vasari, personifica la perfecta regla del arte en Miguel Ángel. Vasari esta intentando buscar la manera de darnos a conocer los conocimientos de arte desde la antigüedad, recuperarlos. Recuperar todo ese conocimiento de arte que había quedado en el pasado a causa del periodo de la edad media (“que no había existido nada de valor artístico”). Nos ofrece un método de como recuperarlos, el método esta basado en la observación directa de la naturaleza, lo que nosotros vamos a llamar método orgánico. Vasari se da cuenta de3 que todo lo orgánico de la naturaleza tiene un comportamiento absolutamente similar. La idea que le sirve como base a este estudio es que todo nace, crece, se reproduce y después muere. Este será el método que nosotros vamos a llamar método biográfico. Así el arte tendrá el mismo proceso: gestación, desarrollo y desaparición. Aunque el arte siempre tendrá una causa muy anterior. Todo este conocimiento e ideas es necesario ponerlas por escrito, entonces Vasari lo que hace es la forma mas adecuada de que el conocimiento nos llegue mediante la literatura. En estos escritos nos damos cuenta de que él pone el acento del mundo artístico por supuesto en los artistas y más que en el artista en un aspecto de éste que es su personalidad, por tanto tenemos que tener en cuenta la experiencia del artista. Vasari trata de la vida de los artistas porque entiende que esta experiencia es la que ha hecho al artista así. La personalidad del artista tiene mucho que ver con la forma de hacer arte según Vasari porque determinadas formas estilísticas se deben directamente al modo de ser de los artistas. Lo que venia a decir Vasari es que los estilos son invenciones de alguien, y que como gustan (tiene éxito) a los demás pueden ser copiados. Si no tiene éxito simplemente se olvida. En función de esto, Vasari lo que hace es explicar la historia del arte (desde la antigüedad) como si se tratase de la vida de una persona. Esa idea para Vasari existe tres momentos en la historia del arte: En primer lugar: la gloriosa antigüedad: Grecia y Roma. En segundo lugar: la decadencia de la edad media: que no hay nada. Y en tercer lugar: seria lo que nosotros llamamos renacimiento; incluso Vasari utiliza el concepto de renacimiento. Pero él va mas allá, Vasari pertenece al manierismo y le queda muy cerca el renacimiento, y que eso que se llama renacimiento no es una unidad homogénea, y que habría dentro de este tres momentos diferentes: lo que se llaman Primeras luces, en lo que el arte comienza a recuperarse y a encaminarse hacia la perfección; y que justo en el momento en que se alcanza la perfección hay un momento de decadencia. Y esto es lo que nosotros llamamos concepción orgánica del estilo: que crece, decae, vuelve a crecer y vuelve a decaer. Vasari se fija en aquellas fases que a él le interesan. Y concretamente le interesa explicar el arte del renacimiento. Le interesa el renacimiento porque este esplendor renacentista se debe a los artistas del renacimiento y concretamente de Florencia, y así exalta su fama. Todo esto que el piensa necesitaba ponerlo por escrito, colocando todas estas ideas, aunque su obra no alcanza la perfección técnica que si tenia la de Alberti. Una de las ideas principales que se podrían criticar en Vasari es el concepto que él tiene de arte y de artista, porque no se corresponde con la práctica. Otro detalle en su obra que salta a la vista es que para Vasari era más importante estudiar no la naturaleza sino el arte de la antigüedad. Para este es más importante estudiar las obras de arte del pasado, mientras que para los antiguos lo importante era estudiar la naturaleza. Puesto que Vasari pensaba que los griegos y los romanos ya habían acogido esa perfección de la naturaleza, entonces no tiene sentido estudiar la naturaleza igual que ellos por ello lo que hace es estudiar las obras de estos antiguos. “copias de copias” el arte no avanza sino que es algo limitado, y en caso de que avance será siempre siguiendo el modo de hacer arte de una persona en concreto (con sus aciertos y sus errores). En función de que voy a decidir quien son las mejores personas que hacen arte. Y para decidir quien son los mejores es necesario emplear un criterio, lo que nos lleva a que utiliza la “perfecta regla del arte”, que es lo que Vasari considera la perfección en el arte después de estudiar el arte y que por ser perfecto debe convertirse en el objetivo de todo artista. Así pues esta es la regla que nos indica lo que es perfecto en el arte. Con esta regla tenemos una reinterpretación de las reglas de la naturaleza. Esto significa que el criterio que va a utilizar Vasari para seleccionar a aquellos artistas que deben tener la fama en la ciudad, se va a basar en un criterio vasado en el ideal de perfección, y para Vasari lo representaría Miguel Ángel. La siguiente etapa son los vol. V y VI, coincide con el Cinquecento (la madurez) y es lo que para el representa la época perfecta. Los artistas que la representan son: Leonardo, Rafael, sansobino… ¡!cuidado con Rafael!!. Representan la perfección, y se les podría aplicar la perfecta regla del arte. Esta regla significa que tiene que compararlos con el más perfecto de todos: Miguel Ángel. El orden significa que las partes en relación con el todo tienen que ocupar el lugar que le corresponden. Por ello necesitamos un orden para la perfección. Y la medida, es algo diferente, no solamente implica una cifra, puesto que también estamos hablando de proporción, todas las medidas que intervienen en la obra tienen que estar relacionadas entre si en la proporción adecuada. Vasari detecto que algo había sucedido en el Miguel ángel mas maduro. Y que el miguel ángel este era mucho más perfecto, aunque empezó a cometer fallos, simplemente porque dejo algunas cosas más secundarias de lado, y entonces Vasari comprendió que cuando se alcanza la perfección siempre va a comenzar un periodo de decadencia. Y ojo con esto: él se da cuenta de que miguel ángel empieza a comentar esos fallos, y el problema es que los que no son miguel ángel van a copiar sus modelos y se van a equivocar. Es decir miguel ángel podría tener esos pequeños descuidos en su producción porque el si sabia que estaba mal porque era perfecto, pero los que lo copian cometerán esos errores, pensando que están copiando algo perfecto. Entonces Vasari comprende que el arte no termina en la fase de madurez, sino que hay se inicia un descenso a la espera de poder volver a iniciar otro proceso de recuperación. Con esto lo que hace es explicarnos como funcionaria la historia del arte: “que funciona como un sistema de cumbres y valles”. Vasari vive en esta fase de decadencia, y lo que el considera fase de decadencia es el sechento. Hablamos de la fase de senectud. Y para el esta fase significa que es una mala imitación de lo que se considera perfecto. En esta fase de decadencia lo que encontramos una burda imitación de lo que se cree que es perfecto. Puesto que consiste en un exceso de querer hacerlo todo perfecto. Es un arte en el que las formas son exageradas. Es una obra excesiva en lo que se refiere a la expresividad, es muy recargado. Este libro nos ofrece una versión de la historia del arte orgánica. Es lo más importante. CONCEPTOS ESTETICOS EN VASARI. • IMITATIO • DISEGNO • REGOLA • GRAZIA • MANIERA Un artista se caracteriza por la grandeza. Y Vasari le llama grandeza a: La grandeza de un artista se puede adquirir de dos formas: mediante el estudio de las obras de arte perfectas del pasado o imitación del arte del pasado, o bien mediante el estudio científico (conocimiento científico). O también estudiando la naturaleza, puesto que el arte del pasado ya tenía la perfección de la naturaleza. ¿Qué seria entonces la grandeza de un artista? Consiste en adquirir la destreza suficiente para plasmar esa perfección. Vasari de da mucha importancia al dibujo, lo que se llama en italiano diseño. Y de aquí precisamente, del dibujo, es de donde viene toda la teoría que nos va a explicar Vasari. Entonces Vasari tiene la idea de que el dibujo es la base de toda imagen, y que además el dibujo es una cosa mental, es decir, intelectual, por consiguiente el arte también será una práctica intelectual. Y si el arte es algo que depende del intelecto a su vez será algo que se entiende de manera subjetiva. Y aquí ay un problema porque no habría reglas y el método de casa uno no tendría validez universal. Y la solución que pone Vasari es la idea de que existe un proceso artístico con una serie de normas y reglas. Y el piensa que el que el arte sea intelectual no tiene que depender forzosamente de que sea subjetivo. Vasari habla de tres conceptos muy decisivos en el arte: • Regla: es la traducción de un conocimiento adquirido por experiencia directa con la naturaleza de un modo sencillo, directo y claro. Hay tantas reglas como necesitemos para traducir todo lo que conocemos. • La grazia: consiste en la adecuación mejor posible de entre todas las reglas utilizadas. “tomamos todas las reglas y hay que buscar la justa medida para encontrar la perfección”. Entonces la grazia dependería de la persona. • La maniera: es el concepto de estilo aunque esta palabra aparece más tarde (en el Barroco). Este concepto todavía no esta muy afinado. Vasari lo utiliza para referirse a cosas emparentadas entre si pero que son diferentes. Cuando habla de maniera se esta refiriendo al modo de hacer algo, pero un modo de hacer algo peculiar, que llama la atención. Lo hace para referirse a algo peculiar en un momento dado de la historia. También la utiliza para referirse al modo de hacer algo de un pueblo en concreto. EJ: maniera greca (pueblo griego), maniera gótica (pueblos godos). Y sobre todo lo utilizaba para referirse al modo de hacer las cosas que tenia una persona. Y la forma máxima de hacer el arte la llamaba la maniera grande. Incluso también hablaba de la maniera de Rafael o de miguel ángel, que eso seria la maniera de “al modo en que hace el arte miguel ángel. Rafael…” Cuando hablamos de maniera nos estamos refiriendo a una forma (modo) concreta de hacer las cosas. 10/10/2012 B- LA HISTORIOGRAFIA VASARIANA EN ITALIA. I. INTRODUCCION. 1. El ambiente cultural y la historiografía del Barroco en Italia. 2. Los historiógrafos menores. II. GIAN PIETRO BELLORI. Esta vinculado al nacimiento de la Academia, y además tiene una gran intuición de lo que esta sucediendo en el arte romano en este momento. Y lo registra en una biblia. III. MARCO BOSCHINI. Es muy interesante porque comienza a introducir y crear polémica en un tema, que es entre dibujo y color, es decir, que si la pintura en más dibujo o más color. En este punto ya hemos pasado el manierismo. Ahora vamos a ver es como se desarrolla el “método” en el Barroco. INTRODUCCION. 1. EL AMBIENTE CULTURAL Y LA HISTORIOGRAFIA DEL BARROCO EN ITALIA. 2. LOS HISTORIOGRAFOS MENORES. Son seguidores de Vasari. Y estos ya aceptan y utilizan el termino ESCUELA. PRINCIPALES CARACTERISTICAS DE LA EPOCA. • CRECE EL INTERES SOBRE EL ARTE. • APARICION DE NUEVOS TEMAS DE INTERES TEORICO-ARTISTICO. • CREACION DE NUEVOS TIPOS DE LITERATURA ARTISTICA. • APARICION DE NUEVAS PROFESIONES • INSTITUCIONALIZACION DE LA ACADEMIA. Hablamos de Roma. Roma se convierte en el centro del mundo cultural y de la vida artística en este momento. Puesto que es el único sitio de toda Europa en donde se están gastando mucho dinero para construir la ciudad. Y como se están construyendo gran cantidad de edificios también surgirá la gente que hace cosas para rellenar el espacio de estos edificios. Entonces ya vemos que hay necesidad de arte. Por esto acuden todos los artistas de Europa, puesto que existe la necesidad. Y lo más importante es que como los grandes maestros se van a encontrar en Roma, todos querrán ir a Roma para estudiar el arte. Y el arte que se hace en roma es la herencia de todo el renacimiento italiano, pero no hay que olvidar que todos estos artistas que van a aprender del arte romano son de fuera de roma. Entonces estos artistas aprenden algo único aquí en roma, y cuando vuelven a su ciudad natal llevaran un arte que han aprendido en Italia. Y por esta razón muchas veces llamamos al barroco “arte internacional”. Aunque en cada lugar en el que se desarrollo el barroco adopto un gusto propio. En este momento en roma ay un interés por el arte muy rico. Por varios elementos: • interesa el arte en el hecho de que se están reditando libros que proceden de la antigüedad (del arte antiguo –tratados-). Como por ejemplo de Vitrubio, del propio Vasari… • Comienza a copiarse no solamente en Italia sino en el resto de Europa el ambiente artístico. • En roma van a aparecer nuevos círculos artísticos romanos (como la camerata florentina), y son círculos de artistas que se reúnen a charlar de arte. Estos los encontramos en muchos otros países además de Italia. Esas reuniones nosotros lo llamamos literatura artística (cualquier escrito que haga alusión al arte lo consideramos así). Los grupos que se reúnen fuera de Italia, fuera de Roma, hablaran de los escritos que ya se han dejado por escritos en las reuniones que se han realizado en roma. Ese material escrito es lo que llamamos parangón. Por vez primera nos encontramos con que en toda Europa se están discutiendo los mismos temas e ideas. Esto contribuye a crear ese “lenguaje internacional”. arte. Así todo lo que fuese arte tenia que pasar por la academia y tener el visto bueno de la academia. Estos artistas, lo que saben hacer lo saben porque lo han aprendido en la academia. Aquí el peligro de la academia esta en que impide la creatividad del artista. Y esto se convierte en un problema. Para evitar este problema no hay más solución que formar también al público, para que este desee lo que la academia va a hacer. Lo que hacemos es poder de acuerdo al artista y al público. Y para “enseñar al publico” se hacia a través de la escuela, con los programas educativos. El mismo programa de formación del gusto del artista también se llevaba a las escuelas para formar el gusto de los espectadores. Todo esto tiene lugar a medio camino entre Roma y Paris. Lo que va a ser el arte de los países bajos, será casi una dictadura artística ejercida por la academia. ALGUNOS DE LOS HISTORIOGRAFOS MENORES: Giovanni baglione (1571 - 1644). Gio. B. Passeri. …. …. Estos historiadores poco a poco lo que van hacer es que el método se perfeccione. Uno de los primeros historiógrafos menores va a ser: Giovanni Baglione, este lo que va hacer es prácticamente lo mismo que Vasari, pero en roma. Es decir habla del arte en roma, y cuenta como es el mundo artístico. Baglione, no tiene el comportamiento histórico que tiene Vasari, puesto que baglione se fija mucho en las críticas y los comentarios. Pero es importante porque recoge la producción artística en todo este periodo de “papados (de Gregorio XIII a Urbano VIII)”. Otro de estos fue Gio. B. Passeri: este historiógrafo recoge todas las críticas. En este periodo hay disputa entre Borromini y Bernini, y Passeri estaba de parte de Bernini y todo lo que hacia éste era grandioso. Lione Pascoli, tiene conciencia de ser historiógrafo (la persona que estudia los diferentes métodos que se han utilizado para hacer historia del arte), y como tal lo que hace es recuperar todos lo escritos de la antigüedad de roma que hablan sobre historia de arte. Este realmente es artista, no historiador. Otro es Giulio Mancini, quien intuye que el arte de una misma época es diferente dependiendo de la región. Cada región tiene su propia configuración del gusto y este hombre se da cuenta de que el arte que se hace en este momento es el arte barroco, pero que dentro del barroco hay muchas formas de hacer barroco. Entonces dentro de Italia distingue tres escuelas, que serian: Roma que esta representada por la obra de Rafael; el Venetto que esta representado por Tiziano; y Milán que esta representado por Corregido. Las tres escuelas hacen barroco, pero cada una de una forma diferente. Aquí se esta marcando que hay gustos diferentes. Otro es Francesco Scannelli, dice que no solo están esas tres escuelas, sino que habría una más que es la de Bolonia. Scaramuccia, afirma que hay cuatro escuelas, que afirma un concepto mas y es que la obra del artista depende directamente de la personalidad, con esto quiere referirse, a que hay personalidades que configuran el gusto de una zona. 22/10/2012 A partir de aquí comienzan nuevas orientaciones, y una de estas orientaciones le prestara atención al ser humano como tal, como individuo. DILIGENCIA: es una actitud del artista ante su obra. Filippo Baldinucci. Este historiográfico no nos va hablar de escuela ni nos va hacer un caetalogo sobre el arte de Florencia. Lo que va hacer es una crónica en la que recoge lo que a pasado en cada una de estas décadas. Esta crónica se deja llevar por informaciones que no son del todo correctas. Este autor tiene la característica de que su obra va a marcar un estilo, un arte. es un artista que unifica todo lo necesario para hablar de arte. es un gran dibujante, es un gran escultor y tiene una gran idea acerca de la perspectiva y el espacio. • Los historiógrafos menores con mayor o menor fortuna van perfeccionando el método. Introducen concretamente dos conceptos: el de escuela y el de profesionalidad artística. GIAN PIETRO BELLORI: (roma 1613 – roma, 1696). • Vite de´pittori, escultori et architetti moderni (1672). Este era abad y en su momento fue el presidente de la academia de Roma, con todo lo que eso implica (normas, copia de lo antiguo…). Bellori era ante todo un anticuario o un erudito, ya que el papa le concedio ese titulo: el de anticuario de roma. El trabajo de bellori consistía en proteger y clasificar las obras de arte que pertenecían a la colección papal (cuidarlas, clasificarlas…), además de esta labor de anticuario fue también bibliotecario de la reina Cristina de Suecia. Con esto vemos que se trata de una persona con una cultura muy elevada. Como fruto de estos trabajos, el va a escribir ciertos libros donde cataloga las antigüedades romanas que el cuida (las describe). Bellori también intento ser pintor, de hecho de este deseo le queda como resultado una gran amistad con otros artistas y la mayoría de estos amigos son extranjeros. Son artistas como: François Duquesnoy, también Nicolas Poussin, y este va a ser con el que tenga la amistad mas interesante, puesto que a partir de esta amistad van a surigir una serie de ideas que se trataran en la academia de roma y Florencia. Se trata de una persona que conoce perfectamente el arte puesto que el mismo abia querido ser artista. ANALISIS DE SU OBRA. Aparece en 1672. Intenta imitar la obra que había echo Vasari. Bellori ordena su libro de una forma distinta: selecciona doce artistas diferentes, entre estos ay pintores, escultores, cada artista representa un modo distinto de hacer arte (cada uno es un ejemplo distinto de arte). El hace critica (es un buen critico). Para hacer esa critica se va a basar siempre en los datos mas veraces, correctos. Siempre hara la critica acudiendo a las fuentes primeras, sin dejarse influenciar por comentarios. En su obra nos vamos a dar cuenta de que bellori descalifica prácticamente todo el arte de su época. Siempre pondrá como referencia al arte de roma. Como buen critico cuando critica da argumento. En el arte de su época (barroco), ese arte que a el no le gusta, tiene dos tendencias: por un lado, el naturalismo,que estaría representado por Caravagio, y la otra tendencia seria el manierismo que estaría representado por Cavaliere dÁrpino. Ninguna de las dos tendecias le gusta. El naturalismo no le gusta porque dice que no tiene normas estéticas definidas, pero sobre todo no le gusta porque entiende que se trata de una forma demasiado fácil de captar la atención del publico. Los recursos son la cercanía al espectador mediante la escena, puesto que los personajes asemejan directamente al espectador y sobre todo que nos llama la atención el contraste de luces y sombras y colores. Estos recursos apelan al sentimiento. Y bellori piensa que el arte no debe de apelar al sentimiento sino a la razón. Por otro lado, también rechaza el manierismo, y por qué lo hace: poque cuando el va a ver un cuadro le gusta ver algo original y no algo marierista, puesto que esto es una copia de lo que alguien había hecho ya antes. No el gusta el manierismo porque induce a obras de baja calidad (aprendemos de copia de otros artistas, y a la vez que copiamos los aciertos copiamos los errores). Entonces este hombre dice: que tiene que ser un arte que apele a la razón e inspirado en la naturaleza (no ser un arte bastardo). Aun asi bellori salvaba a unos artistas que si le gustaban, y que es la obra que representa su concepto de arte; son los hermanos Agostino Carracci. Los carracci han conseguido unificar la energía propia de miguel angel, el concepto de proporción de armonía de Rafael, también an conseguido aunar el sentido del movimiento, de la luz y de la sobra propio de Tizziano y la escuela de Venecia y además el estilo aristocrático de Corregio. Y he aquí la innovación de bellori: esto no seria manierismo, porque lo que hace es coger lo mejor de cada artista y aunar todas esas características tan diferentes. En esta obra bellori esta creando su propio criterio, es su propio método. Y lo importante es que es algo innovador. A esto que hace bellori se le llama eclecticismo. “PRINCIPALES ERRORES DE LA CRITICA DE BELLORI” • No se da cuenta, porque esta tan prendado con los carracci, que el gusto de la época va precisamente por el naturalismo, y no ve los logros que ya hay en las obras de Caravaggio. No lo sabe ver porque parte para construir su criterio de una postura elitista respecto al arte, esto consiste: considera que no todo el mundo esta preparado para el arte, y que solo están preparados los que han recibido una formación artística, esto significa que de entrada el pueblo llano no esta capacitado para el arte, y por esta razón lo propio del pueblo llano tampoco tiene cabida dentro del arte. es decir los temas de la pintura siempre van a ser temas mas intelectuales. En este momento los destinatarios del arte son el pueblo, y si el pueblo no esta preparado para este arte ya tenemos un problema. Y en esto vemos el fallo de bellori. Si hay una cosa en su obra que se debe resaltar: es el primero que utilice el concepto de escuela tal y como nosotros lo conocemos. Para bellori el arte tiene como base el dibujo y no el color. D. EL CLASICISMO FRANCES: •.I. LOS TEORICOS DE LA REGLA. •.II.ANDRÉ FELIVIEN DES AVAUX (): “”. •.III.ROGER DE PILES: •.IV.CHARLES PERRAUT (): POUSSIN Y LE BRUN: TEORIA DE LA REGLA. El tema de la pintura debe ser la acción del hombre y luego la de los animales. Por acción dee entenderse sobre todo “expresion” de las pasiones del alma a través de los movimientos del cuerpo, y a ella debe ceñirse la forma, que además debe sujetarse a la composición geométrica del espacio, haciendo gala de una gran severidad de principios. CHARLES LE BRUN: Todas esas ideas que se están repitiendo en la academia, que se ponen por escrito. Todas estas comienzan a ser puestas por escrito por un personaje que es precisamente Charles Le Brun. Pretende hacer un programa de estudio, el cual tiene dos partes. Por un lado un programa teorico, donde lo que pretende es fijar el concepto filosófico de arte ¿Qué es el arte?, y por otro lado también tiene una parte practica, la cual consiste en la enseñanza de: por un lado las técnicas necesarias para la expresión artística, pero por otro se trata también de formar al artista dándole una cultura (conocimientos de economía, religión, música, etc.). Dentro de la discusión teorica, de los temas que se van a tratar para hablar de arte, Brun introduce la idea de si el artista nace o se hace. Según Charles brun el arte se puede enseñar a través de las técnicas y de las normas. Pero para esto se tomara como punto de referencia a los grandes maestros y especialmente al modo al en que han ejercido el principio de selección o de mejora de la naturaleza. Entonces el artista: ¿nace o se hace? Según Charles le Brun el artista nace pero se necesita de una formación. Le Brun va a introducir (a rescatar) no solamente el tema del principio de selección. También el tema acerca de como se deben de representar las emociones. Si cabe es mucho mas extremista que nicolas Poussin. De entrada propone que todas estas emociones se estudien del natural. Trabajar sobre las expresiones naturales (un modelo con tal emoción o tal postura). Pero se prepara minuciosamente al modelo, hasta el punto de que se le exige que sepa modular la intensidad del sentimiento, para poder conocer diferentes grados de expresión de la misma idea. Es un extremista porque intenta confeccionar una especie de trabla de representaciones, de manera que todo quede determinado (mas tristeza, menos; mas alegría, menos, etc.). y esta discusión a lo único que nos lleva es a confundir a los artistas, pero con esto lo que se esta intentando hacer es el de objetivar, cuantificar, la expresión del sentimiento. Para este hombre las reglas son lo mas importante. Cuando habla de las reglas, casi que le confiere un valor mistico, es decir, le da a la regla tal importancia que es casi como una varita mágica. Dice que cualquiera que siga la regla va hacer las cosas bien, pero nosotros sabemos que no, que puede ser que apliquemos la regla y que no salga tan perfecto. El papel de la regla va a ser discutido no solamente por charles le Brun sino también por Henri Testelin, quien va a ser el teorico mas importante que hace referencia a la regla, este escribe un libro que se llama: sentimientos de los mas hábiles pintores sobre la practica de la pintura y la escultura puestos a modo de tablas de preceptos. Lo que sucede con esta obra, es que es muy importante porque en el se evidencia una paradoja propia de la academia, que es la siguiente: el artista consigue por vez primera su libertad gracias a la regla, esto significa únicamente que el artista consigue por vez primera aquello que venían pidiendo desde la época del renacimiento (ascender profesionalmente, económicamente, etc.). así, gracias a la regla tienen estos privilegios, pero a costa de perder su independencia creativa. Otro de los temas que se tratan en las discusiones de la academia es el concepto de gusto. La academia parece ser objetiva y racionalista, y se nos plantea un problema ante el concepto de gusto porque este nace de lo subjetivo, y la academia pretende ser lo mas objetiva posible. Se debate en la academia porque se intenta definir y debatir desde bases puramente racionales, esto significa que solamente existe un gusto, lo que significa que ese gusto debe de ser definido igual para todo el mundo. Y si esto es así, aquello que sirva para definirlo tendrá que ser igual para todos. Y lo que hay igual para todos es la naturaleza. Luego el gusto se definirá a partir de la naturaleza. A pesar de todos estos intentos de crear un programa de estudio, los propios teóricos de la academia caerán enla cuenta de que lo que están intentado es imposible, los propios pintores que pertenecen a la academia. Por esto gran parte de estos miembros van a inventar algo grandísimo. Van a intentar cambiar las reglas del juego sin destruir la academia; “intentan que la academia siga ejerciendo su papel de directora del arte del mundo pero van a intentar cambiar las cosas”. HENRI TESTELIN Éste también trata en sus escritos el papel de la regla. Escribe un libro, “sentimiento de los más hábiles pintores sobre la práctica de la pintura y la escultura a modo de tabla”. Se evidencia la siguiente paradoja: el artista consigue por vez primera su libertad gracias a la regla, ya que era el espíritu de la academia, pero esta libertad la conseguía a costa de perder su independencia creativa. Otro tema que se trata es el gusto, que parece que surge a partir de lo subjetivo, y en la academia se intenta evitar lo subjetivo, se pretende ser racional, por lo que surge un problema. Solo puede haber un gusto y tiene que ser definido igual por todo el mundo. Las academias se dan cuenta de que todo esto es imposible, y va a tratar de cambiar la regla sin destruir la academia. I. ANDRÉ FELIBIEN DES AVAUX (1619 - 1695). Este va a ser el secretario dentro de la academia, mientras que Le Brun era el director. Asi Félibien des Avaux escribe: “conservación y conversación” Lo que hace en su obra es recoger conversaciones sobre los mas excelentes pintores antiguos y nuevos. La academia francesa tiene un espíritu revolucionario, y se pone en entredicho el por qué hay que someterse a una regla que ya ha quedado antigua. A parte de recoger todas estas conversaciones en la que se compara lo antiguo y lo nuevo. Tambien da mucha información sobre la vida de los artistas. Una de las cosas que hace en esta obra es dar una definición de la pintura. Para poussin era la representación de los sentimientos. Este hombre retoma esta definición pero la va a completar. Dice que para conseguir una expresión perfecta del sentimiento hay que dotar de espíritu aquello que se toma de la naturaleza. Es necesario copiar la figura y la expresión. Felibien se refiere a que la pintura debe de servir para expresar una comunicación. Felibien lo que exige es que se representen esos sentimientos que acompañan al personaje. Y esto se consigue a través de los gestos, y de que estos gestos que posean las figuras llamen la atención del espectador. Significa que las figuras estén dotadas de alma, es decir, de vida. Para que tengan la capacidad de expresar. y que algo esté dotado de alma (espiritud) significa, que me tiene que llamar la atención pero recurriendo a mis sentimientos, algo que me conmueva. Todo esto lleva a Félibien des Avaux a dos cosas: por un lado la gracia y por otro lado la belleza. La grazia consiste en la representación de los sentimientos y el alma a través de la fisonomía. La belleza depende de la aplicación de la proporción, de la armonía física correcta y de la propia razón del artista, que además deberá ser aplicada en aras (para) de conseguir la mayor gracia posible. II. ROGER DE PILLES. III. CHARLES PERRAULT. “FALTA ALGO” EVOLUCION DEL CLASICISMO AL BARROCO. 1. Lineal y pictórico 2. Superficialidad y profundidad 3. Forma cerrada y forma abierta 4. Claridad y confusión 5. Cariedad y unidad. (coordinación- suboordinacion). E. LA HISTORIOGRAFIA EN ESPAÑA HASTA EL SIGLO XVIII. I. VISION GENERAL DE LA HISTORIOGRAFIA ESPAÑOLA. 1. SIGLO XVI Se trata de una historia del arte basada en la vida de los artistas, al igual que en el resto de Europa, y su máxima característica es su aspecto crítico. Junto a este aspecto crítico hay una nota distintiva mas, que es el enfoque socio-económico. A pesar de todo esto, no podemos decir que en España exista una historiografía tal y como se entiende en Italia, hasta que no llegue el siglo XVII. Sin embargo, hay algo interesante en este tema y es que cuando se hace biografía se compara a los artistas del momento con los artistas de la antigüedad, en otras palabras, lo que se esta tratando es simplemente que arte es el que se debe de aplicar, al que procede de la antigüedad o al arte del momento en cuestión. Cuando vemos estos textos salta rápidamente a la vista el que existe una cierta conciencia social entre este grupo de artistas. También en esto se coincide con el enfoque que decía Vasari. Nos damos cuenta de que también en estos textos lo más importante es la obra, a pesar de que el pretexto es la vida del artista. Lo importante es la obra, porque a través de esta el tema que verdaderamente se pretende tratar es el tema de la creatividad (capacidad de crear), pero como estamos en pleno siglo XVI, hablar de creatividad tiene unas connotaciones puramente religiosas, entonces tratar este tema de la creatividad es bastante arriesgado. Entonces habrá que precisar que es lo que hace el artista y esto se hace estudiando las obras. Con lo cual lo que harían sería una crítica pero con fundamento. El tema de la creatividad del artista evidentemente (forzosamente) tenía que traer otro tema mas, que es el tema de la subjetividad o individualidad. El hablar de la individualidad del artista nos conduce a darnos cuenta de que estamos tratando temas muy avanzados como es el gusto personal del artista. SIGLO XVII. En este siglo nos vamos a encontrar un método vasariano igual que en Italia. Este siglo sigue la evolución de la literatura del siglo XVI, es su continuación, sin cambio brusco. Con lo que algunos temas se van a seguir tratando y otros serán superados. Uno de los que ya se van a superar es la discusión entre lo antiguo y lo moderno. Esto significa que se sigue tratando pero que la gente ya tiene clara su respuesta, y la respuesta será lo moderno. Puesto que en el caso de España lo antiguo era el gótico, entonces se opta por lo moderno porque representaba a la nobleza, en este momento en el que se unifica Castilla y Aragón es cuando la nobleza empieza a crecer, por ello en el arte se opta por lo moderno (porque la situación socio- política de país requiere lo moderno), puesto que lo moderno proporciona una imagen a la aristocracia. Sin embargo, van a aparecer otros temas nuevos que son consecuencia de la difusión del siglo anterior. Uno de estos temas nuevos va a ser el de la liberalidad de las artes. Es un tema que también se estaba tratando en Italia, es uno de los primeros temas que se trató en la camerata florentina. La liberalidad de las artes significa que el artista quiere un estatus social mas alto, y significa que el artista tiene que justificar su nueva posición. En Italia justificaban esta nueva posición a través de los tratados. Y esto mismo que estaba ocurriendo en Italia también lo vemos en España. Este tema concretamente lo va a tocar Diego Sagredo. Hay otro tema que también se va a cerrar, y es el papel que debe de jugar la tradición medieval (gótico). A partir de este momento queda claro que la tradición medieval es antigüedad y que se acabó. Y significa también que en la medida de lo posible si hay que echar mano de la tradición popular solo se cogería lo popular (lo mudéjar), porque el mudéjar representa al pueblo, y por supuesto porque forma parte de la mayor parte de los reinos que forman España. Aquí vemos como el arte esta al servicio de la política en todos los temas. Hay algo que ayuda a que este tipo de discusiones queden cerradas por completo. Lo medieval se queda atrás porque la literatura clasicista (tratados) que llega de Italia comienza a tener un gran auge. Pero lo que esta llegando de Italia siempre será lo mejor de lo mejor, es decir no llega cualquier publicación. Lo que significa que la discusión que se va a crear en el entorno español serán alrededor de obras de gran valía. Llegan los libros de Alberti, de Pollaudio, y también llegan aportaciones de la obra de Vitrubio. Es un país donde resulta casi imposible crear una unidad. Y esta es la causa de que algunas regiones la tradición siga pesando mucho mas. Y esto ocurrirá en las zonas mas alejadas. A través de estos tratados que nos están llegando de Italia y que llegan a España tanto en latín como en lengua vernácula, se va consiguiendo que en el panorama artístico español además de arquitectura se comience a hablar de pintura. Con lo que a la hora de tratar temas artísticos ya comenzamos a darle mas importancia al tema de la pintura que al tema de la arquitectura. Como consecuencia del auge político que tiene la monarquía española, una gran cantidad de artistas consagrados fuera de España vienen a consagrar la corte. Lo que sucede con estos artistas que no son de España y que llegan aquí, es que van a traer otro tipo de gustos de pintura, son ideas del barroco llegadas de Nápoles, de centro-Europa, etc. Son ideas acerca de como se debe de hacer la pintura. Entre estas ideas que traen, una de ellas es que sucintan el interés por la iconografía, es decir, que ponen en alza el estudio de la iconografía. Entonces muchos de estos pintores son auténticos genios en el arte de la pintura de mitología. Pero muchos de ellos vienen a España, y España tiene un carácter peculiar, y es que España es la abanderada de la religión. Y entonces aquí no se acepta del todo la mitología porque induciría a error. Y solo podrían hacer pintura religiosa aquellos que sean conscientes de todo, y estos son la monarquía. En España no tendría sentido entonces la pintura de mitología pero si lo tendría el estudio de la iconografía. Vemos que en este momento comienza a desarrollarse una literatura artística que le presta atención a la imagen, pero que sobre todo le presta atención al símbolo. Se le da tanta importancia a la imagen, porque esta tiene el papel de transmisor cultural en este siglo XVII español. Es decir, que transmiten las ideas de la iglesia. Y este tipo de imagen que adoctrina va dirigido al pueblo, y al pueblo le damos imágenes porque no sabe leer. Mientras que las imágenes que iban dirigidas a la gente que ya conoce y que si sabia leer debían ser distintas, entonces a estas imágenes se les introducía algo para que esta gente que si es conocedora se entretuviese, y lo que se añadía era un símbolo. Puesto que para esta gente no significaba solo captar el mensaje básico sino que a parte de este mensaje se colocaría el símbolo y es algo que me remite…. Entonces cuando tienes la imagen española delate siempre hay al menos dos niveles de lectura, un nivel de lectura simple y a continuación un segundo nivel de lectura simbólico al que solo pueden acceder las personas con una cultura mas avanzada. Y decimos al menos, porque junto con estos dos niveles podemos encontrar un tercer nivel que depende única y exclusivamente del artista, es decir, que en toda pintura barroca del siglo XVII en España nos vamos a encontrar tres lecturas: una simple, un segundo nivel simbólico, y un tercer y ultimo nivel que depende del artista, y que esta al alcance de este artista y de quien este en la obra (quien sepa por donde va el pensamiento político del artista). 12 /11/2012 Esteban Martín, Villalpando y Caramuel, son tres autores que tratan el tema de EL ESCORIAL = templo de Salomón. Es curioso de modo en que los tres se acercan al tema del escorial. Estos tres artistas hablan de la obra más que del artista. Pero utilizan como pretexto la obra del escorial para hablar de otra serie de temas, como por ejemplo el hablar de la condición social del artista, pero van a introducir sobre todo algunos temas que tienen aplicación especialmente en la pintura, son temas como el concepto de virtud, otro será el de decoro y por ultimo el de veracidad. Esto significa que a la hora de hacer la obra, a la obra se le exigen varias cosas: primero que se adecue a la función que a de cumplir (decoro), se le exige a la obra que sea digna, en el caso de la pintura significa por ejemplo que el artista haya sido capaz de demostrar en la obra todo aquello de lo que es capaz, en el caso de la arquitectura significa simplemente que los espacios que se construyen deben de ser apropiados y que demuestre que este en consonancia a la categoría del comitente; por otro lado, veracidad significa: que cuando vemos una pintura no se nos mienta en la forma de transmitir el contenido. Entonces veracidad significa que no se nos mienta en el mensaje. Y al igual que sucedía en la pintura en arquitectura también podemos tener la sensación de que se nos miente, entonces, a la arquitectura se le pide que los elementos cumplan cada uno la función que les pertenece. Lo más importante de la historiografía de este momento (s.XVII), hay que tener en cuenta algunas características más. Una de ellas es el carácter crítico. La crítica puede ser buena, normal o destructiva. Una de las características mas importantes de la historiografía de finales del XVII va a ser este enorme carácter critico. Se esta utilizando el método de estudio del arte a partir del estudio de la vida del artista, pero aquí lo importante no es el estudio de la vida del artista sino la obra. Y cuando se hace biografía del artista es solo un pretexto para hablar del artista en general. Lo interesante es que partimos de la vida de una persona para hablar de la profesión de este personaje. Y junto con esa biografía también se enjuicia críticamente la obra. Y ¿Cómo se hace esto?. Puesto que el sentido de la critica en España es una critica constructiva (lo que pretende es aportar…), lo que hacen es “critica sobre la obra”, y para hacer esto lo primero que hay que hacer es explicar el criterio, y en este momento los criterios son el gusto de la época, entonces de lo que se trata es de explicar el gusto del momento. Entonces comparamos la obra con lo que creemos que es el modelo. Y lo que estamos haciendo con esto es decir cual es el modelo a imitar. Y entonces sin pretenderlo al criticar algo para mejorar una obra de arte lo que estamos haciendo es un ejercicio de gusto, puesto que la obra que sea la estamos comparando con el modelo que creemos que es correcto, es decir, con lo que gusta en este momento. Los que hacen arte realmente están haciendo trabajo de crítica. El artista elige sus propios temas. Un ejemplo es el artista que coge y retrata a un simple campesino, el cual no tendría dinero para retratarse, y con esto el artista esta haciendo una critica. Por otro lado, a este pobre el artista le coloca una sonrisa, con esto el artista también hace crítica. Con todo esto el artista por vez primera se esta pudiendo liberalizar de aquel que le paga sus obras, en otras palabras, se están dando cuenta de la gran capacidad que tiene el arte para convertirse en un concepto de cambio social. s.XVIII. En el siglo XVIII el imperio comienza a decaer, se empiezan a perder territorios de ultramar. Lo más importante es que se produjo un cambio de dinastía: la de los Habsburgo por la de los Borbón. Este cambio trae aparejado un cambio en el gusto. Esto significa que el modo de entender el arte ya no va a ser el mismo. Época de Felipe V. Escribe un libro, éste es un tratado de pintura española. Se trata de un tratado técnico donde enseña cómo se pinta, pero lo hace de tal manera que se convierte en libro de cabecera de la academia. Es un libro que es a la vez práctico, teórico y lo más importante, erudito (da conocimientos). Resulta útil tanto al lector como al artista. 19/11/2012 III.PALOMINO DE CASTRO Y VELASCO (1653 - 1726). En libro se tratan temas muy importantes. Como la vida de los pintores, y se habla de la vida de los pintores como pretexto para hablar del arte. eso es lo que reflejaría al tomo I. El segundo tomo de la obra sigue siendo de carácter técnico, pero se tratan temas como la luz, el color, la perspectiva y la iconografía. Mas una serie de trucos que todo pintor debe conocer. El tercer tomo , que es parnaso español, pintoresco y Laureano. Es un libro sobre biografía de los grandes pintores. Para confeccionar este libro. Utiliza como fuente la vida de artistas escritas por otros, como por ejemplo la obra de Cespedes, Pacheco, Carducho y Lázaro diez del Valle. De todos estos toma la información necesaria. Pero no solamente habla de los artistas españoles sino de aquellos artistas extranjeros que por un motivo o por otro guardan relación con España porque han pasado por la corte. El principal problema es que da la sensación de que lo que esta haciendo es acumular noticias pero sin un orden. Sobre todo tenemos la sensación de que no es demasiado crítico de la información que aporta. Una cosa que se le podría criticar es: que no le gusta la escuela del Greco. Pero tampoco le gusta rivera. Estos artistas no son muy decorosos y a su entender esta tomando temas que no son idóneos. Por supuesto para él, el genio será Velázquez. Y resalta a Velázquez porque este tiene una técnica magistral. Y puesto que para palomino lo más importante que tiene la pintura es la técnica, es normal que elija a Velázquez. El hecho de que confecciona varios programas iconográficos y los ofrece como practica, es decir, como demostración (ejemplo) de lo que para el debe ser una pintura decorosa, apropiada. Uno de estos programas iconográficos se dedica a las carrozas reales. Entonces el programa seria el ejemplo de como se decora toda una carroza. Entonces lo que hace palomino en su libro es tomar ideas de muchos sitios. “según el profesor su obra es mucho mejor que su pintura, es decir, que es perfecto como teórico y que le faltaría algo para ser un gran pintor”. MUSEO PICTORICO Y ESCALA OPTICA: • I vol. I tomo (1715) THEORICA DE LA PINTURA. Esta hablando de los tres grados(aficionado, curioso y diligente) que hay en la pintura. Y el diligente seria el autentico conocedor de la obra de arte pictórica. • II vol. II tomo (1724) PRACTICA DE LA PINTURA. El principiante es El aprovechado es la persona que como a copiado de la obra de los demás esta tomando ideas de la pintura que han hecho los demás. El inventor es la persona que aporta algo. El practico seria alguien que conoce también ya el arte de la pintura, y que empieza a desconsiderar algunas cosas que no cree que sean necesarias. En este segundo tomo tenemos una serie de grados y que para llegar al sexto grado hay que haber partido desde el primero. IV.JUSEPE MARTINEZ (1601 - 1682). Es un pintor aragonés y para formarse en pintura va hacer una serie de viajes de estudios. El primero lo hace a Italia (roma y Nápoles entre 1620 y 1625). En este viaje a Italia va a conocer a autores como Widow remi, o incluso a rivera. Pero en Italia adquiere una gran formación como humanista (aprende una gran cultura), regresa a España y hacia 1634 realiza un segundo viaje fuera de Zaragoza pero en este caso es a Madrid, a la corte. Pero no le va bien y decide volver a Zaragoza. Y aquí actúa como pintor real. y además se le encarga la educación de Juan de Austria (segundo virrey de Aragón). Y tendrá que prepararse las clases de historia y de arte que el va a impartir a don juan de Austria. Por cierto este llamara a las clases como Discursos practicables, y estas clases las pondrá por escrito. Y esto que escribe tiene un gran valor, porque aquí esta dando una gran información acerca de la teoría del arte. Pero también está dando mucha información acerca de los pintores de la época. Y en concreto de los pintores de Zaragoza. Esto es importante porque en este momento se consideraba que en España había tres focos de la gran pintura española. Y lo que el pretende es hacer una especia de atlas pictórico español en el que intenta definir las diferentes escuelas españolas. Y lo que escribe no lo difunde, es decir, no lo publica. Se guarda y aparecerá muchos años después. Y aunque no se publica si que lo pasa a su círculo de amigos y por ello estas ideas se expanden, la idea de que en España podría haber escuelas. Pero este no consigue gran cosa porque no le da tiempo. Solo nos habla de la escuela aragonesa pero nos da a entender que en España si hay otras muchas escuelas. La obra de jusepe martinez se divide en tres partes: La primera parte consiste todas las notas sobre los conocimientos específicos de la pintura, es decir lo practico, lo técnico. La segunda parte, fundamento filosófico de la pintura. La tercera parte, seria la historia nacional de la pintura. Pero naturalmente la colocara por escuelas, por regiones. TEMA 6. WINCKELMANN Y EL NACIMIENTO DE LA MODERNA HISTORIA DEL ARTE. ILUSTRACION Y NEOCLASICISMO: WINCKELMANN. • Introducción: ilustración y neoclasicismo. • I. el concepto de Historia: G. Ephraim Lessing. • II. Winckelmann y el neoclasicismo. Winckelmann es muy importante porque marcara un nuevo método. Hasta ahora todos los métodos habían sido copia de Vasari. Y ahora Winckelmann comenzara con un nuevo método “método arqueologuita”. INTRODUCCIÓN: Hasta ahora estábamos hablando de lo que sucedia en el siglo XVII, en este siglo emos visto que se renovava el método de Vasari y se aplicaba, se hacia avanzar un poco de este modo el estudio de la historia del arte. el problema del método de Vasari, era que no solucionaba determinados problemas de tipo teorico, porque se dedicaba a unos cuantos temas tomando como referencia la vida de los artistas. Por ejemplo, todavía no se había dicho nada de lo que teníamos que entender por lo que es arte. el siglo XVII deja muchas dudas acerca de los conceptos. El primer concepto que se va a definir en el siglo XVIII es el concepto de arte. al tener un nuevo concepto de arte, automáticamente cambian todos los demás conceptos que tengan relaccion con el arte, incluido el artista. El nuevo concepto de arte arranca directamente del mundo clásico. En el mundo griego el arte es techne y que la téchne es un proceso practico a la hora de producir un objeto. Pero ahora el concepto de arte ha evolucionado con respecto a la época clásica, porque ya emos definido el concepto de artista. Entonces por arte entendemos a esa techne pero sin olvidarnos de la figura del artista. El concepto de arte por vez primera el hablar de arte ya no es hacer literatura. Sino que es únicamente escribir sobre arte. por primera vez el arte alcanza su independecia, independecia de la literatura, de la historia, etc. Lessing intenta hacer de esta definición una ley, ese es su problema, estas normas no siempre se van a cumplir. Esos objetos o partes de objetos que coexisten en el espacio son cuerpos. Sin embargo los objetos o partes sucesivas son lo que él llamaría acciones, por tanto la poesía tiene como objeto la representación de acciones. Esta ley no siempre se cumple. Dentro de un mismo marco y de un mismo espacio pueden representarse “acciones diferentes”. La presencia de un marco en la pintura condiciona el tiempo y el espacio, dentro de ese marco los cuerpos deben de estar ocupando el espacio dado por el marco y en un tiempo. Esto sucede desde el arte paleocristiano. Sucede con los tapices de “Atrás”, donde vemos que los personajes se repiten dentro del mismo marco, ejecutando distintas cosas al mismo tiempo. Del mismo modo en poesía, cuando se describe un objeto, se interpretan como acciones las partes del objeto. Diferentes objetos pueden convivir en el tiempo y el espacio. Muchos conceptos que Lessing manejaba van a ser tomados por pensadores románticos. Por ejemplo Goethe va a utilizar de Lessing la idea de división de las artes. Lessin nos dice que el arte figurativo, (por ej;pintura) tiene como valor que puede representar la belleza física. Para él, el arte de su época está cometiendo un error, porque presta atención a la naturaleza en general, y copia incluso lo feo que existe en ésta, cuando lo lógico es que la pintura solo se dedique a la belleza física e incluso mejore la belleza de la naturaleza. El concepto de belleza para Lessing es estrictamente físico, no hay nada moral. Rechaza el arte de su época porque está utilizando lo feo y el entiende que el arte no puede recurrir a lo feo. Además dice que el espectador que contemple una obra de arte donde aparece lo feo, efectúa tal operación ante eso que es capaz de eliminarlo y quedarse solo con lo agradable. • CUALQUIER ASPECTO HUMANO PARTICIPA DE UN PROCESO DE PERFECCIONAMIENTO INCESANTE • PERFECCIÓN = VERDAD • LO IMPORTANTE NO ES ALCANZAR LA VERDAD SINO EL ESFUERZO DEL HOMBRE POR CONSEGUIRLA • LA BÚSQUEDA DE LA VERDAD ES LO QUE FUNDAMENTA LA HISTORIA II.-Winckelmann y el Neoclasicismo. Johann Joachim Winckelmann (1717 - 1768) puede ser considerado como el fundador de la Historia del Arte y uno de los fundadores de la arqueología en tanto que disciplina moderna. Resucitó la utopia de una sociedad helénica fundada en la estética a partir del viejo ideal griego de la kalokagathia, esto es, la educación de la belleza y de la virtud (Espíritu neoclásico). Nacido en Stendal Brandeburgo, e hijo de un zapatero, se convirtió en experto mundial en arquitectura de la antigüedad y principal teórico del movimiento neoclásico. Inicia su carrera como preceptor de hijos de familias nobles. Desde el 15 de noviembre de 1734 hasta 1738 estudia a los griegos en el Instituto Salzwadel de Brandeburgo, cuatro horas a la semana y en base a los textos de Johann Mathias Gessner (1691-1761) de la Chrestomathie, que es una colección de extractos de obras de Jenofonte, Platón, Teofrasto, Hesíodo y Aristóteles. El 4 de abril de 1738 se matricula en Teología en la Universidad de Halle (sólo aguantaría hasta el 22 de febrero de 1740), ayudado con una beca de la Fundación Schönbeck (en total 20 Guldenen -florines- al año) y en condiciones para un estudiante de hoy algo difíciles: la Biblioteca sólo abría de una a dos de la tarde tres días a la semana y sin poder tomar los libros en préstamo. Tampoco contenía muchas obras griegas, por lo que Winckelmann acudió más a otra importante biblioteca de Halle (que igualmente solo abría dos días a la semana de una a tres), la del Orfelinato, que perteneció al prestigioso teólogo y filólogo August Hermann Francke (1663-1727), además de que era una de las cabezas del pietismo. En sus primeros cursos leyó a Epícteto, Teofrasto, Plutarco y Hesíodo. Allí además asistió a un seminario de J.H. Sulze sobre monedas griegas y romanas, tomando igualmente contacto con la mitología griega. En Halle es importante reseñar que también escuchó a Joachim Lange (1670-1744), otro de los grandes del pietismo. En mayo de 1741, tras haber sido profesor particular en Osterburg, va a estudiar a Jena, donde sólo pasa un año, volviendo a ser profesor particular en Hadmersleben a partir de 1742. El 8 de abril de 1743 obtiene un puesto de enseñante en la escuela de Seehausen, donde está hasta 1748, período del que sabemos que continuó estudiando por su cuenta a los griegos, siendo su favorito Homero, seguido de Heródoto, Sófocles, Jenofonte y Platón. El 17 de agosto de 1748 partiría, con 31 años, para catalogar la Biblioteca de Heinrich von Bünau en el castillo de Nöthnitz, que contenía 42.139 volúmenes, una de las mayores colecciones privadas alemanas de todo el siglo XVIII. En 1755 publica Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst que tuvo éxito internacional. De la primera versión de 1755 sólo editó Hagenmüller, un pequeño editor de Dresde, 50 ejemplares por orden de Winckelmann para hacerla rara, según cuenta éste a Berendis en una carta del 4 de junio de 1755. La escribió además en caracteres latinos y de manera austera, yendo así contra el manierismo, y en formato in quarto, lo que luego se llamará formato winckelmanniano. Hoy sólo hay un ejemplar que resta en la Biblioteca Nacional de Sajonia. Con esta obra, que además ilustró su amigo Adam Friedrich Oeser, Winckelmann se despediría de Nöthnitz, partiendo hacia Roma en septiembre de 1755, convirtiéndose al catolicismo. Su objetivo era estudiar las ruinas de la antigüedad. En 1764 publica Historia del Arte en la Antigüedad, cuya obra tuvo mucha importancia para la difusión de la arquitectura y de la escultura griega. La fórmula que halla para encontrar el carácter esencial del arte griego "edlen Einfalt und stillen Größe" inspiró a artistas como Jacques-Louis David y Antonio Canova. Es asesinado en Trieste por Francesco Arcangeli, cocinero de origen toscano, el 8 de junio de 1768. Junto con Mengs, es el padre del neoclasicismo, son los teóricos de este periodo. El siguiente momento similar al arte griego es el renacimiento. Entonces intentamos aplicarlo al renacimiento. Y Winckelmann nos dice que al igual que en grecia, en el renacimiento también hay estas cuantro estapas: la primera etapa será hasta miguel angel. La siguiente etapa seria la sublime (rafael), la siguiente ya seria lo bello (representada por corregio y widow remi), y la ultima etapa que es la de Imitacion (representada por carraci hasta maratta). Lo que winckelmana tiene de nuevo es que se basa en la forma. Y la forma por mucho que queramos no depende de nosotros, sino que es algo material, es algo por tanto tangible. Al igual que Vasari, entiende que la historia del arte es una sucesión de etapas diferentes. O en otras palabras: de estilos diferentes. Al igual que Vasari, Winckelmann entiende que se produce un movimiento necesario de la historia del arte que conduce desde el primer estilo (o momento )al cuarto, y automanticamente cuando se alcanza el cuarto se vuelve a comenzar. Hay otro error imperdonable: Winckelmann busca una descripción ideal de lo bello, pero aquí falla algo porque se fija en autores concretos. Y lo que falla es que se sigue basando en su gusto propio. Pero hay un fallo aun mayor, y es que winckelman a construido todo un sistema de evolución, que pretende ser ideal, entonces es un esquema bastante abstracto y confuso. Mientras que además se basa en dos errores: el primero, es que Winckelmann considera que grecia es la madre del arte, el problema esta en que todo el arte posterior se estudiara siempre en comparación con grecia. Y otro fallo es que Winckelmann no entiende que el estudio que el a organizado lo a echo sobre copias romanas, y no sobre originales griegos. Y lo que sucede es que el arte romano no es el arte griego, porque las copias que el va a utilizar son reinterpretaciones de originales griegos al gusto romano. 28/11/2012 Winckelmann no reconoce la independencia de otros estilos. Otro problema es que el no se daba cuenta de que estaba creando un programa de arte griego, no siendo arte griego sino que era arte romano. Winckelmann ocasiona algunas consecuencias a este sistema: una es, que el arte se va a tomar dentro de una practica como es el naturalismo, porque efectivamente el arte griego es asi. Entonces cada vez que aparece un arte no naturalista, automáticamente el arte se descalifica. Sin embargo nosotros no podemos estudiar una manifestación artística enjuiciandola como mejor o peor que otra, solamente la estudiaremos contextualizandola en su época y en el estilo en que se realice. Como consecuencia de este sistema, tenemos una historia del arte que se basara siempre en aquello que es o nos parece perfecto. Existe una visión de la historia del arte a partir de Winckelmann muy sesgada, centrada en la perfeccion. Pero nosotros desde el punto de historiadores del arte nunca podremos hablar de perfeccion. A partir de Winckelmann la Hª del Arte tiene que estudiarse en función de un contexto de perfeccion. Y este contexto lo propondrá el historiador. Y el historiador es quien decide que se estudia o no. Entonces nosotros lo que hacemos es estudiar el arte, y no decir si una cosa es mejor o peor, eso es trabajo del critico. Lo que sucede es que este método induce a error. Y el problema esta en que resulta que nos produce conocimiento desde un punto de vista un tanto parcial, puesto que Winckelmann intenta ser lo mas objetivo posible y resulta que no lo consigue. Somos herederos (como historiadores) de lo que Winckelmann creó, y nos inculcó. Herederos de un modo de entender la historia del arte a través de un esquema que lo vamos a llamar CLASICISMO. A pesar de todos estos errores que podemos denotar en Winckelmann. Si es verdad que el método tiene un gran acierto. El principal acierto del método es que por vez primera se esta poniendo el acento primero en la obra de arte, y en concreto en un aspecto bastante objetivo de la obra de arte como es lo material, lo formal. Y además otro acierto es que por influecia de la arqueología la obra de arte adquiere el mismo valor que cualquier otro resto material del pasado. puesto que la obra de arte sirve también para reconstruir el pasado. Quizá el error mas importante es que el neoclasicismo confio en que el arte griego era de mármol blanco y se crearon algunos mitos que hasta nosotros hemos podido heredar aunque hoy dia ya si sabemos que las esculturas griegas eran pintadas. El romanticismo lo vamos a ver porque es necesario para entender el neoclasicismo. Pero no entra en teoría de examen. (ROMANTICISMO): LAS PARADOJAS DEL ROMANTICISMO: RUSKIN Y BAUDELAIRE. 2.I. LAS PARADOJAS DEL ROMANTICISMO. 2.II. JOHN RUSKIN (1819 - 1900). 2.III. CHARLES BAUDELAIRE (1821 - 1867). Vamos a ver lo que sucede con la historiografía (estudio del arte) en el siglo XIX (romanticismo). Todo lo que no era demostrable, no era racional. La intuición no es razonable, no es aplicable desde el punto de vista de los románticos. El romanticismo lo que hace es partir de: conocimiento a la luz del sentimiento. Asi la intuición si es una forma de conocimiento. Puesto que puede ser aplicada. Entonces el romanticismo dira que el ser humano es inteligente, pero lo espectacular del ser humano es que puede razonar sobre sus sentimientos, es decir, la capacidad de aplicar esa inteligencia a aquello que siente. Al ser humano le preocupan tres elementos: la naturaleza, el propio ser humano y lo divino. Una de las vías de conocimiento como es la ilustración... El romanticismo en cierto sentido es un sistema religioso. Porque gira alrededor de lo divino (Dios). Asi pues el romanticismo lo que pretende es el conocimiento de la realidad, puesto que tanto el hombre como la naturaleza son dios. Entonces lo que el romanticismo persigue es el conocimiento de Dios, puesto que se entiende que todo procede de dios. El romanticismo surge como una religión de la naturaleza. Porque del mismo modo que todo gira entorno a dios, ahora en el romanticismo todo girara en torno a la naturaleza. Pero tarde o temprano se darán cuenta de que estas ideas ya han existido. Entonces el romanticismo pretende crear un sistema nuevo, y se dara cuenta de que ese sistema ya estaba inventado que es el que se llama catolicismo (cristianismo). Entonces el romanticismo llega a ligarse al cristianismo. Y sabemos que el cristianismo mas puro y básico se represento en la edad media. Y por ello el romanticismo se fijara en una época concreta (La Edad Media). Y los románticos cuando quieran que la nueva socidad adquiera los nuevos valores del cristianismo lo que harán será copiar el arte de la edad media. Los románticos hacen la guerra a los ilustrados, y a la contra pasa igual. Lo que ambos están haciendo es copiar. Los ilustrados copian el arte clásico, y los románticos copian el arte de la edad media. PARADOJAS: • Hombre como ser racional e irracional. Sentimiento y razón como modos de conocimiento. • Religión basada en la Naturaleza y Cristianismo. Dios – Hombre – Naturaleza. • Medievalidad frente a clasicismo. El pasado idealizado como instrumento regenerador de la sociedad. (FALTAN VARIOS DIAS). TEMA 7. LA KULTURGESCHICHTE Y LA ESCUELA DE VIENA. I. J.Buckhardt. II. Aloïs Riegl y el concepto de Kunstwollen. III. Dvôrak, Scholosser y Sedlmayr. El método de Buckhardt aparece en dos de sus obras. En la primera (…) vemos como presentaba el arte como fruto de toda una época. Cuando leemos la cultura del renacimiento en Italia, nos damos cuenta de que buckhardt tiene una postura muy ambigua respecto al concepto de artista. Puesto que para el, el arte es el fruto de una cultura, de todo un grupo social; entonces si habla de artistas al hablar del arte estaría cometiendo un error, puesto que estaría entendiendo el arte en este caso respecto solo al artista y no a toda una cultura. Aunque el si que le presta atención a determinados artistas. Este estudio que hace de la figura del renacimiento (de los artistas), y esto le lleva a idealizar una época, y finalmente acabara poniendo trabas y criticando el arte. Sin embargo nos encontramos otro ejemplo más de contradicción, en que aunque rechace el arte barroco de bernini, si le gusta el arte pintura de Rubens, puesto que de este si le gusta la época en la que vive. Si un artista hace arte, y el arte es la expresión de un momento, este deberá reflejar el espíritu del arte de la época. El espíritu de la época, seria lo que el llamaba cultura, es decir, todo aquello que sirve para caracterizar un momento dado, a la gente que vive y actúa en ese momento dado. El entiende que esto se puede plasmar a través del arte, y entonces entiende que hay una relación entre el espíritu de la época y el arte. Esta hablando del arte como el reflejo del espíritu de una época, pero no se da cuenta de que el arte esta hecho por individuos: entonces podemos criticarle que el arte no dejaría de estar echo por un individuo, entonces cada uno puede tener una forma de pensar. Así burckjar no se da cuenta de que el arte efectivamente traduce una época, pero a través del artista. Así lo que