El Arte Pop: Reflejo de la Sociedad de Consumo, Apuntes de Arte Contemporáneo

¡Descarga El Arte Pop: Reflejo de la Sociedad de Consumo y más Apuntes en PDF de Arte Contemporáneo solo en Docsity! Parte de Jose Antonio TEMA 5. ARTE POP Se trata de un movimiento artístico que es el resultado de la cultura metropolitana se nutre de los rasgos que configura el estereotipo de vida que se lleva acabo en la ciudad industrial. Destaca todo lo relacionado con el paisaje urbano y ese tipo de iconografía que se denomina publicitaria, donde se vuelve mas agresiva en tamaño e impacto visual de sus mensajes. La iconografía publicitaria tendrá cada vez mas protagonismo los rostros de los grandes personajes publico que aparecen con frecuencia en los medios de publico. Se convierte en los fetiches de la cultura consumista. Ahora se habla de la cultura consumista plena. Estamos ante un movimiento artístico que se articula entorno a un repertorio de imágenes cotidianas, de la cultura popular, que podía ser cercano a cualquier persona. “No se puede entender la gestación del Pop desligándolo de la particular escenografía que se despliega en las grandes metrópolis” Se crea una serie de estereotipos icónicos que aparece como emblema de aquella época. Aunque siga vivo y se este recuperando por numerosos artistas actuales, es el estilo que identifica la sociedad norteamericana de los 60. Las imágenes fetiches caracterizan esta corriente, donde evocan los nuevos comportamiento consumista, siendo diferente aquella que se había conocido anterior a la ll GM y en la posguerra. Es una sociedad que se caracteriza por gestar una nueva iconografía repleta de signos que quiere transmitir optimismo, buscando un progreso imparable. Coincide con el inicio de una recuperación económica tras la || GM, llegando a ver que el sueño americano para una realidad irrevocable, siendo muy amplio. Este tío de publicidad entro de forma tímida en España. Es el momento donde nuestros padres conocieron la irrupción en España de productor americanos que no se conocía hasta ahora. Como signo de ese sueño americano, que empieza a irrumpir en todo el mundo occidental. La estética pop sirio para despertar la sociedad de consumo, mediante unas imágenes que pretende mostrar un mundo feliz y alcanzable. Solo se comprendía en las grandes ciudad, las áreas con menos desarrollo industrial no se veían reflejadas en este movimiento. Otro síntoma de progreso y cambio de mentalidad es la década del Baby Boom, aumentado la natalidad, que contribuye a la consolidación del progreso y euforia. Conmemorara un nuevo lenguaje que compendia la nueva vida que se esta desarrollando en las nuevas ciudades, repleta de anuncios, donde los cómic cobra un momento dorado, donde se desarrolla nuevas técnicas, y aparece un perdido duele para el campo de diseño industrial. La creaciones del arte pop pretendía reflejar el progreso y cambio de la sociedad, y en otras ocasiones tenia un carácter critico. Desde ellas galerías y museos de Manhattan se consagra este arte pop por excelencia, frente las criticas de los intelectuales vanguardista. Las claves del Pop Art - Reacción a la abstracción del Expresionismo y del Informalismo. Movimiento cultural que se presenta como reacción frente a la abstracción, de forma radical. - Recuperar la figuración desde el consumismo, de forma agresiva e impactante a la vista. Se adueñan de las imágenes consumidas diariamente por millones de personas. - Rechazo de la complejidad conceptual, ante un arte que se había convertido casi inteligible. - Puesta del arte en sintonía con la sociedad del momento. - Adecuación a las nuevas tecnologías. En el ámbito visual implico la entrada en las artes de la reproducción digital, de las artes gráficas,, que contaba con la reproducción mecánica y múltiple. La maquina se convierte en la gran creadora de los artistas. La maquina incluso se convierto en el elemento que dominaba el paisaje de las ciudades. La maquina acabaría siendo un elemento que participase en el proceso creativo. - Empleo de un colorido contrastado y bien definido dentro del amplio mundo publicitario. - Supresión del componente subjetivo a favor de la mayor objetividad posible. Aquí desarrolla un papel fundamental la maquina, se entiende que el artista siempre va a añadir algo mas subjetivo a trabajo directamente sobre el soporte artístico. La maquina se entiende como algo que no piensa, mecánico y elimina cualquier tipo de expresión. La producción industrial y seriada se traslada a lo artístico. - Uso de un lenguaje, una técnica y una iconografía industriales, dentro de las artes plásticas, persigue el reconocimiento de la sociedad de consumo e intento de crear un arte articulado dentro del tejido social, que la sociedad se sienta identificado. veces, jugando con una diferente incidencia del reflejo en determinada botellas GOLD MARILYN MONROE 1962 Es la obra que mas veces a trabajado y cambiado de formato, de forma seriada. Es el rostro de Marilyn que parte de este original del 62. Era vista en aquel momento el icono dorado de la época, era deseada. Warhol le proporciona un tratamiento que alude a los fonos neutros y dorado que alude a la eternidad, caray ser mítico del personajes, propios de la pintura bizantina. Era una personalidad criada bajo un clima religioso familiar bastante solido, el tenia conocimiento de traiciones religiosas. Mercantilizará esta imagen, retocara y con gran colorido, artificial y con tonos chillones que contrasta con el fondo dorado, que ya de por si impacta. Mediante estos trabajo ayudo a engrandecer el mito de Marilyn convirtiéndola en una estrella, siendo el gran icono de la cultura del consumo del arte Pop. Lo mismo hará con otros personajes como Elisabeth Tyler o Elvis Presley. SUICIDE 1963 En la década de los 60, sufre un accidente de trafico en el que casi pierde la vista. Empezara a usar nuevas técnicas, con pistolas a presión. Coincidiendo con los accidente que sufrió, va a realizar algunas obras que hace referencia directa a la muerte. Representara calaveras, pero buscando una perversión en el tema de la muerte, suicidios, que se dedica a dar una nueva mirada. En esta toma una foto de una mujer que se suicidio tirando desde gran altura aun coche. La transforma de gran manera, buscando mostrar ese nuevo mensaje y lectura, ridiculizar aspectos y sucesos que formaba parte de la vida cotidiana. En aquellos momentos e daba muchos suicidios. Toma esta fotografía y la reproduce de forma seriada con distintas tonalidades. ROY LICHTENSTEIN 1923-1996 Empieza a despertarse a finales de los años 50, en una etapa muy madura, donde hace una pintura expresionista, donde a veces incluía figuras de la películas de Walt Disney. Habra que esperar a que estalle en boom consumista de al decaía de los 60, para que empiece a tratar imágenes a partir de un dibujo de carácter sintético y que rellenaba bien a la amena de Warhol o bien a través de un entramado. En un principio enseñaba elementos de la vida cotidiana, donde incluía objetos tribales como un teléfono. Su tema predilecto fue el lenguaje de los cómics , que el lo entienda como la nueva forma de enfatizar la expresión lingiista del arte. No solo usara el mismo vocabulario formal propio de los cómics, si no que copiar directamente las imágenes de los cómics. La idea constipa en tomar una viñeta y convertirla en un cuadro. Lo hace simplemente por ser cosas que están hay, sin tener en cuenta su carácter narrativa, el las copias como un reglamento de la realidad de un mundo poblado de imágenes. Mas adelante amplia su repertorio al añadir imágenes del mundo del tebeo, viñetas procedente de libros de historia, tiras comíais de periódicos. Todo esto lo complementa con la incorporación de brochazos como método pictórico. Transformó la viñeta de los cómics en pinturas de gran formato, mostrando la propia trama de la imprenta al trabajar sobre el papel, adaptándose al tipo de colores de la imprenta, en base a tonos homogéneos donde predominaba los contratare entre el amarillo, rojo y azul sobre fondo blanco. A pesar de ser obras creadas de forma manualmente, se genera una impresión de haber salido de una impresión mecánica donde sobresale esa homogeneidad de la malla de punto que genero la imprenta. Amplia esos tebeos a gran escala convirtiéndolo en una gran textura visual. A corta distancia, los puntos y contornos negros adquieren rasgos de elementos abstractos se repite de manera rítmica. La composición pictórica resulta plana y predomina el brillo de colores homogéneos. Genera la idea de que es una representación convencional definida por punto y gruesas lineas de color negro, despojando a la escena de todo contenido dramática, mostrando su valor decorativo. DROWNING GIRLD 1963 M-MAYBY 1964 Lo que vemos es que convierte en pintura lo que hasta ese momento era una imagen que se reproducía de manera múltiple. Se descontextualizada el componente narrativo de una viñeta. No suele ponerse de forma individual. Lo que hace es aislarla y desprotegerla de ese componente narrativo. Las proporciones son de gran tamaño y adquiere un rasgo plásticos. El hecho de ser imagen seriadas e convierte en una marca propia del autor. La apropiación mecaniza de un fragmento que quiere ser representado como tal no impide la representación de una imagen concreta. El objeto es convertir estos trabajos en pintura JAMES ROSENQUIST 1933-2017 Sus creaciones son una especie de collage de escala monumental donde agrupa imágenes distintas que son reflejos de la yuxtaposición de elementos icónicos a la hora de representar el paisaje moderno. Lo que representa son vayas publicitarias por yuxtaposición de imágenes. Recoge ese testigo que aparece en las grandes vayas publicitarias. Es muy conocido por su obra es I LOVE YOU WITH MY FORD 1961 Se trata en este caso de una superposición de 3 bandas de imágenes que pertenece a la publicidad urbana de este momento. Las copias sin transformar ni establecer conexiones explícitas entre ellas. En primer lugar esta el morro de un Ford, que se convierte en un ejem esto codiciado de las clases medias, como simbolo de estatus. Debajo hay un fragmento de una imagen erótica que se va abriendo paso a través de la novela gráfica, carteles de cine y por ultimo la publicidad de las comidas precocinada y para llevar, siendo elemento propio. Sus obras son casi murales, de enormes dimensiones. Usa para realizar sus pinturas el aerógrafo. Habrá una síntesis formal con la que ejecuta la superposición de imágenes. Lo que hace es relaborar esos mensajes visuales restando todo tipo de significado, buscando un componente dramático y narrativo, mezclando y uniendo imágenes de gran ambigiledad, buscando la falta de significación. Algunos críticos han relaciona su técnica del collage con el dadaísmo, pero si se compara con esas obras del movimiento dada, son pinturas sencillas, donde busca la socialicen inmediata de cualquier ciudad. PRESIDENT ELECT 1961 Coge distintos elementos de carteles. De nuevo esta el Ford, elemento de distinción social, de clase media. Vemos colores de la bandera americana, la sonrisa de Kennedy, un trozo de tarta, puede significar cualquier cosa. Son elementos llamativos y reconocibles en aquella época. FRENCH FRUES AND KETCHUP 1963 Son casi como cojines, aunque sea un plato de patatas fritas. Hace que el espectador quiera acercase lo mas posible. La publicad de la sociedad de consumo se vuelve más agresiva, es la publicad del pruebe, como ocurría con la venta de coches. Con estas obras, pretende provocar una modificación en la perfección distraída y estereotipadas de los objetos que nos rodea. Pretende dar una lama de atención, para que la imagen requiera ese protagonismo como imagen individual. Inventa un mundo nuevo, de objetos gigantescos, con ele que nos invita a remodelar nuestra propia mirada para contemplar ese mundo en ele eu vivimos y abrir una puerta a la existía de la fantasía. THE PICKAXE 1982-ALEMANIA Se le encarga para estar presente en el en torno del río Kassel, tiene ese trasformo del mundo de la fantasía, de sentirse pequeño en un mundo grande GEORGE SEGAL 1924-2000 Se intereso dentro de la escultura, por los lugares comunes de la sociedad contemporánea. Hará que el espectador tome siempre una posición protagonista del ser humano sobre la obra de arte. El lugar de tomar refuten las imágenes de las comida de consumo, reduce la imagen del hombre al estereotipo anónimo y destina su trabajo a lugares comunes y mediante sus esculturas reproduce acciones comunes que se inserta como un elemento mas de al vida cotidiana. Sus creaciones lanza un mensaje desprovista del recurso a lo cotidiano. Busca que sea un punto de reflexión para la sociedad. Usara figuras d escayola que las rodea de objetos y elementos de origen industrial, fragmentos de arquitectura, semáforos, vayas, acentuando ese carácter de verosimilitud. Son obras realizada a tamaño natural, a escala humana. Son vaciados de escalos realizado a partir de piezas cotidianas y telas impregnadas en escayola. Busca dotar de mayor realismo a los elementos textiles con los que recubre sus figuras. Usa las telas porque la trama textil sobre la escayola genera una estructura similar a la piel real, humana, dotándole de mayor verdad. HOLOCAUST 1982, SAN FRANCISCO Ejemplo claro de como capta a ese hombre como estereotipo anónimo. Ya no hay un esquema de Idolos ni simbolos, se reduce al hombre común que se le quiera dar protagonismo. Ademas hace esa representación cruda y a escalda del holocausto, en un parque donde esta situado. Es algo que se encuentra un ciudadano de forma casual en un parque, que invita y se siente identificado y forma parte al insertado en el mundo cotidiano y sirve como punto de reflexión critica al narrar uno de los sueldos mas crudos de la historia del siglo XX. No representa tanto al ser humano como sus actitudes. Representa las actitudes banales, las que ele secador se siente reconocido. Los robots no son comunes, despersonalizados, singulares. Cada obra tiene su rostro diferenciado de las demás, individualizadas, cada uno de nosotros vive en un mundo diferente. WAL, DON T WAL 1976 Mediante esta comprensión y forma de crear arte, representa de forma simultánea, al ser humano concreto y ele estereotipo de ser humanos eu reconoce. Todo esto esta potenciado de un tratamiento uniforme de esculturas en escayola, sin policromar, cubierta con un color blanco que enmarca aun mas la identidad de esas figuras. No son solo personajes anónimos, son símbolos del hombre moderno, que presenta acciones cotidianas, pero busca ese punto de reflexión. Aquí representa a 3 personas que vana cruz la calle. El punto de reflexión critica esta en el semáforo, que cambia su mensaje, es el fruto de la critica de la sociedad de consumo donde contiamuenqte la sociedad dice como debemos actuar. POP ART BRITÁNICO Surgió en un contexto de posibilidad, después de la segunda Guerra Mundial la sociedad busca relacionar los concepto de felicidad y consumo que se consolidaba a través de mensajes publicitarios. El cambio de paradigma cultura a tres de los medios de comunicación fue un focos de atención para artistas de arte y críticos. Surgió de esta manera lo que se llamo como estética de la abundancia que establecía un nexo de union de las codead e consumo y comunican masiva. Un grupo de artista británicos, acompañes del critico de arte Lowrence Alloway, quien crea el termino del arte Pop en 1952, donde crea un grupo independiente de artista asociado a un instituto contemporáneo de Londres que había formado Richard Halminton. Comenzaron a trabajar con collage y elementos publicitarios. Fue un italiano, Eduard, quien comenzó a trabajar y a ser reconocido en ese tipo de montajes de collage que comenzó en la transición de los años 50 a los 60. Busca representar los grandes personajes de la época, entorno. La nueva sociedad humana. Sus composiciones quieras rayaban mas en el amito del dadaísmo y surrealismo por su complejidad, haciendo que sea difícil de inscribir en el arte pop. Este grupo independiente celebro dos exposiciones, en la galeria de Londres. Fueron determinantes para que el arte pop consigue su consolidación y caracteres. L primera exposición, del 53, constipo en una muestra de fotografías sin ningún criterio de orden y jerarquía, con la idea de mostrar que eran elemento del mundo cotidiano. La exposición del 56 giraba entorno a las ideas de las diferentes arte con el trabajo de equipos. Se podía ver distintas imágenes que buscaba esa imagen densa e irónica en la que vivimos, tomando elementos que define el artes. RICHARD HAMILTON 1922-2011 Desde un primer momento se sintió atraido por el cambio producido por las nuevas tecnologías y medios de comunicación. Fue un interesante escritor dentro del movimiento. Hizo importantes aportaciones teóricas. En una remodelación encanto la enseñanza de crear y entender el arte en una sociedad nueva. Su teoría fue de gran relevancia como ideario del movimiento Pop en reinado unido. En su producción fue muy importante de los avances de las maquinas, de hecho se tomo como el iniciador del arte pop. Busca una estética de lo común. JUST WHAT IS IT THAT MAKES TODAY“S HOMES SO DIFFERENT, SO APPEALING 1956 Fue la primera obra realmente pop, sirviendo de cartel para la exposición del 56.