trabajo sobre la pelicula del padrino, Guías, Proyectos, Investigaciones de Historia del Arte

¡Descarga trabajo sobre la pelicula del padrino y más Guías, Proyectos, Investigaciones en PDF de Historia del Arte solo en Docsity! CONTEXTUALIZACIÓN de Inés Miranda Ruiz A menudo se designa a la época clásica del cine estadounidense anterior al New Hollywood como la edad de oro, en referencia al cine producido por las majors desde comienzos de la década de 1930 hasta mediados de los años 1950s cuando las corrientes de renovación comenzaron a poblar la cinematografía de otras latitudes. Las películas estaban limitadas por las estructuras de producción y los géneros cinematográficos heredados de la época del cine mudo, como el star-system de la dream factory o fábrica de sueños. Muchas películas de la época dorada se clasificaban de acuerdo con un género bien definido que incluía a sus estrellas claramente identificadas como Cary Grant para la comedia, John Wayne para el western, Errol Flynn en las películas de aventuras. Durante décadas, las majors controlaban toda la cadena de producción, desde el guion hasta la distribución, incluido el montaje. Este sistema de producción era rentable tanto comercial como artísticamente. A pesar de esta automatización en la elaboración de películas, directores de renombre como Frank Capra, Howard Hawks, John Ford, Alfred Hitchcock, John Huston y Billy Wilder crearon en él sus películas de referencia y fundaron nuevos estilos. En esa época, muchos de los mejores realizadores, guionistas, actores, directores de fotografía y compositores de todas las nacionalidades trabajaban en Hollywood, gracias especialmente a una cierta comodidad en el trabajo. La calidad técnica de las películas tenía un importante nivel. Pero la fórmula del éxito estaba cambiando y, con el advenimiento de la televisión, Hollywood se sintió amenazado y respondió mediante la producción de epopeyas monumentales, como “Los diez mandamientos” o “Ben-Hur”, e inventando y popularizando innovaciones técnicas como el Cinemascope. Muchas de las películas del viejo Hollywood se desarrollaban en un mundo idealizado y respondían a las exigencias de un público en busca de entretenimiento que no quería ser confrontado a la realidad social. En la década de 1960, la fábrica de sueños de Hollywood y las fórmulas que había ensayado alcanzaron un punto muerto. Las carreras de directores de renombre como Alfred Hitchcock o John Ford declinaban, y las estrellas de la edad de oro habían muerto (Humphrey Bogart, Gary Cooper), o estaban retiradas (Cary Grant, John Wayne). Los ejecutivos de los estudios, todos muy mayores, como Jack Warner, ocupaban sus puestos desde la época del cine mudo y habían perdido todo contacto con la realidad social del momento. El Hollywood que Kubrick dejó en 1961 estaba acosado por los problemas más graves con que se habrá tenido que enfrenar desde la Depresión de 1929 y la llegada del cine sonoro. A pesar de la caída de los ingresos de taquilla, con un descenso de novecientos millones de dólares en 1962, los estudios sufrían resistiéndose a aceptar el cambio que se habría producido en el público y desatendiendo las exigencias de los clientes más jóvenes y formados, persistieron en la fórmula para las masas que habría seguido desde los primeros días. Se opusieron a las técnicas de la nouvelle vague por miedo a que el espectador medio encontrara difícil seguir unas narrativas tan elípticas como las de Sidney Lumet. Por lo tanto, comercial y estilísticamente, Hollywood necesitaba una reforma urgente, así el proceso empezaría en 1967 con “Bonnie y Clyde”, la cual poseía una mezcla de acción, romance, comedia y alegoría política, era un hommage tan consciente a las técnicas de la Nueva Ola, que tanto Truffaut como Godard fueron tanteados antes de ser elegido como director Arthur Penn. El film fue criticado por su violencia y por ir en contra de lo establecido. La película tuvo un gran éxito entre la generación del boom demográfico y Hollywood aceptó la existencia de un público nuevo, al que da films con evidente crítica social y técnicas importadas de la nouvelle vague. Pero si “Bonnie y Clyde” reflejó las trabas cinematográficas que había entorno a la violencia y la muerte, “El graduado” de Mike Nichols en 1967, lo hizo con el sexo, la identidad y el futuro, encarnado en Dustin Hoffmann. Por otra parte Estados Unidos está viviendo en esta fecha una revolución juvenil, contra la guerra de Vietnam, por la igualdad racial, contra la sociedad burguesa, etc, y el cine no va a llegar al nivel de politización de otros cines, llegar a desaparecer. Por otro lado, culturalmente, estaban en crisis los valores que regían a la sociedad norteamericana donde fue Coppola quién encontró en el recurso del montaje alterno, el mayor constructor de sentido para la película., escenas de violencia intercaladas con rituales sociales (la mayoría religiosos) que el director utilizaría para mostrar la fachada social en la que se oculta el poder. No se trata de un film sobre la mafia, ni tampoco sobre la familia. Es una película sobre Estados Unidos, sobre el capitalismo. Sobre la estructura mafiosa del capitalismo, para ser más exactos. La paradoja, como con los films de gansters de los años 30, es que El padrino es una exaltación más que una condena). La primera frase que se escucha (incluso antes de que el fundido descubra a quien lo dice) es: “Yo creo en América”. Una declaración de principios que esta cinta critica y a la vez hace suya. El padrino es de algún modo el primer post-western de la historia del cine: lejos de la visión romántica del Oeste que en ese momento moría, el film de Coppola es un film sobre la ética siciliana y el espíritu del capitalismo: el único Estado posible bajo el imperio del capital es el que impone una mafia sobre otra. En ese sentido, el devenir de un padrino en otro (y la tragedia de ambos) representa la clausura del “sueño americano” en el momento mismo en que se cree alcanzarlo. Una paradoja que Ford no podría haber filmado, y que sólo fue posible con el advenimiento de Coppola como nuevo padrino del cine norteamericano. “El Padrino” es pausado, envolvente, hipnótico. Cine negro, tragedia griega, Shakespeare, la familia, el tiempo, la lealtad, el respeto, la venganza, la violencia, la corrupción de la inocencia, la redención… Mil y un temas y referencias, imposibles de aglutinar en su totalidad. El dramático fatalismo de las tragedias, los personajes obsesivos, las reflexiones sobre el poder, el destino, también fatal en muchas ocasiones, de los dramas y tragedias shakesperianos, el sabor y ritmo del mejor cine negro, multitud de referencias literarias y cinematográficas atravesando continuamente sus fotogramas y trama, desde Maquiavelo a Goethe. La dirección de Coppola es de un clasicismo absoluto y si bien tiene elementos que nos permiten situarla en los 70, su trabajo es intemporal. Coppola siempre ha acertado con el tono de sus cintas, te mece, te baña en claroscuros y nocturnidad, te zarandea con arrebatos crecientes, te aterra de placer, te deleita de horror… “El Padrino” posee una tensa progresión dramática que es ejemplar, cogiendo lo mejor de la tragedia griega, el cine negro y de gangsters, la sabiduría dramatúrgica de los clásicos. Una obra maestra descomunal y sin parangón, donde fondo y forma deslumbran en cada plano, donde todo elemento técnico y artístico resulta perfecto. Una atmósfera tan confortable como incómoda en ese juego de contrastes que también es habitual en muchas obras maestras. El retrato que hace Coppola está repleto de matices, es un grandioso fresco sobre la mafia, sobre las costumbres ítalo-americanas, sobre la familia, sobre América, de la que todo parece una metáfora. QUE’CLASE DE MUNDO DESCRIBE? de Francisco Javier Ruiz Cano La recia atmosfera que Coppola confiere a la película es el resultado de la comunión entre los antagónicos marcos donde la acción se ubica. Por un lado, la América de mediados del siglo XX, la tierra de las oportunidades, pero también de unos valores que agonizan aquejados por el vicio y el oropel, y donde aquéllos supeditados al poder participan de una encarnizada contienda por agarrar las migajas. Por otra parte, la Sicilia donde se fraguaron aquellos valores a los que se ha jurado plena lealtad, los cuales la convierten en una tierra hostil, pero a los cuales hay que aferrarse por el honor de a tierra al que sólo la sangre puede lavar en caso de mancillarlo. Una Sicilia de tradiciones, plenamente europea, donde claramente queda patente su idiosincrasia mediterránea. Y así, de la combinación entre suntuosidad y esa obstinación castiza nace la mafia siciliana o, como es conocida coloquialmente, la La Cosa Nostra. En la película queda patente la ambición de Vito Corleone, jefe de la familia, que a diferencia de los miles de inmigrantes italianos no aceptó la vida en América a condición de vivir bajo el yugo del Tio Sam, por lo que luchara a cualquier precio por trepar hasta el escalafón de aquéllos que mueven los hilos del sistema. Su triunfo es evidente, y de esta forma consigue aquello por lo cual llevaba luchando desde que puso un pie en esa tierra, dinero y poder. Dos buenos ejemplos de ello es, en primer lugar, las acciones represivas que profiere al productor de cine para conseguir que su ahijado, Johnny Fontane (posiblemente una adaptación de Frank Sinatra), trabaje en su película. Acciones que no son tan ortodoxas como persuasivas. Por otra parte, dado el enorme patrimonio que consigue amasar llega a comprar a políticos y jueces, una crítica al sistema establecido donde todo valor e ideal queda subyugado al poder del dinero. TEMA RELIGIOSO Y ANALISIS DE LA PRIMERA SECUENCIA de Anna-Lena Probst, Sara Micello y Chiara di Perna La religión católica tiene una función latente en El Padrino, porque el quinto mandamiento del decálogo de la Iglesia Católica “No matarás”, claramente está abusado durante toda la película. Referencias a la Iglesia en ningún momento resaltan especialmente, más aparecen dentro de frases hechas o de costumbre. Los rituales católicos, en general, se ve como iniciación al mundo de Dios, de protección, salvación y beneficencia. Para los personajes de El Padrino, los rituales también son importantes en este sentido (a lo mejor más para las mujeres que para los hombres). Pero parece que la función primaria que tienen las bodas, los bautizos y los entierros es la iniciación al clan familiar, el espionaje de los otros, los acuerdos clandestinos, las miradas ocultas y el aclarar y conocer los límites de las diferentes partes presentes en estos eventos. Igualmente son usados para planificar actos violentos porque son reuniones amplias donde puede hablarse bajo la protección del ritual católico. LA LUZ Y EL COLOR de Chunyu Wu La estética cinematográfica es expresada por dos elementos más importantes: La luz y el color, sobre todo en la película El padrino 1 hemos visto una excelente utilización del juego de la iluminación y el color. A través del juego con las luces y las sombres, se han realizado perfectamente las descripciones de las sensaciones y las actividades psicológicas de los personajes y los ambientes naturales y sociales. Con los colores, especialmente el color blanco y negro, nos expresan las distintas sensaciones sobre la alegría y la tristeza en la mayor medida. Para analizar las funciones de la luz y el color de la película, ponemos un ejemplo del comienzo hasta la boda de la hija. La película comienza con un fondo todo negro, la tonalidad interior es negra también y utiliza una tenue luz de techo para la iluminación, transmiten los presagios misteriosos, siniestros y ominosos. El negro no solo es el estilo visual, sino también la metáfora del tema. El fotógrafo Gordon Willis utiliza el método de baja iluminación para la distribución óptica, basado del método de la iluminación Rembrandt del gran pintor holandés del siglo XVII. A Rembrandt le llamaban “el gran maestro mágico de la luz y la sombra”, se especializaba en delicadas técnicas de sombreado, destacaba el contraste de la luz y la sombra, entretejía un resplandor misterioso entre la luz y la sombra, para transmitir la sensación de virtual y real, evocaban los misterios más íntimos de la gente." Y en la película El padrino también se utilizaba esta manera iluminativa y expresiva como Rembrandt. En las primeras secuencias de seis minutos interiores, Don Vito estaba disponiendo los actos de violencia, mientras que olfateaba una rosa roja del pecho con elegancia. El color rojo como el matiz particularmente llamativo (aludió su identidad del padre de la novia) se convirtió en el punto de empalme de las transiciones. Y luego con un “corte jump” la escena convirtió a la boda en el jardín al aire libre, se iluminó repentinamente la pantalla, el ambiente cambió totalmente por la luz y el color, el sol daba mucha luz y la pantalla fue teñido por amarillo dorado, y las ropas de las señoras invitadas eran de colores cálidos, componían el ambiente alegre y feliz. El color amarillo dorado formó la tonalidad de toda la película con el color negro, la pantalla llenaba del color clásico, Gordon Willis ideó fomentar el estilo visual de 1940 en Nueva York. La iluminación trabajada sobre los rostros de los personajes y en los decorados, de manera que solo para mostrar aquellos relevantes y que interesan, dejando el resto en abundantes sombras. En cuanto a los personajes, Don Vito tiene siempre una iluminación especial que endurece sus facciones, por ejemplo al principio de la película, en la que un largo travelling hacia atrás nos presenta al personaje en el espacio y luego nos muestra a Don Vito con una tenue silueta y una iluminación suave. Y el rostro de Michael también recibe una iluminación diferente al principio y al final: una luz plana y suave, que expresa su carácter simpático y bondadoso del comienzo, y una luz más fuerte, con sombras, más parecida a la de su padre y que igualmente muestra el endurecimiento de su rostro y la crueldad de sus acciones al final. En toda la película se veía una conciliación del color negro y amarillo dorado, y de la iluminación entre la luz y la sombra. La tonalidad negra está aludiendo que las transacciones de las mafias son invisibles y negativas, se llevaban a cabo solo debajo de una atmósfera tensa y seria. Las transacciones siempre son negativas, trataba de los asesinos, violencia y crímenes, etc. Y el color negro también expresaban las sensaciones tristes, peyorativas y consistían los caracteres del padrino. No solo reflejaba al padrino Vito, sino también a su sucesor Michael, el color negro al principio no acompañaba a Michael, pero después de metió en las venganzas de su familia, cada vez su personaje caminaba más cruel y frío como su padre. No estoy de acuerdo con la idea de la película hizo una apología de la Mafia. Se puede entender a través de dos maneras, primera, desde la perspectiva de la trama y la estructura de la película, el contenido se trataba una historia de un joven militar estadounidense, al principio no quería meterse a la mafia familiar, pero al final se convirtió a la cabecilla de la mafia más importante de los EE.UU. de los años 50, la película contaba cómo cambió su idea y cumplió el fin de tomar el torno de la herencia familiar. Según toda la historia, supimos el destino que quería llegar el joven Michael no eran los crímenes, sino una justicia, era justicia que cumplida y protegida por las mafias, eran prohibida por las leyes o ignoradas por las oficiales de policía en este momento, muchas de estas justicias eran populares y demandadas por la gente, en otra manera, podemos decir, Michael no le había cambiado su convicción de justicia, sino se transformó en otra manera para representarla. La estructura de la película era heroica, el idea principal no era la mafia pero la justicia, no se podía apoyar la película es una apología de la mafia. Segunda, según los sentidos y las costumbres de la utilización de la luz y el color en cine, la película tuvo la tonalidad de negro y amarillo dorado, negro estaba describiendo un ambiente negativo, dejando todas las transacciones de crímenes en la oscuridad, e informando al mundo las mafias no son visibles, si analizamos a través del rostro de Michael, el cambio de la iluminación de él dio una vuelta, y sus caracteres también cambian totalmente, de una persona simpática y bondadosa a una persona cruel y fría, entonces, a través del aspecto del color y la luz, se puede considerar el protagonista se convirtió en una persona con muchos caracteres oscuros y negativos, tampoco era una apología de la mafia. Michael decide ir. Durante la comida los mata a ambos, como estaba planificado, y tiene que huir a Italia a esconderse. A partir de este punto, la película se divide entre la guerra de las familias en Nueva York y la vida de Michael en Italia. Michael se enamora de una muchacha, contrae matrimonio y comienza a llevar una vida bastante tranquila. Mientras, Don Vitto sale del hospital y vuelve a casa. Pero los Corleone son traicionados por su cuñado, lo que significa la muerte de Santino. En Italia, la esposa de Michael muere producto de un coche bomba. Don Vitto decide hacer un trato con las otras familias para que no haya más muertes y para que Michael pueda volver. Una vez que Michael vuelve, Don Vitto se retira del negocio y lo deja a él a la cabeza. Michael hace a un lado también a Tom, dándole más protagonismo en la familia a su cuñado para hacerle creer que no sospechan de él por la muerte de Santino. Fredo es enviado a hacerse cargo de los negocios en Nevada. Don Vitto se encarga de enseñarle a Michael todo lo que necesita saber para ganar la guerra de familias, y poco después fallece. Tras la muerte de su padre, Michael se dedica a vengarse de todos los que traicionaron y/o dañaron a su familia, incluido su cuñado. La película termina con Michael convirtiéndose completamente en el nuevo Don Corleone. 4. Reparto-Personajes 4.1.Vito Corleone Marlon Brando es Don Corleone, el jefe y padre de la familia Corleone. Es un gran líder, un hombre que sitúa la amistad, la lealtad, y la familia en lo más alto de la lista de virtudes, que tiene un código de honor que lo hace despreciar el tráfico de drogas, y que valora su palabra. Vito es un líder de la mafia por naturaleza, con la capacidad de manipular la psicología de sus adversarios y de reclutar nuevos aliados. Su esposa es Carmella Coreleone (Morgana King), es la la matrairca de la familia, representa la mujer ideal debido a su obediencia y modestia. 4.2.Sonny Corleone James Caan interpreta a Sonny Corleone, Sonny es el primer hijo de don Vito y Carmella, éste es cracterizado por la dureza, la valentía, impulsividad y es mujeriego. En la película se le ve como el underboss de la familia. Santino sería el sucesor digno de un hombre como don Vito, por su carácter duro y su fuerza física. Santino se vengó con violencia de Carlo Rizzi, el esposo de su hermana Connie, porque seguía maltratándola. Carlo, enfadado, vendió a Sonny Corleone a la familia Barzini: Sonny Corleone muere tiroteado por los miembros de la familia Barzini en un puesto de peaje, en la carretera. La muerte de Santino fue la causa de que se firmara finalmente la paz entre todas las familias de Nueva York. 4.3.Fredo Corleone Interpretado por John Cazale, fue considerado en la familia como el más débil y el más tonto de los cuatro hermanos, y le fueron dados para dirigir negocios sin importancia. En una escena fundamental en la novela y en la película, Fredo intenta atacar inmediatamente después del atentado contra su padre en una calle de Nueva York a los hombres que le dispararon, ellos trabajaban para un traficante de drogas con el que don Vito se negó a hacer negocios; sin embargo, busca el arma, se le cae, y es incapaz de contraatacarles. Entonces se sienta en un lado de la calle, al lado de su padre inconsciente y llora. 4.4.Tom Hagen Interpretado por Robert Duvall, es el hijo adoptado de Vito que hereda la posición de consigliere en el momento que Genco fallece, convirtiéndose en el asistente legal de los asuntos comerciales de Vito. En el Padrino Hagen va hacia Hollywood para convencer a un de que le dé el papel de su película a Fontane a cambio del favor de no decir que uno de sus empleados ha caído en la heroína y tiene problemas legales. El productor aunque se niega a aceptar a Johnny. Hagen consigue una "negociación" bastante famosa en la cultura popular, al asesinar al caballo favorito de Woltz y demostrarle que tanto él, como principalmente el Don, tenían el poder de asesinarle como y cuando quisieran, a pesar de sus relaciones. 4.5.Michael Corleone Es hijo de Vito, al principio, Michael (Al Pacino) no quería participar en los "negocios" de la familia la familia Corleone, por lo que ingresa en el Dartmouth College, de la prestigiosa Ivy League, donde conoce a su futura esposa, Kay Adams (Diane Keaton).910 Tras la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, se alista en la Marina, y lucha en el frente del Pacífico. Cuando su padre es casi asesinado, se ofrece voluntario para vengar este atentado y asesinar a los responsables. Después de vengarse, Michael se marcha a Sicilia, donde permanecerá varios años. Allí en Sicilia se casa con Apollonia, pero ella muere por un coche bomba que estaba destinado para Michael. En Sicilia se entera del asesinato de su hermano mayor Sonny, por lo que vuelve a Nueva York. Allí, de mala gana, es envuelto en los negocios criminales de su familia, sustituyendo a su difunto hermano como cabeza de la familia, bajo la supervisión de su padre. Después de la muerte de su padre, se convierte en Don de la familia Corleone. Antes de su muerte, su padre le había Vito había advertido de que después de su fallecimiento, el jefe de los Barzini intentaría matarle, con la excusa de mantener un encuentro para firmar la paz entre las dos familias. Michael ordena la muerte de los jefes de las familias mafiosas de Nueva York. 4.6.Connie Corleone y Carlo Rizzi Connie (Talia Shire)