Scarica Riassunti Storia dell'arte giapponese 2 e più Appunti in PDF di Storia Dell'arte solo su Docsity! Storia dell’Arte giapponese 2 Nel Periodo Kamakura ha un importante ruolo, per la vita religiosa, l’introduzione del Buddismo Zen, alla fine del XII secolo. Enfatizza l’importanza dell’autodisciplina necessaria per capire la vera natura delle cose, questo tipo di buddismo riscuote molto successo tra la classe militare, infatti le regole dello Zen sono semplici, precise, rigorose, più in consonanza a questa classe. Rinzai e Soto furono coloro che introdussero il Buddismo Zen in Giappone. Rinzai ricevette il consenso dei daimyo e dal shogunato, utilizzava l’arte dei koan e della cerimonia del tea per arrivare all’Illuminazione. Invece Soto praticava in un equilibrio la via della meditazione e l’attività fisica come una ruota di momenti di consapevolezza, comprensione, e un’Illuminazione più graduale, apprezzato maggiormente dai samurai delle province. Nella pratica dello Zen per comprendere la vera natura della vita e della morte c’erano due pratiche principali: zazen, meditazione stando seguiti con la schiena dritta e le gambe incrociate, il suo obiettivo è di essere completamente presenti qui e ora, la seconda lo studio dei koan, domande che non possono essere capite o dare una risposta con una ragionamento razionale, l loro obiettivo è di spezzare questo tipo di ragionamento. WABI, concetto estetico da cui si traeva piacere dall’austerità e la solitudine, la bellezza è percepita nella semplicità. Templi Zen La composizione del tempio Buddhista cambiò molto sotto lo Zen. Il più importante è il complesso centrale per le cerimonie pubbliche e di fianco ci sono una serie di subtempli privati, tatchu, costruzioni per far accomodare i leader religiosi. Un nuovo tipo di cancello fu introdotto, sanmon, o cancello-montagna, a due piani con tre entrate e un secondo piano accessibile da scale esterne. L’ingresso principale, fu rinominato hatto (ingresso della Legge), utilizzato per le assemblee dei monaci. Queste due strutture sono situate lungo un’asse centrale che si estende dal Sanmon fino alle residenza dell’abate, l’hojo, che serviva come quartier generale e principale edificio di accoglienza del tempio. Il termine Hojo si riferisce anche a una iccola capanna utilizzata dai monaci in ritiro (eremiti). In ultimo il complesso pubblico poteva essere fornito da un shariden, o sala delle reliquie, in onore del Buddha Shaka, riverito Maestro Zen, e un Kaisando, o sala del fondatore, dedicato al fondatore del tempio o del recinto. -Tofukuji, uno dei primi templi Zen, costruito a Kyoto, fondato nel 1236. Il Sanmon Il primo esempio del nuovo tipo di cancello, fu costruito tra il 1384 e il 1425. L’edificio è largo due arcate da cinque arcate ed è sormontato da due livelli. L’esterno del cancello preserva l’estetica della Cina del sud del periodo Song. Gli interni sono decorati con colori come il verde, il rosso, il marrone, il nero e l’oro e sono pieni di statue, con un tetto di legno. Giardini Zen “Era una via di contemplazione, che portavano alla calma e alla ricerca interiore. Nulla era lasciato al caso o al piacere personale, bensì esistevano codificazioni precise che li rendevano dei veri e propri rituali. I giardini Zen si trovavano soprattutto in templi, costruiti in perfetta sintonia con gli edifici che li circondavano. Essi dovevano essere contemplati dalla veranda o anche dall’interno delle sale, da seduti, con i pannelli scorrevoli aperti, erano luoghi che dovevano condurre alla meditazione.” Due esempi di giardini sono: -Ryoanji, a Kyoto costruito intorno il 1500, da Soami, “è un esempio di giardino secco, cioè composto di soli sassi, rocce e ghiaia, composto da 15 rocce disposte in gruppi di 5, 2 e 3. È impossibile riuscire a vederle tutte contemporaneamente” viene definito un koan (domande a cui non si può rispondere con la logica). -Daisen’in, del Daitokuji, costruito da Soami nel 1513, “presenza di vegetazione, più racchiuso e sembra più una conformazione montagnosa secondo lo stereotipo cinese.” Ogni roccia, albero e la ghiaia è scelta e posizionata accuratamente, niente è a casa, vi è un tentativo di ricreare la natura selvaggia. Pittura Zen casa, un appuntito promontorio sormontato da due pini, uno dritto e l’altro stranamente piegato alla base del tronco e attraversa il primo. Il promontorio e gli alberi sono dipinti con inchiostro scuro. Le roccie e la casa occupano la parte destra del dipinto mentre a sinistra c’è una distesa di paesaggio pianeggiante di terreno e un ruscello, sopra il ponte un vecchio signore cammina davanti un giovane, uno studioso e il suo ragazzo che fanno visita al loro amico nello studio di bambo. In lontananza a sinistra si può vedere l’altra sponda con due barche da pesca legate insieme e altre due più a destra, attraverso il movimento dell’acqua. Si può anche intravedere il tetto piastrellato di un monastero. -Sesshu Toyo (1420-1506) “Allievo di Josetsu, i suoi dipinti hanno una sola ispirazione: la natura; sono opere di enorme impatto visivo per l’abilità nell’uso del pennello e dell’inchiostro.” -“Paesaggio in inverno” dipinto circa nel 1470, ha combinato motivi frequenti trovati in Cina per creare un’originale e tipica esposizione Giapponese. Innanzitutto in basso a destra con un motivo di due alberi in crescita al livello dell’acqua, l’occhio dello spettatore è portato nello spazio delle linee diagonali di un percorso a gradini lungo il quale un uomo con un cappello a tesa larga è arrampicato, presumibilmente in cammino verso il complesso del tempio visibile sopra le colline. Le colline attraverso le quali viaggia e le montagne nello sfondo circondano il tempio, facendo sembrare loro stesse un’oasi in un luogo freddo. Gli alberi e il passaggio sono disegnati con inchiostro nero, mentre le montagne dietro sono solo tracciate in contrasto col cielo grigio. -“Haboku”, è una tecnica per dipingere, detta tecnica dell’inchiostro spezzato, è un termine che denota lo stile molto libero ed eseguito rapidamente in cui l’inchiostro sembra essere stato spruzzato sulla superficie della carta, questa tecnica si ottiene sovrapponendo una pennellata di inchiostro denso su un primo strato d’inchiostro ancora bagnato. Ha dipinto della terra vicino a dell’acqua, con larghi alberi e una montagna dietro e due persone a bordo di una barca. “La parte superiore del rotolo porta, in basso, un’iscrizione di Sesshu che sembra una sua breve autobiografica. Ringrazia i suoi maestri, Josetsu e Shubun, sottolinea l’importanza del legame della pittura con la natura, racconta del viaggio in Cina. In alto, gli apprezzamenti aggiunti nel tempo di altri sei monaci zen. Seconda la tradizione zen, il dipinto fu creato e donato da Sesshu al suo allievo Soen, arrivato dal tempio Engakuji di Kamakura, come una sorta di attestato per la conclusione degli studi che lo confermava artisti indipendente.” Kinkakuji Il padiglione d’oro del 1390, completamente ricoperto di foglia d’oro dentro e fuori, fu eretto dal terzo shogun Ashikaga, Yoshimitsu, nel 1398, come dimostrazione del suo potere. All’inizio faceva parte del complesso templare di rokuonji. Mentre i due piani bassi erano destinati a uso abitativo e informale, con verande e una terrazza sull’acqua, per la contemplazione della natura, il terzo piano, più piccolo e con finestre arrotondate, aveva funzione religiosa,dedicato a Buddha e ai 25 bodisattva, rispecchia maggiormente lo stile zen. Ginkakuji Costruito nel 1489 dallo shogun Yoshimasa, faceva inizialmente parte della villa di Higashiyama, divenuta poi il tempio Jishoji, costituito da 12 edifici. Degli edifici oggi rimane solo la sala del Buddha, conosciuta come Ginkakuji, e il Togudo, la cappella privata di Yoshimasa, finito nel 1486. Più sobrio ed elegante del P. d’oro, il padiglione d’argento si rivela con il colore naturale del legno e non ricoperto di foglia d’argento. Le finestre a cuspide seguono il gusto dell’architettura zen semplice ed essenziale. Il tetto è costituito da un materiale simile al muschio, all’interno tutto ricoperto di lacca nera e al primo piano vi è la statua di Kannon. Il piano terra dedicato alla meditazione, con porte scorrevoli. Questo tipo di architettura si inserisce bene nella natura che lo circonda. Nonostante sia immerso nel verde rigoglioso di alberi ad alto fusto e muschi sul pendio della montagna e di fronte a un laghetto, una piccola parte del giardino è nello stile secco, realizzato con sola ghiaia bianca accuratamente disposta con il rastrello in file che ricordano piccole onde d’acqua, questo angolo è singolare per la montagna a forma di tronco-conica che spicca perfetta sul piano dei sassi. -Togudo, ha un unico tetto spiovente, composto da un’unica stanza di 4 tatami utilizzata per la cerimonia del tè (dojinsai). Fu modellato sul Saikoji dedicato ad Amida. È affacciato sul lago artificiale. La scuola Ami ne facevano parte Noami, Geiami e Soami, produssero un catalogo dei dipinti Cinesi nella collezione dei Ashikaga. Soami fu il più innovativo del gruppo, sviluppo uno stile più soft che combinava elementi di Mu Qi e della scuola Cinese di Mi Fu. Una delle sue opere erano dei pannelli scorrevoli, nel Daisenin, che rappresentavano le rive del Xiao e dello Xiang in Cina, le montagne sono modellate con del grigio e dell’inchiostro più scuro per dare definizione. -Murata Shuko, trasformò il semplice atto di bere e offrire il tea agli ospiti in un rituale, chanoyu. Lo spazio in cui si teneva la cerimonia del tea su ridefinita per esprimere i concetti estetici dei singoli maestri del tea, le idee di Murata furono espresse nel Dojinsai la stanza del tea nel Togudo. L’interno mostra molte delle caratteristiche di design che nel periodo successivo furono incorporate nello stile architettonico dello shoin: il chigaidana, un gruppo di mensole interponesse a altezza diverse, il tsuke shoin, un nicchia poco profonda con un’ampia sporgenza usata come scrivania e le finestre scorrevoli gli shoji. Gli oggetti utilizzati per fare il tea, tea verde noto come matcha, sono stati scelti con accuratezza per suggerire l’età e un’aurea cinese di semplicità ed eleganza. Le tazze venivano create per cercare di imitare quelle Cinesi, conosciute come tenmoku, tazze di forma conica che può essere decorata con qualsiasi numero di differenti smalti. Shito Nella prima parte del periodo medievale, la corte e l’aristocrazia continuavano ad avere abbastanza fondi per continuare a proteggere le arti shintoiste. Uno dei kami più popolari sia a corte che tra i samurai e la popolazione fu il “burocrate” divinizzato Sugawara no Michizane, o Kitano tenjin. Il “kitano Tenjin engi emaki” è un rotolo che vuole descrivere la sua vita e la costruzione del suo santuario a Kyoto, del 1219. La prima parte sono episodi di buon auspicio che riportano la nascita Michizane, come la sua triste storia di carriera a corte, dove come poeta e studioso di letteratura cinese è stato falsamente accusato di crimine contro l’imperatore e fu esiliato nel Kyushu, dove morì senza la grazia. L’ultima parte rappresenta i rokudo-e (raffigura i sei regni dell’esistenza) e hanno poco a che fare con la vita o la vendetta di Michizane. La scena più emozionante è la sua vendetta sotto forma di spirito come il Dio dalla pelle rossa di Thunder, cavalcando una massa turbinante di nuvole nere e seminando caos nel palazzo dei suoi nemici. L’immagine del dio è disegnata nella stessa tradizione delle sculture del Fujin e del Raijin. “Kasuga Deer Mandala” del 13/14 sec, rappresentato un grande cervo bianco che si manifesta su una nuvola sopra un torii del Santuario Kasuga. Dalla sua sella sorge un ramo dell’albero Sakaki, che è incrociato dietro l’immagine di uno specchio in piedi, su ogni ramo ci sono i 5 Kasuga kami raffigurati nelle loro forme buddhiste come natura e delle stagioni, che costituì la pianta originale, il Medio shoin, il padiglione della Musica e il Nuovo goten aggiunti successivamente, tutti si affacciano sul lago. La forma e le dimensioni delle stanze giapponesi potevano flessibilmente essere modificate secondo le necessità attraverso la chiusura o l’apertura dei pannelli scorrevoli interni (fusuma), mentre la luce veniva filtrata e indirizzata attraverso lo scorrimento dei pannelli esterni di carta bianca. La decorazione dei fusuma con fiori di paulonia dorati su fondo perlaceo è una ricostruzione recente fedele all’originale, ricavata da parti di carta recuperate nel palazzo. Il Nuovo goten si differenziava dal resto della villa per la complessità degli elementi architettonici: mentre il pavimento è rialzato rispetto la prima stanza il soffitto è ribasso e suddiviso a cassettoni. In un lato si apre una grande finestra a pattine, e più in alto, sulla destra, un’altra piccola finestrella orizzontale riparata dagli shoji. In questo periodo i dipinti ritraggono soprattutto vedute di Kyoto ed Edo, in occasioni speciali o durante la fioritura dei ciliegi, gli aceri d’autunno e le performance teatrali. Fusuma, Byobu, Shoji Shoheika dipinti su porte scorrevoli (fusuma) e paraventi (byobu), sono stati sviluppati in grandi formati per la pittura del periodo, il modulo di base, per entrambe, è su un pannello costituito da telaio in legno chiaro, che racchiude un reticolo di strisce di legno sottile. Sopra a questa struttura sono incollati pezzi di carta per creare un supporto in grado di sostenere l’ultimo strato che di solito è di carta ma può essere anche di seta, su cui viene realizzato il dipinto. Ogni fusuma è provvisto di un telaio esterno, solitamente di legno laccato di nero e una maglia di metallo in prossimità dei bordi, consente allo sportello di essere spinto avanti e in dietro senza danneggiare il dipinto. I pannelli sono più stretti e sono uniti con un complicato sistema di cerniere. Il perimetro del byobu è incorniciato, di solito con legno che è laccato di nero. In questo periodo divengono di largo uso soprattutto per le case della nobiltà, daimyo e samurai e concittadini ricchi, probabilmente per due motivi: per il nuovo gusto estetico di usare i colori vivaci su foglia d’oro o per il collegamento dell’oro dei gioielli di Buddha Amida. Ci sono tre passaggi per creare la foglia d’oro: la preparazione della lega e del suo supporto, il zumiuchi; il processo iniziale di battitura, nelle quali le piazze sono diradate, e la battitura finale e la finitura del fogliame. Nello passaggio del zumiuchi, l’oro è posizionato tra due fogli di carta preparati appositamente, unita alla carta è poi alla pelle di gatto e schiacciato a mano o con una macchina. Gli shoji si differiscono dai fusuma, sia che siano fissati o utilizzati come porta scorrevole, è la carta bianca traslucida incollato su di un lato del reticolo del legno, danno una luce tenue e diffusa nelle camere e un senso di separazione dall’esterno o dello spazio adiacente. -“Funaki Byobu” 1615 Colore e oro su carta. Si vede il cambiamento di città. La densità degli edifici è maggiore, e le strade sono gremite di persone. Sulla destra compare un tempio rosso, oggi scomparso a causa di un terremoto. -“Nanban brobu” (XVII) Colore su carta dorata. Coppia di paraventi a sei pannelli. Viene illustrato l’arrivo dei portoghesi sulle coste giapponesi. Grande realismo e precisione anche nelle barche e nei vestiti portoghesi. -“Hikone byobu” (1624-1644) Colore e foglia d’oro su carta. È un dipinto che ritrae la casa di una cortigiana nel quartiere di piacere, nei due panelli a destra sono rappressentate due cortigiane con un bimbo che aspetta di parlare con un samurai, che si appoggia languidamente sulla spada. Un gruppo di tre uomini e donne sta suonando il samnise, simile al banjo ma con solo tre corde. Altri tre giocano a dama giapponese e le ultime tre sono impegnate a leggere, ascoltare e scrivere. Ceramiche Iniziarono a prendere piede la varietà di smalti per ceramiche per la cerimonia del tea, chanoyu, e i servizi di cibo assocciati, kaiseki ryori, che consiste in un pasto leggero: pesce cotto, zuppa e riso, il cibo è servito in una piccola ciotola o piattino, entrambi di ceramica e lacca. Introdussero l’invetriatura per dare alle ceramiche colori verdi/ocra. Assenza di decori policromi, predilezione colori caldi e terrosi. La superficie è volutamente irregolare e imperfetta. Diventano oggetti di culto. Concetto di wabi (bellezza semplice); concetto di sabi (patina del tempo). Raku: ceramica legata esclusivamente alla cerimonia del tè. Koetsu “Fujisan” (shiroraku) Lascia intravedere le spatolate irregolari di colore (2 tonalità). Chiamato Fujisan perché sembrava di bere un liquido incandescente da un vulcano. Oltre che per il fatto che i colori lo facessero sembrare davvero il Fujisan. Un esempio di vestiario di una signora di un samurai, decorato con piante delle 4 stagioni, con l’aggiunta di rami di glicine, forme di montane e fiocchi di neve tondi, questo è conosciuto come kosode, un termine applicato dal periodo Meiji ai vestiti tradizionali datati prima del periodo Edo. Letteralmente significa “manicotti piccoli”. La scuola Kano La scuola Kano fu fondata da Kano Masanobu, ma si affermò con il figlio. La capacità diplomatica e pittorica di Masanobu, che alternava soggetti giapponesi e cinesi, fu raffinata dal figlio Motonubu, che da prima si guadagnò la carica di capo del dipartimento della pittura sposando la figlia di Tosa Mitsunobu, maestro di pittura yamato-e, dall’altra trasformò la pittura religiosa in pittura decorativa secolare, aggiungendo l’uso del colore all’inchiostro nero. Fu con Eitoku che la potenza della scuola arrivò al massimo splendore. -Kano Masanobu (1434-1530) “Pratica Zen di Kyoden che spazza con una scopa” (1513), il maestro di Kyoden gli aveva chiesto della vita prima della nascita della sua attuale incarnazione. Ma non sapendo come rispondere, volle cercare subito una risposta, quando i libri Buddhisti fallirono provò con la meditazione, in fine mentre stava in piedi in giardino e una tegola cadde dal tetto e sentendo il suono Kyoden ebbe l’illuminazione. A destra in basso vi è una formazione rocciosa, poi sopra dei cespugli e quindi l’eremo protetto dal boschetto di bambù. Nel resto del dipinto una gran nuvola copre l’ambiente, dal quale si intravedono rocce e pini. La diagonalità degli elementi e il velo della nuvola permette una grande profondità. -Kano Motonobu (1476-1559), figlio di Masanobu. -Kano Shoei (1519-1592), figlio di Motonobu. -Kano Eitoku (1543-1590), figlio di Shoei. Hojo del Jukoin (1566) è riuscito a trovare una soluzione per distribuire il dipinto in tutte e tre e pareti. Paesaggio delle 4 stagioni, in 16 pannelli, eseguiti con una vigorosa pennellata d’inchiostro su una delicata striatura d’oro. La sua soluzione per i fusuma era di non fare disegno verticali ma ha utilizzato tre enormi alberi, un prugno nodoso che rappresenta la primavera e due pini che suggeriscono il periodo invernale negli angoli opposti della stanza, distribuendoaltri motivi, come le anatre che nuotano, rocce e piante palustri, in modo da mandare l’occhio dello spettatore più in profondità nello spazio pittorico. -Kaiho Yusho (1533-1615) frequentò la scuola Kano ma si distacco e creò il suo stile, fù influenzato dallo Zen. -“Susino singolo” e “Vecchio pino nodoso”, inizio XVII sec, il motivo di questi due dipinti è simile alla tecnica della calligrafia a inchiostro eseguita velocemente su una base bianca. Il susino è un’immagine contenuta, definita dall’inchiostro nero, il tronco rotondo cresce verticalmente ad eccezione dei sottilissimi rami spinosi sporgenti ad angolo acuto dal tronco. La parte giovane cerca di staccarsi dal corpo centrale dell’albero. -“Reti da pesca si asciugano al sole” A destra è presente erba di palude in verde brillante e una stretta fascia di acqua. L’altra parte è dominata dalle reti. La naturale ripetizione dell’erba contrasta con le controllate forme delle reti e l’indistinto leggero fluire dell’acqua. -Konoe Nobutada (1565-1614) poeta e calligrafo, famoso per i sui dipinti nello stile di questo dai letterati Cinesi, detti bunjinga. Una immagine famosa è l’icona del Kami Shinto Tenjin, la divinità di tutti gli studiosi del Giappone, è noto anche come Nikka Tenjin perché ogni giorno Nobutada dipingeva una nuova immagine di Tenjin. Yamato-e -Sotatsu (1558-1637) “Cervi in frontespizio” lui ha ridipinto diversi motivi sui endpaper in oro e ha aggiunto interi nuovi dipinti come il frontespizio -“Rotolo dei cervi” inizio XVI sec uno degli esempi più raffinati della collaborazione di Koetsu calligrafo e Sotatsu decoratore. Si tratta di un lungo rotolo illustrato conservato tra Atami e Seattle. Flessuosamente disegnati in oro, con poche pennellate eleganti per i colori. Lo sfondo, neutro, lascia spazio all’altrettanto flessuosa ma energica calligrafia corsiva in inchiostro nero di Koetsu, in un’armonia perfetta tra scrittura e pittura. Riprende 28 poesie in 31 sillabe sull’autunno dall’antologia Shinkokinshu. -“Paravento decorato da ventagli” (1630), i pannelli riprendono una scena dell’Ise monogatari, in questi scena un uomo che si innamora della futura consorte imperiale e la rapisce durante la notte. Vengono colpiti da una tempesta e si rifugiano in una casa diroccata, la ragazza dorme all’interno mentre lui sorveglia la porta da fuori. Ma alla mattina quando va a controllare la sua amata non la trova, infatti è stata mangiata da un demone, e i tuoni camuffavano il pianto di lei nel chiedere aiuto. Nel dipinto si vede il demone volare sulla casa e il giovane uomo, appena visibile in un angolo, dorme sotto una tettoia marrone. La casa domina il dipinto. -“Dio del Vento e Dio del Tuono” 1640, su sfondo in foglia d’oro e accompagnati da nubi sfumate in inchiostro nero, irrompono dal confine dello spazio pittorico a destra il dio del Vento e a sinistra il dio del Tuono. Il dio del Tuono è identificato con la serie di tamburelli da percuotere a mano che fa girare intorno a se. Più simile a un demone che a una divinità, è muscoloso, con le corna, le orecchie appuntite e una fascia legata intorno alla testa. Il dio del Vento è riconoscibile per il tradizionale sacco sulle spalle gonfio di vento; capelli lunghi e dritti e un corno al centro della testa. -“Matsushima” 1625, i pochi elementi del paesaggio le roccie e i pini con le loro chiome, appaiono semplificati nelle forme e realizzati con pochi colori, in alto una nube dorata stilizzata che unisce i due paraventi rappresenta la costa dell’isola; sullo sfondo un mare denso con motivi geometrici di onde e vortici realizzati in oro e bianco per la schiuma. Ukiyo-e È un tipo di espressione pittorica che caratterizza il periodo Edo, ritrae il monde del teatro, i quartieri di piacere, i chonin e i samurai che frequentavano entrambe. La prima apparizione del mondo degli ukiyo fu nel contesto Buddhista, per descrivere l’impermanenza del mondo degli umani, ma nel periodo Edo prese un’impronta diversa. Il primo pioniere di questo genere fu Iwasa Matabei, con uno stile pittorico nel quale i contorni neri filiformi e i colori vivaci sono stati combinati con temi che raffigurano esseri umani in momenti d’emozione estrema. Si cimentò anche nei Moji-e personaggi stilizzati che in realtà sono sillabe dell’hiragana. L’ukiyo-e fu influenzato anche dallo stile bijinga che ritrae singole cortigiane, con sfondo neutro, famosi nel periodo Kanbun, eseguiti da pittori che non lasciavano la loro firma. I dipinti erano realizzati con pennellate delicate ed elaborate stoffe in colori sobri, i soggetti erano donne rappresentate come creature remote ed eleganti. Un esempio è questa immagine del XVII sec, una giovane donne in piedi con le ginocchia leggermente piegate, le braccia sono disegnate dentro le maniche, la sua bocca è nascosta da un indumento intimo, e i suoi occhi sono diretti verso sinistra. Se il suo atteggiamento denota timidezza o il fascino schivo di una cortigiana. Esempio di Otsu-e -Hishikawa Moronobu (1618-1694) la sua grande innovazione la produzione di scene di illustrazioni in fogli singoli senza scritte e fu il primo a mettere il suo nome sui suoi dipinti. “Yoshiwara no tei” 1678, il dipinto rappresenta l’interno di una casa da tea con i diversi mecenati seduti a guardare le cortigiane ballare accompagnate da un tamburo e due samisen. -Torii Kiyomoto (1645-1702), fondatore della scuola Torii, fu un esecutore dei ruoli da donna (onnagata) nel teatro Kabuki, i suoi poster divennero talmente famosi che fece quelli di tutti i teatri. -Torii Kiyomasu, “Goro sradicando una pianta di Bambù” 1697, l’attore Ichikawa, un uomo tarchiato con braccia e gambe muscolose, esercita la sua forza come il personaggio Goro, sradicando un tronco di bambù da terra. Le linee che delineano il contorni del corpo sono calligrafiche. Aprezzata per il suo stile forte e vigoroso. nishiki-e, invenzione del XVIII sec, fu l’evoluzione della tecnica delle stampe policrome per creare immagini come le immagini broccato. L’uso dei coloro per i fogli singoli entrò in vigore solo dalla metà del XVIII sec. Il primo produttore di nishiki-e fu Suzuki Harunobu, uno dei suoi soggetti preferiti fu Furyu nana Komachi, i sette eventi principali della vita di una delle più belle poetesse del periodo Heian, Ono Komachi, tratta in uno stile moderno e in abiti moderni. “Kayoi Komachi”, si concentra su no dei poeti aspiranti amanti con cui aveva fatto un accordo che se visitava casa sua per cento notti senza vederla allora avrebbe acconsentito ad un appuntamento. Il giovane andò per 99 notti ma morì prima della centesima, Harunobu rivisitò il finale e fece star male il padre del futuro amante e così non poté andare. -“Foschia della mattina ad Asakusa” fanciulle innocenti e inviolate dalla rigidità della vita, Ofuji ha un flirt con un giovane samurai, conosciuta anche come “ragazza Ginko” per via della pianta vicino il negozio del padre. dietro di lui una risaia e molto distante si intravede il Fuji innevato. Il cerchio di botte racchiude tutto: l’artigiano il suo mondo, il nudo terreno e la bellezza del paesaggio naturale visto in lontananza. “La grande onda presso la costa di Kanagawa”, 1830 e 1832, la schiuma dell’onda ad artiglio di drago è una delle particolarità dello stile di Hokusai e uno dei temi di tanti suoi schizzi da manuale. Qui sottolinea la forza prorompente della natura sulla realtà umana rappresentata da piccole barche in balia del mare. Sullo sfondo di questa scena il sacro monte Fuji, rimane immobile. Creò anche un’altra serie intitolata “Hyaku monogatari”, 100 storie (di fantasmi). “Sarayashiki”, dimora dei piatti, 1830, l'opera narra di una donna gettata in un pozzo colpevole di aver rotto un piatto pregiato, e del suo ritorno sotto forma di fantasma. Nella scena, la protagonista “emerge” dal pozzo con una lunga capigliatura che si fonde con i nove piatti che compongono il collo. Il soffio che esce dalla bocca conta da uno a nove. -Totoya Hokkei, (1780-1850) famoso per il suo surimono, o edizione limitata di eleganti stampe di piccole dimensioni, per essere inclusi nel raglo di inizio anno, di solito un poesia o due, o un haiku di 17 sillabe o un un kyoka da 31 sillabe. Per esempio la sua stampa “Monte Fuji e l’isola di Enoshima dalla spiaggia di Shichiri” 1821, su questa spiaggia un drago malvagio venne trasformato in un serpente della dea Benten (anno del serpente). In basso, sulla spiaggia, compaiono due persone e al centro l'isola di Enoshima. L'acqua occupa molto spazio. Sullo sfondo si vede il monte Fuji e sopra ancora due poesie. -Ando Hiroshige (1797-1858), il suo successo legato ai temi della natura e del paesaggio, famosa la sua serie delle “Cinquantatre stazioni di posta del Tokaido” realizzata tre il 1832 3 il 1834, venne definito “maestro della pioggia” per la densità e la forza che sapeva trasmettere nelle sue stampe di paesaggi sotto uno scroscio improvviso, reso con infinte linee più nere o più grigie, verticali oppure oblique sottilissime e fittissime. “Kuwana” 1834, due imbarcazioni con i marinai che hanno appena completato il viaggio di 27.4 km tra la baia di Ise e Miya, dietro c’è il castello Kuwana e sull’orizzonte delle barche. Il castello è dipinto di bianco e grigio come dovrebbe essere ma le piante sono in nero e grigio nella maniera dei paesaggio monocromi. Porcellana -Arita, regione del Kyushu, daimyo Nabeshima Naoshige scoprì l’argilla ricca di caolino con cui si poté creare la porcellana. Dalla Corea arrivò un nuovo forno, il notori gama (forno arrampicata) che consisteva in una serie di forni lungo il lato della collina. Questi tipi di forni permettevano di controllare la temperatura di ciascuno di essi, la porcellana veniva cotto ad alte temperature, tali che solo alcune lacce colorate riuscivano a sopravvivere al processo di cottura. Scoprirono due nuovi colori il cobalto, che dava una colorazione blu e l’ossido di rame che invece era rosso. Un esempio d’uso del cobalto e della basa chiara con un paesaggio è una bottiglia di sakè con rappresentata una montagna, un tetto di un padiglione e in primo piano dei pini. Un nuovo sviluppo si ebbe quando impararono a vetrificare il piombo fuso, in questo modo entrarono nuovi colori:blu, nero, giallo, verde, occasionalmente il viola e un particolare rosso aranciato. Un esempio è una bottiglia di saké ornata con una fenice e una paulonia. La porcellana di Nabeshima, dopo il 1625, di provenienza da Arita. Inizialmente costituiva la porcellana del daimyō locale, poi la clientela si allargò pur rimanendo nelle alte classi. -Ko Kutani, dal villaggio di Butani a Ishikawa, queste ceramiche non erano prodotte per la massa popolare ma su richiesta dei clan, soprattutto piatti e tazze, per il sevizio e la consumazione della cerimonia del tea. Un esempio famoso è il piatto con rappresentata una fenice, con colori tre il blu, il giallo, il verde e ruggine. -Kyoyaki, le caratteristiche essenziali erano una base di porcellana dura (gres) e dei delicati disegni tradizionali giapponesi in vivaci smalti vetrificati. Inro, Lacca nera e lacca dorata. Sono divise in scompartimenti, con una corda che le avvolge da legare alla cintura per il trasporto. Sono laccate con molti motivi decorativi. Lo strato inferiore è di lacca nera, quello superiore di lacca dorata che viene incisa e rimossa per creare la decorazione. Sotto il kosode s’indossava il uchikake. Questo uchikake in particolare ha un disegno spettacolare, dipinto su seta bianca, decorato con foglia d’oro e polvere d’oro, che rappresenta dei bambù in mezzo alla nebbia. Architettura e Arte del Buddhismo -Kyoogokokuji, quando la pagoda venne distrutta da un incendio nel 1641, Iemitsu trovò subito i fondi per farla ricostruire e fù finita 3 anni dopo. La nuova pagoda fu ricostruita con i canoni tradizionali, notevole per la sua austerità e il suo contenuto eclettismo rispetto agli altri edifici del periodo Edo, quasi priva di superficie scultorea e di ornamenti. -Toshogu, iniziato nel 1636, sorge pittorescamente su una collina in un boschetto di cedri, a racchiudere la struttura è un corridoio coperto che può essere raggiunto attraverso un cancello elaborato. Un secondo recinto definito con un tetto a tegola contiene i principali edifici del santuario: il 4 per 9 baie Haiden, collegato a un edificio chiamato Ishinoma (stanza delle pietre) a un’altra hall. Questa tipica disposizione degli edifici è tipica dello stile Gongen zukuri, architettura a mausoleo, il termine gongen deriva dal titolo postumo di Ieyasu, Tosho Doigongen. Le statue ornamentali dipinte ricoprono tutta la superficie dell’edificio. Un altro esempio di edifici templari ebbero uno sviluppo significativo sotto il regime Tokugawa fu il koshibyo o seido, il tempio Confuciano un esempio è al Taku City, costruito tra il 1695 e il 1708. La pianta standard consisteva in un cortile aperto circondato da un corridoio coperto e si entrava attraverso il Kyokomon (porta delle grandi aspirazioni) e un semplice arco in pietra all’ingresso del recinto e finiva nel Taiseiden (Sala del Grande Saggio). Nel Taku questi due edifici distinti sono compresi nello steso. Nei monasteri Zen tra il sanmon e il butsuden principali vi era un edificio secondario, il Tennoden (la sala dei re guardiani), dove vi erano i Quattro Re Guardiani, o Shitenno. Nel butsuden vi è installata un’immagine di Shaka sulla piattaforma centrale e s lungo il lato più corto dell’edificio sulle piattaforme più basse c’erano le 16 immagini dei rakan. Dietro il butsuden vi era l’hatto, sala della lettura, alla sinistra di questo c’era un piccolo edificio chiamato zendo, dove si praticavano la meditazione zazen e del nenbutsu. Le statue del Kodo dl Tojifurono fatte da Kori e dal suo discepolo Kosho, impressionavano per la grandezza delle statue e per la loro solidità. Una seconda scuola di scultura fu dallo scultore cinese Fan Daosheng (jps. Handosei) eseguì delle dell’acqua in oro e argento potrebbero essere stati realizzati con la tecnica dell’applicazione di mascherine, usata nella decorazione di tessuti. -Sakai Hoitsu, creò una serie di dipinti intitolata “Fiori e Uccelli dei 12 Mesi”, i questione “Il Nono Mese” del 1823, colore su seta, dipinte 4 piante autunnali, una pianta coi fiori e tre erbe, dipinte davanti la luna. La posizionedelle erbe così basse suggerisce una live brezza che tocca le erbe. -Suzuki Kiitsu, “Camelie bianche ed Erbe autunnali”, metà del XIX sec, inchiostro, colore e foglia d’oro e d’argento su carta. Vi è una contrapposizione tra la forma astratta della collinetta e il realismo delle camelie bianche. Scuole ralistiche La rappresentazione della flora e della fauna in vita fece nascere due scuole diverse: la Yofuga, con uno stile occidentale, dipinta a olio o nei pigmenti tradizionali Giapponesi, con un’enfasi sulla prospettiva e la modellazione nella luce e nelle ombra; e la scuola Murayama-Shijo, nelle tecniche classiche giapponesi erano combinate in una nuova via per ottenere una maggiore precisione dalla raffigurazione e un senso di naturalismo e del quotidiano. Per la prima scuola un grande pittore fu Shiba Kokan con il suo dipinto “Il bottaio”, del 1789. Un uomo con vestiti occidentali in piedi con in mano un martello e l’altra che tiene il barile. Per la seconda scuola Maruyama Okyo con il suo dipinto “Pini nella neve” del 1781-1789, coppia di paraventi a sei ante, colore tenue su carta. Tenui e umide pennellate delineano il tronco su un unico lato, quello non coperto dalla neve. Mentre il manto nevoso è reso lasciando la superficie bianca, priva di colore, sullo sfondo d’oro. Piccole e affilate pennellate nere disegnano minuziosamente ogni ago di pino e vengono interrotte solo per lasciare spazio al bianco della neve. Il pino di questo secondo paravento si snoda in orizzontale, rivolto verso l’altro pino, con rami dolci e sinuosi che sembrano rasentare il suolo. Nel primo pannello invece un pino innevato protrae un lungo ramo sulla superficie di tre ante e creando un angolo acuto di forte impatto visivo. Il punto di vista è ravvicinato e l’effetto è reso dalla linea della terra molto alta, più chiara rispetto al fondo dorato che accorcia il tronco. Il brillio sfumato reso con polvere d’oro ricrea il riverbero del sole sulla neve. Pittori eccentrici Gruppo d’artisti non collocabile nelle scuole esistenti, e con un proprio stile di difficile imitazione. Sono definiti “eccentrici” sia per i loro dipinti che per il loro stile di vita. Nagasawa Josetsu, “Yamauba e Kitaro” del 1797, colore su seta. Nel suo dipinto Yamauba è una donna anziana e brutta, vestita con abiti distrutti, una volta belli ma ora a brandelli, Kitaro sembra più una scimmia che un bambino. La sua visione sembra mettere a nudo una realtà vista cinicamente dietro una facciata delle cure materne e dell’eroe nascente. -Ito Jakuchu, “Gallo, chioccia e ortensia” del 1757, rotolo colore su seta, i soggetti sono meticolosamente dipinti. Nonostante il realismo del gallo e della chioccia c’è un appiattimento dato dall’ortensia e dalle rocce che “bloccano” lo sfondo. -“Insetti, rettili e anfibi nello stagno” rotolo, colore e inchiostro su seta. La varietà di insetti, rane e serpenti sono dipinti minuziosamente e cloratissimi, ma è appiattito dallo sfondo d’acqua. -Soga Shohaku, “Paesaggio” del 1770, inchiostro su carta. A prima vista i panelli sembrano impiegare i motivi familiari di rocce in primo piano e alberi, morbide nebulose montagne all’orizzonte, però se si esaminano più attentamente si nota che l’artista ha allungato quasi ai limite gli elementi del paesaggio. Il senso di prospettiva nel pannello a sinistra si sposta da un motivo di roccia all’altra. Queste distorsioni richiedonoallo spettatore di concentrarsi su un gruppo pittorico a volta per meditare sui vari elementi. La tradizione Zenga Trae origine dal suiboku (pittura monocroma a inchiostro) realizzata già nel 1300 dai monaci. Inizialmente è figurativa e di paesaggio. Si sviluppa poi in ritratti di patriarchi, vita del Buddha, parabole della vita zen. Sono esercizi spirituali di meditazione. Non è uno stile decorativo né soggetto a mecenatismo. Si inserisce anche l’uso della calligrafia. Haiku. Singoli kanji che significano un intero concetto. Si notano particolarità della natura (erba, insetto, foglia), oppure oggetti quotidiani senza valenza artistica (cerimonia del tè, tazze, ecc) -Hakuin Ekaku, Il carattere di “mu”, metà del XVIII, inchiostro su carta. Il significato è “Il nulla”. Concentrandosi finché il corpo si consuma per il dubbio della natura delle cose, prima del “nulla” si apre, le incomprensione se ne vanno, e appare la realtà della vita e della morte. -“Una mano applaude” del 1766, inchiostro su carta. Invece di tenere entranbe le mani in grembo, Hotei ha nascosto uno nelle pieghe della veste e detiene l’altra di fronte a lui. Con scritto: “ i giovani, non gli importa cosa dici, qualsiasi cosa è priva di senso salvo che non sentano il suono di una mano.” La veste tirata indietro in curve morbide intorno alla parte inferiore del corpo. Bunjinga e Nanga Pittura dei letterati. Ogni artista si poteva definire intellettuale. Deriva dalla pittura cinese “del sud”, che non ha a che fare con la provenienza geografica degli artisti, ma riguarda lo stile più spontaneo (rispetto a quello rigido e pedante della pittura “del nord”). Nonostante ogni artista fosse per definizione unico e indipendente, tutti condividevano l’ammirazione per lo stile tradizionale cinese. I dipinti sono tutti a inchiostro monocromatico, raramente con qualche pallido colore. Quasi sempre i soggetti sono paesaggi cinesi. “Il concetto di bunjin (letterato) e di bunjinga (pittura del letterato), era nato in Cina per definire l’ideale estetico dell’intellettuale versato nelle arti: poesia, calligrafia, musica, pittura, e che si distingueva dall’artista di professione per gli alti natali. In Giappone trovò corrispondenza nel termine Nanga (pittura meridionale), filone pittorico a imitazione cinese di srtisiti delle classi più alte che dipingevano per vocazione, istruiti nella culla della cultura tradizionale, Kyoto.” -Goin Nankai, “Fiori di susino” del 1740, rotolo, inchiostro su carta. Il susino è uno delle 4 piante nobili insieme al bambù, le orchidee e i crisantemi. Venivano usati come modelli per la pratica della calligrafia e servivano ai letterati per la transizione da scrittori a pittori, perché ogni pianta è così diversa nei modelli e nelle caratteristiche, che è un significante test delle abilità con il pennello. Nel suo dipinto la realizzazione artistica viene dimostrata dal forte contrasto tra le pennellate vigorose eseguite nella tecnica hihaku e quelle delicate dei petali del fiore. -Yanagisawa Kien, “Bambù” della metà del XVIII sec, rotolo, verde chiaro su carta blu indaco. Non si vedono né l’inizio né la fine della pianta di bambù ma solo il ramo che attraversa la parte superiore del dipinto. È il simbolo del gentiluomo perché si piega ma non si spezza. L’autore utilizza la firma e il sigillo per riempire lo spazio in modo da non lasciare spazi blu vuoti e dare equilibrio al dipinto. -Ike Taiga, “Prima visita ai dirupi rossi” del 1749 Byōbu (paravento a 6 pannelli), colore su carta. A sinistra vi è un grande specchio d’acqua avvolto dalla nebbia e dal quale spuntano delle rocce.