Scarica confronto van gogh - monet e più Appunti in PDF di Elementi di storia dell'arte ed espressioni grafiche solo su Docsity! Claude Monet, Impressione, sole nascente, 1872, olio su tela, 48 x 63 cm. Parigi, Musée Marmottan Claude Monet scelse di dipingere en plein air, dipingendo immagini di paesaggi. Impressione, sole nascente è, infatti, una veduta del porto di Le Havre osservato nel momento in cui sorge il sole. Alcune imbarcazioni solcano il mare e sullo sfondo si vede la vita industriale della città. Così, tra la nebbia e i fumi della lontananza, si notano alcune ciminiere. è dipinto con veloci pennellate accostate senza fusione fra loro. Le forme dell’ambiente, le imbarcazioni, gli edifici di sfondo e le attrezzature, sono dipinti con la stessa qualità pittorica delle onde. I colori vengono accostati senza chiaroscuro per creare le forme che vengono suggerite e ricomposte nella nostra attività di osservazione. Nel dipinto di Monet Impressione, sole nascente i colori sono accostati per suscitare il massimo della sensazione luminosa. L’artista seguì le indicazioni di Michel Eugène Chevreul. Lo scienziato suggeriva, infatti, di accostare colori puri, utilizzare contrasti di complementari e non utilizzare il nero. Questi accorgimenti permisero di creare immagini retiniche più efficaci nel rappresentare impressioni luminose della realtà. Il dipinto è diviso in due metà sovrapposte. La parte in basso è occupata dall’acqua della manica. La metà superiore, invece, dal cielo contro il quale si stagliano le architetture urbane, industriali e le gru dei pontili. Monet nella sua opera Impressione levar del sole vuole regalare allo spettatore un’emozione: quella provata di fronte l’alba. Un momento particolare, in cui all’orizzonte non si distinguono nettamente le forme degli edifici, il cielo rosseggia squarciando il nero della notte e le acque riflettono i mille colori del sole e delle nubi. L’acqua e i suoi mille riflessi, infatti, è un tema molto presente nelle opere di Monet, come vediamo anche nelle ninfee di Monet. Vincent van Gogh, Campo di grano con volo di corvi, 1890, olio su tela 50.5 cm x 103 cm. Amsterdam, museo Van Gogh Su un campo di grano ormai maturo vola uno stormo di corvi neri. Dal primo piano una stradina fende gli steli dorati e si perde nel campo in lontananza. I bordi del sentiero sono popolati da erba verde. A destra invece, il campo confina con il terreno argilloso. Nel cielo scuro vorticano nubi nere che si confondono con il volo dei corvi. Non vi sono documenti storici che permettano di stabilire se Campo di grano con volo di corvi sia stato realmente l’ultimo dipinto di van Gogh. Infatti, grazie alla sua potente forza evocativa di uno stato d’animo tormentato, il dipinto è spesso indicato come il testamento spirituale dell’artista. I tre sentieri che fendono il grano, secondo gli studiosi, simboleggiano le alternative professionali e umane che hanno pesato drammaticamente nella vita di Vincent van Gogh. Inoltre, probabilmente, anche il contrasto tra il giallo dorato e il blu scuro del cielo rappresenta la lotta tra luce e oscurità, vita e morte. Vincent van Gogh fu un artista post-impressionista insieme a George Seurat, Paul Gauguin e Paul Cézanne. Nelle sue opere le figure sono solidamente definite da contorni. Generalmente critici e storici dell'arte vedono in questo quadro una rappresentazione dello stato d'animo tormentato e angosciato dell'artista: la tela è uno straziante grido di dolore, accentuato dal ritmo vorticoso delle pennellate,mediante le quali il pittore proietta il proprio stato d'animo e la propria dimensione di sofferenza sulla realtà circostante.
