Arte Contemporáneo: Del Simbolismo al Art Nouveau - Prof. Arroyo Fernández, Apuntes de Comunicación Audiovisual

¡Descarga Arte Contemporáneo: Del Simbolismo al Art Nouveau - Prof. Arroyo Fernández y más Apuntes en PDF de Comunicación Audiovisual solo en Docsity! Descargado en: patatabrava.com ARTE CONTEMPORANEO (UCM) DEL SIMBOLISMO AL ART NOUVEAU ARROYO FERNANDEZ, Mª D OLORES 15-16 TEMA 4: DEL SIMBOLISMO AL ART NOUVEAU. Simbolismo. Movimiento de reacción en contra del Impresionismo y al Positivismo, en el simbolismo el contenido es fundamental, al contrario que en el impresionismo. Jean Moréas publica en el periódico “Le Fígaro” (18 de septiembre de 1886): el “Manifiesto del Simbolismo” > “Un manifeste Littéraire. Le Symbolisme”. Georges Albert Aurier en el ámbito pictórico, escribe “Le Symbolisme en peinture. Paul Gauguin” en 1891. En él decía que la pintura debía ser: ideísta, simbolista, sintética, subjetiva, decorativa y emotiva. El simbolismo tiene una vertiente derivada del Romanticismo: en Inglaterra, Hermandad prerrafaelista (1848) por D.G. Rossetti, H.Hunt, J.E Millais; en Francia, Pluvis de Chavannes, Gustave Moreau, Odilon Redon. Otra vertiente es la reacción anti-impresionista, en la que destaca Gauguin y la Escuela de Pont-Aven o Sintetista y los Nabis o “Profetas”: Paul Sérusier, P.Bonnard, E.Vulliard, Maurice Denis. El simbolismo tiene interpretaciones diversas: No existe un mismo lenguaje plástico. Tiene diversas tendencias: idealista, alegórica, onírica (Odilon Redon) Los rasgos generales del simbolismo son: De la expresión literaria aparece la iconografía. De la expresión artística aparece la obra pictórica. Va de la vertiente academicista hacia la vanguardista. Las actitudes ideológicas y vitales son heredadas del espíritu romántico (subjetivismo, antirracionalismo, antipositivismo). Una de sus finalidades es vestir la idea con una forma sensible. (Juan Morèas) “objetivar lo subjetivo” = hacer externa la idea. Predominio de la sugerencia sobre la afirmación (el valor del misterio, como dice Mallarmé). Uso del principio de la “transposición” (F.Russoli) “la imagen no significa lo que representa” lo que da lugar a significaciones nuevas y misteriosas. Gustave Moreau (París, 1826-1898) Formación e influencias: sus primeras obras tienen influencia de Delacroix y Chassériau. En 1856 visita Italia donde los pintores son primitivos, y hay mosaicos y esmaltes bizantinos. En el Salón en 1880 recibe apoyo de J.K. Hysmans (À rebours=Al revés). Acabó retirándose de los salones y fue reconocido de inmediato. De 1892 a 1898 fue profesor en la Escuela de BBAA (taller, hoy museo). Respecto a su obra: Los temas son literarios y mitológicos: andrógino, el macho, la mujer (bella, erótica y destructora). También contiene a Salomé, hadas, Orfeo, esfinge, grifos, Galatea, Leda y el cisne, unicornios. Respecto a la forma, tiene estética minuciosa y preciosa como un trabajo de joyería. Obras “La aparición” (1876) Todo queda a un lado del cuadro para poder crear las sombras del fondo. “La esfinge roja” (1912) óleo/lienzo. Según Odilon Redon, el misterio “está inmerso en el equívoco, en un doble y aun triple aspecto, e incide en aspectos y formas que nacen o que nacerán según el estado mental del espectador”. Este autor es un antecedente del surrealismo. Repercusiones de los autores. G. Moreau. Maestro de los futuros fauvistas (Matisse, Rouault): enseñanzas basadas en el conocimiento y la asimilación de la historia del arte para después crear algo propio. Tiene repercusión en A.Breton (líder del surrealismo) que frecuenta el Museo G. Moreau y le fascina su obra. P. Chavannes. Fue aceptado tanto a nivel oficial (por su clasicismo) como por la nueva generación de artistas (entre ellos Cézanne). Atraía a todos los que deseaban seguir las ideas modernas sin perder el contacto con la ortodoxia clásica. Odilon Redon. Influye en el Surrealismo por su mundo onírico. Paul Sérusier También se reunió en Pont-Aven con Gauguin. Sérusier es orientado por Gauguin en 1888 y realizó el cuadro “Bois d’amour” (1888) Evocación libre de un paisaje: se reconocen unos árboles y su reflejo en el agua. Respecto al tratamiento, las superficies son recortadas de colores vivos, sin mezclar y las formas son simplificadas. Los nabis “Profetas” Son epígonos del Simbolismo. En la Académie Julian estudiaban Paul Sérusier, Pierre Bonard, Vuillard y Maurice Denis. Eran una asociación la cual se asignaba apodos, se reunían en el Boulevard Montparnasse, lo consideraban un templo. Tienen interés por el teatro, la obra gráfica, el libro. Investigaban las posibilidades del color en los temas más comunes, los temas cotidianos. En la década de los 90 exponían en la galería Barc de Boutteville (hacían dos exposiciones al año). Los Nabis místicos y teóricos. Paul Sérusier (1864-1927) Maurice Denis (1870-1943) Maurice Denis (Granville, Normandía, 1870-París, 1943) Pintor y escritor, amigo de los poetas simbolistas. Fue el teórico del Simbolismo y define la Estética Simbolista de los Nabis. Respecto a su formación: En 1888 se formó en la Acadèmie Julian en París y en la Escuela de BBAA. Admiró a P. De Chavannes, descubre a Fra Angélico y el Quattrocento. Se inspira en E. Bernard y en Gauguin (Pont-Aven) Trató de ajustar la vida contemporánea a los estilos del pasado. Los temas son medievales, personajes de cuentos de hadas, figuras de los evangelios… Respecto a la forma, las composiciones son de formas contorneadas, línea débil y colores pálidos. Paleta sorda, un tanto violácea. “Atardecer trinitario” (1891) “Mujeres en el parque” (1893) Tema cotidiano, parece que las mujeres están dialogando. Línea curva, planitud en el modelado, bidimensionalidad. (Influencia japonesa en la planitud) Separación de colores propio de la escuela de Pont-Aven. Influencia del Quattrocento italiano en el paisaje decorativo. “La Anunciación” (1913) El tema es religioso. El objetivo es restaurar el arte religioso a su gloria anterior, y la mayoría de su obra, sobre todo después de 1900, son temas religiosos y pinturas para instituciones religiosas. Tiene influencia de Fra Angélico. La paleta es de colores vivos pero sin brillo, violácea. Domina la línea, los planos de color. Definición de pintura según Maurice Denis: “Recuérdese que un cuadro, antes de ser un caballo de batalla, una mujer desnuda o una anécdota cualquiera es esencialmente una superficie plana cubierta de colores dispuestos según cierto orden”. Los Nabis intimistas (Escenas íntimas, de la vida familiar) Bonnard (1867-1947) Vuillard (1869-1940) Aristide Maillol Paul Ranson Pierre Bonnard (Fontenay-aux-Roses, 1867-Le Cannet 1947) Se formó en la Acadèmie Julian y en la Escuela de BBAA de París. Es conocido como el “Nabi japonizante”. Art Nouveau en Francia y Bélgica. Stile Liberty en Italia. Sezessionstil en Austria Jugendstil en Alemania Modern Style en Inglaterra. Integración de las artes: arquitectura, artes plásticas, grabado y cartel, objetos de uso (joyas, muebles…). Frente a la industria tiene más importancia la artesanía y las artes aplicadas (función + belleza) Tendencias más figurativas de acercamiento a la naturaleza (florales y curvas) y tendencias más rígidas y geométricas. En las artes plásticas no existe homogeneidad formal, a veces se combina con el Simbolismo. Gustave Klimt (Austria 1862-1918) Estudió en la Escuela de Artes y Oficios de Viena. Presidió la Secesión de Viena, creada en abril de 1897 hasta su ruptura en 1905. Su obra no sólo representa un equilibrio entre naturalismo y estilización, sino también entre las BBAA y la artesanía. Recibió encargos de decoración como por ejemplo: Aula de Arte de la Universidad, Viena 1894-1901-7. Mosaicos del Palacio Stoclet de Bruselas (1905-11) La temática abarca retratos, sexualidad femenina, el ciclo de la vida, temas mitológicos como metáfora y paisajes. Características modernistas marcadas debido a la excesiva ornamentación, uso de oro en la pintura. “Judith I” (1901) Aparece de forma frontal como si fuese un ídolo. Tiene cierto componente erótico lo cual alude al éxtasis. “Nuda veritas” (1899) Òleo sobre lienzo. El tema es la Verdad como figura de la mujer. Se acentúan los rasgos que pueden acrecentar su sexualidad: melena y pubis rojizos. Está hierática y firme, como una sacerdotisa y a la vez como una esfinge. Respecto al contenido: manifiesto simbólico de la Secesión. Emblema de las pretensiones e intereses de Klimt, pero también de los debates y polémicas a los que estaba sometida la cultura vienesa de la época. Aspectos formales: En primer plano, su cuerpo ocupa toda la superficie del cuadro, de frente. Recortada su figura sobre un fondo floreado de arabescos ornamentales. Hieratismo y línea curva, dorados. “El beso” G.Klimt fue mentor de Egon Schiele (1890-1918) y Oskar Kokoschka (1886-1980) Realizan autorretratos con la mujer. Tienen experiencia vital y aspectos psicológicos en la obra de ambos. Domina la mancha pictórica y se enlaza con el Expresionismo. “La novia del viento” (1914) Kokoschka Autorretrato de una mujer. Deformación de la línea. “Abrazo” (1917) Schiele. Domina el dibujo. La escultura del último tercio del siglo XIX Durante el siglo XIX la escultura es sometida a los modelos del pasado y vinculada a intereses políticos y propagandísticos: exaltación de personajes ilustres, héroes militares… Proliferan los monumentos conmemorativos y de homenaje. Tiene un doble fin: didáctico y decorativo (plan urbanístico de embellecimiento de la ciudad). Algunos pintores esculpen: H.Daumier, Degas:bocetos o estudios para sus obras pictóricas. A partir de 1850 los escultores tratan de obtener efectos de luces y sombras a través del tratamiento de las superficies: en piedra, metal, arcilla, intentan conseguir un ilusionismo similar al pictórico. A finales del siglo XIX es cuando se manifiesta un lenguaje nuevo y autónomo. Los renovadores de la escultura de la segunda mitad del siglo XIX son: Rodin: aparece con un estilo único e innovador. Hildebrand (teórico “el problema de la forma”). Ambos tienen en común revivir los ideales clásicos de la escultura alejándola de la reproducción naturalista y de su vinculación con la pintura. Auguste Rodin (París, 1840-Meudon, 1917) Familia modesta. No logra entrar en la Escuela de Bellas Artes. Asistió a L’École des Arts Decoratives. Tiene como primer empleo modelador y dibujante de escultura decorativa. Viaja a Bruselas y después a Italia para estudiar a Miguel Ángel al que admiraba. En 1900 su carrera llega a la cúspide con la primera gran muestra de su obra (150 piezas) en La Exposition Universelle. “La Edad de Bronce” (1876) Primera obra que expuso en público en el Salón de París en 1877. Provocó gran escándalo, se le acusó de copiar la figura del modelo directamente a través de moldes. Aún así en 1880 se adquirió para los jardines de Luxemburgo. Con esta obra se dio a conocer. “Los burgueses de Calais” (1884-1886) Bronce.