Drammaturgia per gruppo tesina, Tesine di Maturità di Drammaturgia

Scarica Drammaturgia per gruppo tesina e più Tesine di Maturità in PDF di Drammaturgia solo su Docsity! Apprezzamento di “Sei personaggi in cerca d'autore” Sei personaggi in cerca di un drammaturgo è una commedia scritta nel 1921 dal brillante drammaturgo italiano Luigi Pirandello. L'opera introduce il tradizionale "gioco nel gioco", in cui due personaggi principali e due personaggi secondari sono disposti, rendendo strano e sorprendente il fenomeno comune, rendendo l'esperienza artistica più difficile e inducendo il pubblico a pensare razionalmente in mezzo alla sorpresa. Il pubblico non si trova più di fronte a un mondo di familiarità e insensibilità, ma a un nuovo tempio dell'arte. In superficie, lo spettacolo è una prova per una compagnia teatrale, ma in realtà è una tragedia familiare. La storia dei personaggi è il tema principale, che non vuole essere una storia umana stereotipata, ma piuttosto un'esplorazione delle cause della tragedia dei personaggi: la causa più profonda è l'esistenza della natura umana e degli stessi esseri umani. la natura umana e l'esistenza dell'essere umano. Un altro tema è l'esplorazione della natura del teatro, chiarendo in un colpo solo la relazione tra scena e realtà, forma ed essenza. Lo spettacolo sposta anche il teatro di Pirandello dalla tradizione italiana della commedia improvvisata al teatro modernista. 1. 1 Il contesto del periodo Storicamente, Sei personaggi in cerca di un drammaturgo fu scritto nel 1921, durante il periodo tra l'indipendenza dell'Italia e la vigilia della seconda guerra mondiale, un periodo di rapidi cambiamenti politici in Italia. Gli anni di guerra e di militarismo avevano aumentato il peso sul popolo italiano, che viveva in estrema povertà e in ulteriore conflitto con i suoi governanti. La debolezza, la povertà e l'arretratezza dell'Italia post-indipendenza mostrarono che non aveva nulla in comune con l'Italia ideale proposta dal movimento di rinascita nazionale e crearono una generale "disillusione post-rinascita" tra la borghesia in generale. E quando Mussolini, rappresentando gli interessi della grande borghesia, andò al potere, il controllo fascista pervase tutti gli aspetti della vita sociale, e la società nel suo insieme fu imprigionata come una lattina, fino alla miseria soffocante. Alcuni artisti decenti erano più consapevoli di questa dura realtà e hanno preso posizione contro di essa, consciamente o inconsciamente. Attraverso le sue opere, Erpilandro parla del senso di crisi, solitudine e disperazione della borghesia ordinaria, della triste delusione di un'epoca. 1.2 Il contesto artistico Dal punto di vista dello sviluppo artistico, Luigi Pirandello è considerato uno dei drammaturghi più innovativi e pionieristici del XX secolo, con le sue espressioni profonde e filosofiche della vita reale e il suo stile grottesco e infido di scrittura teatrale, che presenta un quadro complesso e profondo del funzionamento interno dell'uomo moderno. La commedia improvvisata italiana si è formata alla fine del Rinascimento, nel XVII secolo, ed è caratterizzata dall'assenza di un copione fisso, con gli attori che improvvisano le proprie battute secondo lo schema della commedia. "I personaggi sono stereotipati e hanno nomi fissi. In breve, l'improvvisazione e le maschere di testa sono le caratteristiche principali della commedia improvvisata. Dopo quasi 200 anni di sviluppo, l'improvvisazione italiana, con le sue tradizioni culturali nazionali, cominciò a declinare nella seconda metà del XVIII secolo, con il suo contenuto vuoto e le sue tendenze aristocratiche. Influenzato dalla tradizione teatrale europea, Goldoni usò la "commedia di carattere" per riformare la commedia improvvisata, sostituendo il contorno della commedia con un copione fisso e il dialogo improvvisato con linee fisse, scartando la mascherata e creando personaggi distintivi. Il Servo e due padroni di Goldoni è un prodotto della transizione dalla commedia improvvisata alla commedia di carattere nel teatro italiano. Sebbene la riforma dell'improvvisazione di Goldoni abbia gettato solide basi per la standardizzazione dell'improvvisazione italiana, possiamo ancora vedere alcune delle caratteristiche dell'improvvisazione tradizionale italiana nelle sue opere. Da "maschera" a "personaggio", Goldoni ha completato la specificazione dell'improvvisazione, mentre da "personaggio" a "ruolo "Dal 'personaggio' al 'ruolo', Pirandello ha fatto un altro salto qualitativo dalla tradizionale alla moderna commedia improvvisata italiana. Come maestro letterario modernista con una ricerca artistica e una filosofia teatrale uniche, Pirandello ha sempre mantenuto una venerazione per il tradizionale teatro nazionale italiano (commedia dell'arte) e ha fatto rivivere molte delle sue tecniche teatrali nelle sue opere, la più sorprendente delle quali era l'ampio uso delle maschere. Nei suoi drammi, Pirandello usa creativamente le maschere in diverse forme per costruire un mondo di luce e di luce, per tratteggiare la realtà della società umana e per rivelare le profondità nascoste dell'anima umana moderna, così che in Sei personaggi in cerca di un drammaturgo le maschere vengono finalmente spogliate della loro funzione tradizionale e diventano una parte importante della pratica scenica contemporanea di Pirandello. 2.1 Analisi del rapporto tra i personaggi e gli attori Ci sono due categorie principali nella drammaturgia: i personaggi incompiuti, e la dozzina di membri del gruppo della dramma. Per NOI, cioè i lettori del testo drammatico e gli spettatori dello spettacolo teatrale, entrambi sono “personaggi”; ma, siccome questa drammaturgia è una “drammaturgia nella drammaturgia ”, quindi il primo è relativamente il “personaggio” del secondo. All’inizio della storia, attori e direttore preparano a iniziare una prova teatrale sul palcoscenico, poi i personaggi incompiuti entrano in scena, e si interrogano con gli attori su qualche argomento, poi i sei personaggi iniziano a raccontare le loro storia, o più meglio, loro accusano “i crimini altrui” agli attori. Quando i sei personaggi raccontano, gli attori Pirandello esprime una nuova possibilità, una logica teatrale e relativa aperta, fluida, senza pregiudizi, una logica postmoderna, che in qualche misura coincide con l'arte contemporanea: dove c'è un movimento A, c'è un movimento anti-A, e dove c'è un movimento anti-B, c'è un movimento B immediato... In questo sviluppo di tendenze artistiche, non è il principio di "opposizione per amore dell'opposizione" che si stabilisce; infatti, può non avere una posizione o un punto di vista assoluto, ma ciò che si stabilisce in definitiva in questi movimenti di opposizione è una "logica estetica dell'uguaglianza", come si riflette in Nella commedia di Pirandello, questa è la "logica del soggetto uguale", in cui le identità degli attori, dei personaggi e del pubblico sono in uno stato di flusso costante. 2.2 Analisi dei personaggi Per enfatizzare la presenza dei personaggi stessi, in modo che possano distinguersi sul palco e affrontare il pubblico, viene rappresentato un altro soggetto dell'arte teatrale: l'attore. Il direttore della compagnia teatrale non è d'accordo a permettere ai 'personaggi', che non sono addestrati a recitare, di andare direttamente sul palco e chiede agli attori di recitare le loro vite sul palco, dicendo: "Gli attori sono una professione molto nobile, e sul palco possono dare al pubblico molte opere e vite immortali". Ma quando gli eroi e le eroine si esibiscono, gli attori giocano con trucchi artistici, capovolgendo il copione e facendo ridere di gusto i personaggi per quella che sentono come un'eccessiva finzione. In realtà, gli attori stanno creando una seconda versione dei "personaggi", aggiungendo la loro immaginazione e una forma di performance più attraente per il pubblico, che non si adatta perfettamente ai personaggi originali. Il conflitto tra i due soggetti è, in un certo senso, una negazione del ruolo degli attori, poiché i personaggi qui rappresentano le rappresentazioni più fedeli alla commedia, mentre le performance degli attori sono più le interpretazioni soggettive e le autoconclusioni dei personaggi spettatori, che sono contrastate dagli argomenti e dalle performance. Qui il 'personaggio' è messo in scena come una persona vivente piuttosto che un attore, il che rompe i confini originali tra la performance dell'attore e il personaggio vivente, e fa capire di più al pubblico i confini tra la forma della performance teatrale e la realtà del 'personaggio'. Il rapporto tra attore e personaggio Il rapporto tra attore e personaggio delinea la dialettica della verità e della falsità nell'arte del teatro. “Sei personaggi in cerca d'autore” è un'esternazione della mente del drammaturgo, un prodotto della percezione soggettiva della realtà di Pirandèllo, e ha una somiglianza con il teatro espressionista nella sua caratterizzazione. Oltre ai "forti contrasti" dei personaggi, c'è una forte tendenza a tipizzarli e concettualizzarli, con i nomi dei personaggi che sono solo quelli dei membri della famiglia: padre, madre, figlio, figliastra, ecc. Ci sono anche i nomi delle posizioni all'interno della compagnia: manager e regista, donna di punta, uomo di punta, donna di supporto, uomo di supporto, scenarista, teleprompter, ecc. Questi nomi per le relazioni familiari e professionali sono come maschere che rappresentano i vari tipi di persone, o le caratteristiche di base dei vari tipi di persone. 3. Impressioni oggettive L'autore di Sei personaggi in cerca di un drammaturgo, Pirandello, è uno dei drammaturghi più iconici del XX secolo, non solo per le sue scoperte e i cambiamenti ai modelli teatrali tradizionali, ma anche, e più importante, per le espressioni tematiche dell'autore sepolte sotto questo particolare approccio. È la combinazione delle due cose che lo ha reso un artista così grande. Le opere teatrali di Pirandello sono una presa rivoluzionaria dell'arte moderna, utilizzando espressioni uniche e innovative per rompere lo schema stagnante e inquietante della vita moderna, rivelando le realtà più profonde e le contraddizioni della vita, la rottura della famiglia e del matrimonio, e la crisi che la circonda. Lo spettacolo è una presentazione unica e originale che rompe lo stampo della vita moderna e rivela le realtà più profonde e le contraddizioni della vita. Quando i sei personaggi fantasma prendono gradualmente il centro della scena, sembrano simboleggiare la fusione tra la vita oggettiva e la vita artistica, così come il reale e l'immaginario nell'opera si fondono gradualmente con l'oggettivo nella vita, senza confini chiari. La questione dell'estinzione o meno del palcoscenico teatrale è stata sollevata nelle menti di un gran numero di creatori di teatro, che si trovano ora in uno stato di ansia, poiché la fotografia e il cinema stanno fiorendo e la tecnologia sta minacciando il teatro, che richiede tecniche manuali tradizionali per esprimersi. È proprio perché gli stessi creatori sono già in difficoltà che è aumentata la necessità di ottenere dignità dal loro ruolo. La lotta dolorosa dei personaggi sul palco, da un lato, riflette l'ansia degli stessi scrittori, ma dall'altro, dà loro fiducia - i personaggi hanno improvvisamente la capacità di pensare e agire in modo indipendente, ma sono ancora confinati nella trama impostata dagli scrittori, e questo senso di superiorità nel controllo permette ai drammaturghi di sfuggire per un po' all'ansia dei tempi. Sembrano essere i padroni della loro stessa creazione. Al momento, l'umanità non è abbastanza potente da sola e può trovare tregua solo opprimendo l'altro. Come in Matrix, l'umanità è intrappolata in un bel sogno fantastico, lasciando il protagonista a scegliere tra una capsula blu e una rossa. La situazione del personaggio viene trasferita al personaggio, e l'umano diventa il soggetto intrappolato, gradualmente addomesticato dalla macchina. L'altro è anche un sollievo per il personaggio, che comincia a ribellarsi. Nel finale di Six Characters in Search of a Playwright, il regista, spazientito dalla complessità della storia, abbandona le prove, le luci si spengono, la figliastra, che ha assunto la 'vendetta' del personaggio, corre fuori dal palco, ridendo fragorosamente dei personaggi, la giovane figlia annega in una pozza d'acqua mentre gioca, il giovane figlio, che ha assistito a tutto questo, si spara, e in altre opere d'arte, il bambino è spesso simbolo del bambino. In altre opere d'arte, i bambini spesso simboleggiano la speranza e il futuro, ma in questa produzione l'opera finisce con la morte dei due bambini, che è inaspettata ma logica, aggiungendo all'assurdità. Mentre questo finale è generalmente a scapito dei personaggi, poiché non sfuggono al ciclo della trama, ma si limitano a salutare il passaggio con uno stato di follia e la morte dei personaggi sul set, la risata stridula della figliastra simboleggia comunque una certa sfida. Forse questo era uno degli obiettivi di Pirandello nello scrivere. 4. Conclusione Il personaggio senza essere scritto è sperduto, mentre il personaggio vivo può ridersi anche della morte, anche l’ultimo potrebbe essere più vivo e più longevo dell’attore con una personalità varia. È pazzo l’attore, il personaggio o il drammaturgo? Quando il drammaturgo si è convinto che i personaggi davvero esistono, che le loro storie non sono finzioni ma esperienze reali, che i personaggi sono capaci di staccarsi dal drammaturgo e di sviluppare le proprie traiettorie reali con le proprie menti… —— è un’assurdità o il momento più razionale della vita del drammaturgo? Pirandello esprime al pubblico la sua visione sul rapporto tra il personaggio e l’attore attraverso le parole dei personaggi: i personaggi “sono nati” personaggi —— soltanto loro sono persone reali e vive. L’attore può solo imitare fisicamente ed apparentemente la vita del personaggio, anche se con il massima grado delle tecniche di trucco e di performance, può solo sembrare simile apparentemente con il personaggio, ma non può mai raggiungere l’anima del personaggio o riprodurre i pensieri del personaggio, ciò che Pirandello chiama “espressione.” Quindi, per Pirandello, portare l’opera in scena, in un certo senso, costituisce anche un tradimento della drammaturgia e dei personaggi stessi. Pertanto, Pirandello cerca di portare i personaggi direttamente sulla scena, prendendo la tradizione italiana della “commedia erudita”, mettendo gli attori in una maschera, in modo così che gli attori possano acquistare stabilità e fissità del carattere del proprio personaggio, sollevando così il problema della separazione tra attore e personaggio. “Sei personaggi in cerca d’autore” non è solo un capolavoro creativo per il tentativo nel linguaggio intradiegetico, allo stesso tempo, “relatività” di Pirandello ci interroga continuamente da cento anni fa ad oggi: nell'epoca moderna e postmoderna, le relazioni umani non sono più solo basate su comunità “storica”, cioè basate sul uguale passato, omogenee esperienze di educazione o di vita, la popolarità, la famiglia eccetera, bensì basate sugli individuali pensieri e sugli propri punti di vista. Le persone, durante i cento anni, hanno gradualmente imparato a essere indipendenti dalla comunità collettiva, e hanno recuperato le proprie visioni che sono estremamente soggettive e individualiste. È evidente il fatto che due persone possono vedere una stessa cosa in modo molto diverso, il “soggetto” e il “oggetto” è nella condizione della relatività da sempre… forse questo evidente fatto ne ha contribuito una delle ragioni perché le relazioni interpersonali attuali sono state alienate. Allora, noi stessi nel mondo postmoderno,