Riassunto completo opere cricco di teodoro, Sintesi del corso di Storia dell'Arte Moderna

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Sommario IL QUATTROCENTO....................................................................................................................7 RINASCIMENTO......................................................................................................................7 FILIPPO BRUNELLESCHI (1377-1446)......................................................................................7 Sacrificio di Isacco................................................................................................................7 Cupola di Santa Maria del Fiore..........................................................................................8 Spedale degli Innocenti.......................................................................................................8 Sagrestia vecchia di San Lorenzo.........................................................................................8 Basilica di San Lorenzo.........................................................................................................8 Basilica di Santo Spirito.......................................................................................................8 MICHELOZZO DI BARTOLOMEO (1396-1472).........................................................................8 Monumento Brancacci........................................................................................................9 Palazzo Medici.....................................................................................................................9 LORENZO GHIBERTI (1378-1455)...........................................................................................9 Porta nord del battistero.....................................................................................................9 Porta del paradiso...............................................................................................................9 JACOPO DELLA QUERCIA (1371-1438).................................................................................10 Monumento funerario di Ilaria del Carretto.....................................................................10 DONATELLO (1386-1466).....................................................................................................10 San Giorgio........................................................................................................................10 I Profeti Geremia e Abacuc................................................................................................10 Il banchetto di Erode.........................................................................................................11 Cantoria.............................................................................................................................11 David..................................................................................................................................11 Maddalena penitente........................................................................................................11 MASACCIO............................................................................................................................12 Sant’Anna Metterza...........................................................................................................12 Polittico di Pisa...................................................................................................................12 Madonna in trono con il bambino e quattro angeli.......................................................12 Crocifissione....................................................................................................................12 Cappella Brancacci.............................................................................................................13 Il tributo..........................................................................................................................13 Cacciata dal paradiso terrestre.......................................................................................13 Pietro che risana con l’ombra.........................................................................................13 1 Battesimo dei neofiti......................................................................................................13 Trinità.................................................................................................................................13 BEATO ANGELICO.................................................................................................................14 Annunciazione...................................................................................................................14 Deposizione di Cristo.........................................................................................................14 Cristo deriso.......................................................................................................................14 LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472)..................................................................................15 Palazzo Rucellai.................................................................................................................15 Facciata di Santa Maria Novella........................................................................................15 Chiesa di San Sebastiano...................................................................................................15 Chiesa di Sant’Andrea........................................................................................................15 PAOLO UCCELLO (1397-1475)..............................................................................................16 Monumento a Giovanni Acuto..........................................................................................16 Battaglia di San Romano....................................................................................................16 PIERO DELLA FRANCESCA (1412-1492)................................................................................16 Battesimo di Cristo............................................................................................................16 Storie della Croce...............................................................................................................16 Salomone e la regina di Saba..........................................................................................17 Il sogno di Costantino.....................................................................................................17 Flagellazione di Cristo........................................................................................................17 La resurrezione di Cristo....................................................................................................17 Dittico degli Uffizi...............................................................................................................17 Sacra Conversazione..........................................................................................................18 SANDRO BOTTICELLI (1445-1510)........................................................................................18 La primavera......................................................................................................................18 Nascita di Venere...............................................................................................................18 Madonna del Magnificat...................................................................................................19 La calunnia.........................................................................................................................19 ANTONELLO DA MESSINA (1430-1479)................................................................................20 San Gerolamo nello studio................................................................................................20 Ritratto di giovane uomo...................................................................................................20 San Sebastiano...................................................................................................................20 Vergine Annunciata...........................................................................................................20 ANDREA MANTEGNA (1431-1506).......................................................................................21 Orazione nell’Orto.............................................................................................................21 2 Madonna delle arpie.........................................................................................................42 MANIERISMO........................................................................................................................43 PONTORMO (1494-1556).....................................................................................................43 Alabardiere........................................................................................................................43 Deposizione.......................................................................................................................43 ROSSO FIORENTINO (1495-1540).........................................................................................44 Deposizione.......................................................................................................................44 Pietà...................................................................................................................................44 AGNOLO BRONZINO (1503-1572)........................................................................................44 Ritratto di Eleonora di Toledo con il figlio.........................................................................44 PARMIGIANINO (1503-1540)................................................................................................45 Madonna dal collo lungo...................................................................................................45 BENVENUTO CELLINI (1500-1571)........................................................................................45 Perseo................................................................................................................................45 GIORGIO VASARI (1511-1574)..............................................................................................46 Giudizio Universale............................................................................................................46 Gli uffizi..............................................................................................................................46 JACOPO TINTORETTO (1518-1594)......................................................................................47 Miracolo dello schiavo.......................................................................................................47 Ritratto del procuratore Jacopo Soranzo..........................................................................47 Crocifissione......................................................................................................................47 Ultima Cena.......................................................................................................................48 PAOLO VERONESE (1528-1588)............................................................................................48 Cena in casa di Levi............................................................................................................48 Adorazione dei Magi..........................................................................................................48 IL SEICENTO.............................................................................................................................49 BAROCCO..............................................................................................................................49 ANNIBALE CARRACCI (1560-1609).......................................................................................50 Il mangiafagioli..................................................................................................................50 Galleria di Palazzo Farnese................................................................................................50 CARAVAGGIO (1571-1610)...................................................................................................51 Testa di Medusa................................................................................................................51 Canestra di frutta...............................................................................................................51 Bacco..................................................................................................................................51 Vocazione di San Matteo...................................................................................................52 5 Crocifissione di San Pietro.................................................................................................52 Morte della Vergine...........................................................................................................52 BERNINI (1598-1680)............................................................................................................53 Apollo e Dafne...................................................................................................................53 Estasi di Santa Teresa........................................................................................................53 Baldacchino di San Pietro..................................................................................................53 Colonnato di piazza San Pietro..........................................................................................54 FRANCESCO BORROMINI (1599-1667).................................................................................54 Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane..........................................................................54 Chiesa di Sant’Ivo alla Sapienza.........................................................................................54 Basilica di San Giovanni in Laterano..................................................................................54 PIETRO DA CORTONA (1597-1669)......................................................................................55 Trionfo della divina provvidenza.......................................................................................55 GUIDO RENI (1575-1642).....................................................................................................55 Strage degli innocenti........................................................................................................55 Atalanta e Ippomene.........................................................................................................55 Nesso e Deianira................................................................................................................55 GUERCINO (1591-1666)........................................................................................................56 Il ritorno del figliol prodigo................................................................................................56 Annunciazione...................................................................................................................56 L’angelo appare ad Agar e Ismaele...................................................................................56 SETTECENTO............................................................................................................................57 ROCOCO’...............................................................................................................................57 FILIPPO JUVARA (1678-1736)...............................................................................................57 Basilica di Superga.............................................................................................................57 Palazzina di caccia di Stupinigi...........................................................................................57 LUIGI VANVITELLI (1700-1773).............................................................................................58 Reggia di Caserta...............................................................................................................58 GIAMBATTISTA TIEPOLO (1696-1770)..................................................................................58 Banchetto di Antonio e Cleopatra.....................................................................................58 Residenza di Würzburg......................................................................................................59 Il sacrificio di Ifigenia.........................................................................................................59 PIETRO LONGHI (1702-1785)................................................................................................59 Lezione di danza................................................................................................................59 Lo speziale.........................................................................................................................59 6 VEDUTISMO..........................................................................................................................60 ANTONIO CANALETTO (1697-1768).....................................................................................60 Il Canal Grande verso Est...................................................................................................60 Eton Collage.......................................................................................................................60 FRANCESCO GUARDI (1712-1793)........................................................................................61 Molo con la Libreria, verso la Salute.................................................................................61 Laguna vista da Murano....................................................................................................61 ILLUMINISMO.......................................................................................................................62 GIOVAN BATTISTA PIRANESI (1720-1778)............................................................................62 Santa Maria del Priorato...................................................................................................62 NEOCLASSICISMO.................................................................................................................62 ANTONIO CANOVA (1757-1822)..........................................................................................63 Teseo sul Minotauro..........................................................................................................63 Amore e Psiche..................................................................................................................63 Adone e Venere.................................................................................................................63 Ebe.....................................................................................................................................63 Paolina Borghese...............................................................................................................63 Le Grazie............................................................................................................................64 Monumento funebre a Maria Cristina d’Austria...............................................................64 JACQUES-LOUIS DAVID (1748-1825)....................................................................................64 Il Giuramento degli Orazi...................................................................................................64 La morte di Marat..............................................................................................................65 7 Vita: Formazione culturale modesta, frequenta la potente famiglia dei Medici e tramite essa entra in contatto con il più aggiornato pensiero del tempo. Come architetto e scultore lavora soprattutto in Firenze e in Toscana. La sua attività si svolgerà a contatto con le opere di Brunelleschi. Michelozzo resta fra gli architetti fiorentini della generazione dopo quella di Brunelleschi, infatti la sua attività è a stretto contatto con le opere di Brunelleschi, di cui in parte diffonde il linguaggio. Monumento Brancacci Anno: 1425-1427 Luogo: Chiesa di Sant’Angelo a Napoli. Monumento funebre del cardinale Brancacci. Elaborazione della tomba trecentesca, vi sono due angeli che scostano le cortine, il sarcofago è sorretto da tre donne (cariatidi), e la statua del cardinale è posta sopra il sarcofago. In alto, entro una ghirlanda di foglie, è rappresentato l'Eterno in atto di benedizione. Palazzo Medici Anno: 1444-1464 Luogo: Firenze Fu cosimo il Vecchio a volere Michelozzo per affidargli la costruzione. Il palazzo è fondamentale poiché è situato in una posizione strategica all’interno del tessuto urbano di Firenze, perché trovandosi in un incrocio è visibile a chi proviene dalla cattedrale o dal battistero, rivelando la sua alta collocazione nella gerarchia politico-architettonica della città. Il palazzo aveva una forma originariamente cubica, come una domus romana, i vari ambienti si articolano attorno ad un cortile centrale nel quale si entra attraverso un vestibolo coperto da una volta a botte. Nel cortile erano presente il David e la Giuditta di Donatello. LORENZO GHIBERTI (1378-1455) Nato: 1378 Firenze Morto: 1455 Firenze Attività: Orafo, scultore Vita: Viene educato fin da piccolo nella bottega del padre, era un orafo. Nella sua vita realizza due porte, ma anche sculture, vetrate, porta-reliquie, reliquiari di uso religioso. Porta nord del battistero Anno: 1403-1424 Luogo: Battistero di Firenze Nel 1401 c’è il concorso per la porta nord del battistero: - Chi commissiona l’opera è l’Arte di Calimala, patrona di S. Maria del Fiore; - Partecipano vari orafi fiorentini e toscani importanti, tra cui Jacopo della Quercia, Ghiberti e Brunelleschi. - Il compito del concorso era quello di scolpire una formella in bronzo con il tema del Sacrificio di Isacco; - La formella doveva essere inscritta entro un quadrilobo; - Il tema della porta era invece il Nuovo Testamento. Il 30 novembre 1403 Ghiberti firmò il contratto di allogazione, come Lorenzo di Bartolo. La porta viene terminata nel 1424, dopo circa 20 anni di lavoro, in cui Ghiberti avrà durante il suo corso un’evoluzione stilistica, conciliando la tradizione scultorea del gotico internazionale con lo stile rinascimentale, analizzando anche i problemi prospettici. Ghiberti si auto-raffigura in un posto molto visibile della porta, dove pone anche la sua firma. Si raffigura come un artista, cioè con un turbante sulla testa. Il giovane artista si rivela essere orgoglioso e cosciente del proprio ruolo di artista. “Opus Laurenti Florentini” – “Opera di Lorenzo fiorentino”. Pone l’attenzione anche sulla sua dichiarata appartenenza a Firenze, un luogo importantissimo per la cultura artistica. Una città consapevole della ricca quantità di cultura e della presenza di molti grandi artisti. La formella di Ghiberti Il gruppo dei personaggi di sinistra controbilancia perfettamente quello di destra secondo una tradizione di equilibrio e compostezza, di ispirazione classica. La roccia che divide geometricamente la scena sottolinea con efficacia i due diversi momenti della narrazione. A sinistra gli ignari servitori che parlano tra loro, a destra Abramo e Isacco. Le figure dei due protagonisti sono realizzate con grande tecnica e abbondanza di particolari. Dai loro gesti armoniosi e lenti però non traspare la drammaticità del momento, il perfetto nudo di Isacco è un’ulteriore citazione classica. Infine l’angelo che si materializza dal nulla costituisce una presenza simbolica, ma crea anche un forte effetto di profondità spaziale. Porta del paradiso Anno: 1425-1452 Luogo: Battistero di Firenze La porta del paradiso viene commissionata dall’Arte di Calimala, che voleva fossero rappresentate e raccontate le scene dell’Antico Testamento. La porta è formata da 10 forme rettangolari, ognuna con una scena, inserita in una struttura, al centro della quale 10 Ghiberti porrà il suo ritratto. Ghiberti, ormai affermato, non riceve ordini/indicazioni su ciò che deve essere rappresentato e su come debba essere fatto. Ha la piena libertà di agire come vuole e la completa fiducia di tutti. Nei commentari scrive come ha agito nella creazione della porta, quali scelte stilistiche ha utilizzato, come ha utilizzato la prospettiva a suo favore (figure importanti in primo piano), vuole mettere anche in risalto l’imitazione della natura, ci racconta che l’opera era ricca di dettagli e che ogni forma raffigurava oggetti e ambientazioni molto diverse tra loro. “Condussi detta opera con grandissima diligenza e con grandissimo amore”. JACOPO DELLA QUERCIA (1371-1438) Nato: 1371 Siena Morto: 1438 Siena Attività: Scultore Vita: Attivo a Siena, Lucca, Bologna. Nel 1401 partecipò senza successo al concorso per la porta nord del battistero di Firenze. Dato il carattere non programmatico ma intuitivo della sua adesione ai principi rinascimentali, converrà considerarlo un importante figura di passaggio dal gotico al rinascimento. Altre opere: Angelo e Annunziata, Porta Magna, Altare Trenta. Monumento funerario di Ilaria del Carretto Anno: 1406-1407 Luogo: Lucca, Duomo di San Martino L’opera fu ordinata da Paolo Guinigi, signore di Lucca, in onore della seconda figlia morta di parto nel 1405. Il sarcofago è diviso in due parti: l’arca, che si riallaccia alla tradizione delle sepolture romane (sarcofago costituito da cassa e coperchio) e la lastra di copertura che riprende l’uso medievale delle tombe terragne, le cui lapidi erano poste al livello del terreno. La cassa a forma di parallelepipedo è costituita da 4 lastre marmoree, decorate da 10 bambini angeli che reggono fiori e frutta. La figura della donna sembra generata dalla sovrapposizione di tre ellissi, contraddicendo le convenzionalità gotiche e prendendo tratti rinascimentali. DONATELLO (1386-1466) Nato: 1386 Firenze Morto: 1466 Firenze Attività: Scultore e pittore Vita: Cominciò la sua formazione artistica a 17 anni nella bottega del Ghiberti, dal quale acquisisce sia le tecniche della fusione in bronzo sia l’amore per l’arte classica. Donatello contribuisce in modo sostanziale al rinnovamento della scultura perché: studia oò rapporto uomo-ambiente e crea sculture che vivono nello spazio e cerca di rappresentarne correttamente i corpi, i sentimenti e gli stati d’animo. Tra il 1404 e il 1408 si reca più volte a Roma con Brunelleschi per studiare e ammirare le opere dell’antichità. Però la sua attività principale si svolgerà a Firenze. Con Donatello la scultura giunge a risultati irripetibili non solo perché è stato il primo a sapersi riallacciare alla tradizione greco-romana, ma anche perché per primo ha saputo superarla, infondendo ai suoi personaggi un’unanimità e un’introspezione psicologica che rimarranno a lungo uniche nella storia dell’arte. San Giorgio Anno: 1417 Luogo: Realizzata per la chiesa di Orsanmichele, Firenze. L’originale è posta nel Museo Nazionale del Bargello, Firenze. Storia: Secondo la leggenda San Giorgio uccise un drago che teneva prigioniera una principessa. L’eroe indossa un corto mantello usato da Greci e Romani; le sue armi sono soltanto uno scudo e una corazza. Il San Giorgio testimonia la nuova visione dell’uomo, centro del mondo e della natura, propria della cultura umanistica. La statua, nel decorativismo del panneggio, presenta ancora qualche traccia del gusto gotico. Ma l’orgogliosa postura, la tranquilla gravità del volto già prefigurano la nuova sensibilità rinascimentale e donatelliana. San Giorgio infatti ci appare solido e ben piantato al suolo, con le gambe leggermente divaricate e il grande scudo a forma di rombo che funge da ulteriore punto d’appoggio. Donatello conferisce al San Giorgio dei tratti pensosi: le sopracciglia sono contratte e la fronte aggrottata come per esprimere un’inquietudine interiore. San Giorgio e la principessa Nel basamento della statua Donatello realizza un bassorilievo con San Giorgio che trafigge un drago (simbolo del peccato e delle barbarie) e la principessa (personificazione della Chiesa). Alle spalle della donna vi è un portico in prospettiva (emblema di razionalità). In esso l’artista mostra di aver acquisito la padronanza delle tecniche brunelleschiane della prospettiva geometrica, che crea degli effetti di chiaroscuro simili a quelli ottenibili in pittura. I Profeti Geremia e Abacuc Anno: 1423-1435 Luogo: Realizzata per il campanile di Giotto, Firenze. Ora posti nel Museo dell’Opera del Duomo, Firenze. In queste opere emerge l’importanza degli effetti prodotti dal chiaroscuro, luce e ombra sembrano impigliarsi tra le pesanti pieghe del mantello, come se la stoffa avesse una rigidità innaturale, quasi 11 metallica. Questo contribuisce a dare alla figura un’imponenza e una dignità come non si era più visto dal periodo ellenistico. Per realizzare le statue Donatello si ispira a modelli vivi, quindi sono veri e propri ritratti, raffigurando il vero così come lo vede, e non facendosi condizionare dall’idea astratta che ogni artista tende a farsi. La bellezza dell’uomo donatelliano non sta nell’aspetto esteriore che può essere anche sgraziato, ma piuttosto nella grandezza d’animo e nella dignità morale. Il banchetto di Erode Anno: 1423-1427 Luogo: Battistero di Siena Donatello viene chiamato a collaborare insieme a Jacopo della Quercia e Ghiberti nella realizzazione della fonte battesimale del Battistero di Siena. In quest’occasione Donatello realizza questa formella in bronzo. A sinistra un servo inginocchiato offre a Erode un vassoio recante la testa mozzata del battista. Il sovrano, che aveva comandato la decapitazione per compiacere la giovane Salomè, è rappresentato da Donatello nell’atto di ritirarsi, con le palme delle mani aperte, in un gesto quasi di orrore di fronte a quella terribile vista. Anche gli altri partecipanti al banchetto si ritraggono agghiacciati dalla crudele esecuzione, quindi i personaggi del rilievo sono polarizzati ai lati e al centro si crea un vuoto. Donatello considera il rilievo come rappresentazione di un evento religioso, ma che in quanto tale è anche un fatto storico. L’artista costruisce un telaio architettonico fatto di piani paralleli e di linee ortogonali che serve oltre che a datare l’avvenimento (poiché l’architettura nel rilievo è antica) anche ad unire i due tempi della storia. Il geometrico succedersi degli archi sullo sfondo contribuisce a dare ulteriore profondità all’intera scena. Al di là degli archi si stanno svolgendo due altre fasi della narrazione: - Nel secondo livello un suonatore dio viola allude alla danza che Salomè, raffigurata a destra, sta ancora compiendo/concluso. - Nel terzo livello ritorna il servitore che, in un momento precedente, mostra la testa del Battista anche a Erodiade e a due ancelle. Cantoria Anno: 1433-1438 Luogo: Realizzato per la Cattedrale di Santa Maria del Fiore, Firenze. Oggi conservata nel Museo dell’Opera del Duomo, Firenze. Donatello viene incaricato dell’esecuzione di una Cantoria (dal latino cantare) per la Cattedrale di Santa Maria del Fiore. Si tratta di un balcone in marmo sul quale salivano i coristi per accompagnare le celebrazioni liturgiche. La cantoria di Donatello è gemella di quella a cui stava lavorando Luca della Robbia da qualche anno e che era posta sulla parete di fronte. Il tema delle due opere è il Salmo 150 dell’Antico testamento, nel quale tutti sono invitati a lodare Dio con canti, musiche e danze. Donatello inventa uno spazio prospettico nuovo dentro il quale far muovere i personaggi: - Davanti: serie di colonnette binate composte da mosaici policromi. - Dietro: il piano di fondo del bassorilievo viene variamente punteggiato da tessere dorate. - Centro: tra i due piano si svolge lo sfrenato corteo e la gioiosa vivacità dei putti danzanti. David Anno: 1435/1440 Luogo: Museo Nazionale del Bargello, Firenze. La statua venne realizzata per Cosimo De Medici. E’ la prima statua che dopo un millennio, raffiguri un nudo virile. La scelta del nudo e l’uso del bronzo rappresentano chiare riprese dell’arte classica, ma la posa irrequieta e la vivacità dei giochi di luce sulla superficie della statua costituiscono tratti stilistici del tutto originali. Il David in bronzo è un adolescente pensoso, quasi sorpreso di essere stato coinvolto in un’impresa così straordinaria. Tutto il peso del giovane corpo grava sulla gamba destra, imponendo così un corrispondente abbassamento del bacino a sinistra. Per contro la spalla sinistra è lievemente rialzata, mentre la mano destra impugna una lunga spada e il piede sinistro poggia, in segno di vittoria, sulla testa del nemico ucciso. La luce scivola dolcemente sulle membra adolescenti di David che finisce per addensarsi ai suoi piedi, dove crea ombre profonde sulla testa di Golia. Il corpo è leggermente sbilanciato, la gamba piegata nel passo non lo sostiene, deve far forza sull’altra. Maddalena penitente Anno: 1453-1455 Luogo: Museo Nazionale del Bargello, Firenze. Le opere del Donatello dell’ultimo periodo sono frutto del tormento esistenziale dell’artista che medita sul dolore e sulla morte. Un esempio è proprio quest’opera che ci appare non solo consumata nel fisico (digiuni e astinenza), ma anche dilaniata nell’animo. Il volto ossuto e sofferente, solcato da due profondi occhi, le mani 12 Cappella Brancacci Anno: 1424-1428 Luogo: Chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze. Grande ciclo di affreschi realizzata in collaborazione con Masolino, voluta da Michele Brancacci. Il tema è quello della vita di San Pietro, al quale si aggiungono anche due scene tratte dalla Genesi. La centralità della figura di Pietro allude a quella della Chiesa, persecutrice dell’opera di salvezza dell’umanità iniziata da Cristo. Il tributo Storia: Viene illustrato un episodio del vangelo di Matteo in cui Gesù e i suoi apostoli, entrando nella città di Cafarnao, devono pagare alla guardia un tributo per il Tempio di Gerusalemme. Gesù indica a Pietro di pescare un pesce nella cui bocca troverà una moneta d’argento per pagare la tassa. Differenze temporali: Masaccio concentra nello stesso dipinto quattro momenti temporali diversi. - 1: al centro la guardia esige il tributo -> stupore dei discepoli perché non hanno soldi. - 2: al centro, Gesù ordina a Pietro di andare a pescare. - 3: a sinistra, Pietro sta pescando. - 4: a destra, Pietro consegna il denaro alla guardia. Tecniche: Masaccio definisce con il chiaroscuro i volumi e i realistici panneggi, ricorrendo a pochi colori essenziali. Cacciata dal paradiso terrestre In questo affresco sono rappresentati Adamo ed Eva nel momento in cui l’angelo di Dio li caccia dall’Eden. Adamo ed Eva sono raffigurati nudi, con uno straordinario realismo. I due protagonisti sono rappresentati in espressioni di dolore: Adamo si copre il volto con le mani dal senso di colpa, ed Eva si copre con vergogna (si accorge solo dopo il peccato originale di essere nuda e di conseguenza di provare vergogna) e piange urlando, con una dolorosa espressione sul volto. In alto l'angelo, con la spada, gli indica la via. Le loro figure manifestano una conoscenza dell'anatomia approfondita e vengono modellate attraverso l’uso del chiaroscuro. I corpi sono così volutamente massicci, sgraziati, realistici. In quest’opera Masaccio esplora l’uomo, lo studia e non ha paura di rappresentarne anche gli aspetti negativi. I piedi delle figure proiettano ombre e paiono occupare un vero e proprio spazio. Pietro che risana con l’ombra L’episodio raffigurato è tratto dagli Atti degli Apostoli e narra che San Pietro potesse risanare gli infermi al solo passaggio, non appena la sua ombra li sfiorasse. - Architettura medievale: sullo sfondo ci sono due sporti medievali / una colonna isolata col capitello corinzio. - Architettura rinascimentale: palazzo signorile sulla sinistra ( facciata di una chiesa e un campanile in stile rinascimentale. Sono particolari molti significativi e anche incoerenti, ma che riflettono una delicata fase di passaggio da un assetto urbanistico medievale alla nascente realtà rinascimentale. Battesimo dei neofiti L’episodio raffigurato è tratto dagli Atti degli Apostoli e quando Pietro battezzò in una sola giornata circa tremila neofiti. Lo spazio nel quale si accalcano i personaggi ci appare intimo e delimitato. Sullo sfondo le montagne chiudono l’orizzonte, suggerendo il senso di lontananza grazie al progressivo diradare dei colori. La figura del battezzando, grazie al chiaroscuro, presenta un corpo scultoreo, però Masaccio lavora anche sui dettagli (le bollicine dell’acqua sui capelli e le gocce che cadono nel fiume). L’amore di Masaccio per il vero e il naturale lo troviamo nella figura a destra che, percorso da un brivido di freddo, cerca istintivamente di difendersi incrociando le braccia. Trinità Anno: 1426-1428 Luogo: Santa Maria Novella, Firenze. In primo piano, in basso, troviamo un sarcofago con sopra uno scheletro con la scritta “Io fu già quel che voi siete e quel che io sono voi sarete”. Procedendo verso l’alto abbiamo due committenti inginocchiati che pregano. All’interno della cappella dipinta sono rappresentati accanto alla croce: la Vergine che rivolge a noi uno sguardo severo, indicandoci Gesù con la mano destra, e San Giovanni Battista con le mani giunte. Infine troviamo la raffigurazione della trinità: al vertice della piramide Dio, in mezzo la colomba che indica lo Spirito Sante e Gesù crocifisso -> la composizione è piramidale ed è presente il procedimento ascensoriale dall’esterno dell’arco all’interno. 15 BEATO ANGELICO Nato: 1400 Firenze Morto: 1455 Roma Attività: Pittore Vita: Entra in convento come monaco. Nel 1437 inizia ad affrescare le celle e alcuni locali comuni del convento fiorentino di San Marco. Per volere del Papa Angelico è a Roma e nel 1449 affresca la Cappella Nicolina. Dal 1449 ricopre la carica di priore al convento, dove si ritira sospendendo tutte le attività artistiche. Quando è gravemente malato torna a Roma, dove muore nel 1455. Stile: Il nome “Beato Angelico” fa riferimento alla sua irreprensibile condotta morale sia alla straordinaria abilitò con la quale il maestro ha sempre saputo far coesistere la tecnica rinascimentale con l’ancora viva tradizione gotica, dando origine ad una pittura originale e personale. Annunciazione Anno: 1425 Luogo: Realizzata per il convento di San Domenico, Firenze. Oggi conservata al Museo del Prado, Madrid. Il tema dell’annunciazione è sempre stato caro ad Angelico per la ricchezza dei suoi valori simbolici, e lo propone spesso in varie opere. Nel pannello inferiore, più piccolo, sono raffigurate cinque scene tratte dalla vita di Maria. Il pannello superiore, il più grande, è occupato da una porzione di edificio messa in prospettiva, essa è composta da un ambiente chiuso (camera della vergine) e da un’ampia loggia colonnata sul davanti aperta da due lati. La camera è arredata con una semplice panca appoggiata sulla parete di destra, il capitello composito nasconde in parte una finestra dalla quale entra la luce che crea l’ombra della panca sul pavimento. Le vele sono dipinte d’un azzurro intenso punteggiato da stelline d’oro ad imitazione del cielo. L’angelo nunziante, dalle ali dorate, s’inchina verso Maria con le mani conserte sul davanti in segno di rispetto r devozione. Maria a sua volta si protende verso di lui mentre un fascio di luce dorata proveniente dalle mani di Dio accompagna il volo della colomba dello spirito santo verso il seno di Maria. A sinistra vi è il paradiso terrestre con Adamo ed Eva che sono cacciati via dall’angelo. I personaggi realizzati da Angelico, seppur ben studiati, risultano sospesi in atmosfere astratte e dalla dolce spiritualità. Deposizione di Cristo Anno: 1430 Luogo: Destinata alla Chiesa della Santa Trinità, Firenze. Oggi conservata al Museo Nazionale di San Marco, Firenze. Nonostante la cornice (tipicamente gotica) che forza la scena dentro i tre archi dorati a sesto acuto, l’Angelico unifica la scena e lo spazio della narrazione dentro i tre archi, dando profondità prospettica al dipinto. In quest’opera Angelico mostra si saper conoscere la nuova cultura prospettica. - Centro: Gesù, il cui corpo viene fatto calare dalla croce. - Alto: a sinistra una città ricca di case e torri variopinte, a destra degli angeli. - Destra: gruppo di donne in lutto, si preparano ad accogliere il corpo di Gesù. Il loro pianto aggiunge una nota dolorosa alla scena - Sinistra: le donne si contrappongono al gruppo di uomini a destra, che sembrano appartenere ad una dimensione più spirituale che alla realtà quotidiana. Cristo deriso Anno: 1437-1447 Luogo: Convento domenicano di San Marco, Firenze. Angelico affresca tutte e 44 le celle del dormitorio. In questo dipinto adotta uno stile diverso dal solito, più semplice, e ritrae Gesù e i gesti che gli furono afflitti prima della crocifissione. Non rappresenta i soldati che lo insultarono, si limita però solo ad indicarne i gesti: lo sputo, le mani che lo tormentano, gli schiaffi, un bastone. In basso, ai due lati, sono seduti San Domenico e la Vergine. Da sotto la benda che Gesù indossa si intravedono gli occhi tristi ma dignitosi del Cristo che sopporta con pazienza le ingiurie che gli vengono inflitti -> trasmette ideali e insegnamenti spirituali. 16 LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472) Nato: 1404 Genova Morto: 1472 Roma Attività: Architetto, Letterato Vita: Alberti fu il più importante teorico dell’arte rinascimentale, fu uno dei più colti e raffinati umanisti ma, al contrario di altri, non si dedicò alla ricerca di codici di opere classiche. Per lui l’antichità era fonte di inesauribile insegnamento: era il passato che giustificava il presente, un qualcosa che doveva essere continuato, con il quale confrontarsi e che poteva anche essere superato. Fece proprie le forme letterarie degli antichi e le attualizzò, modificandole e adattandole al proprio pensiero. Alberto ritiene che l’attività di architetto debba essere puramente mentale, cioè teorica, perciò non si occupava personalmente alla direzione dei lavori. - De Pictura: espone i principi della prospettiva e dà la definizione di disegno (importanza della composizione e della relazione tra luce e ombra). Ritiene che lo scopo della pittura sia, oltre che l’imitazione della natura, la ricerca della bellezza intesa come ciò che da piacere all’occhio. Soltanto la bellezza ha la facoltà di preservare le opere d’arte dalla violenza distruttrice dell’uomo. - De Statua: l’artista descrive la realizzazione e l’impiego di più strumenti utili per il rilievo di una statua. - De Re Aedificatoria: le conoscenze tecniche e letterarie danno vita ad una trattazione dell’arte di edificare. Parla del disegno, dei materiali da costruzione, dei procedimenti costruttivi, degli edifici, strade, ponti, fortezze. Palazzo Rucellai Anno: 1452 Luogo: Firenze Modello esemplare per l’architettura residenziale fiorentina, inteso come manifesto del benessere e del potere familiare. In quest’opera Alberti rivela la propria disposizione a considerare l’architettura romana come norma per l’architettura moderna, non solo religiosa ma anche civile: egli combina elementi classici con la rigorosa razionalità geometrica rinascimentale. La facciata è suddivisa orizzontalmente in tre fasce marcapiano classiche, mentre è suddivisa verticalmente da lesene in cui i capitelli propongono una sequenza di ordini classici. Facciata di Santa Maria Novella Anno: 1460 Luogo: Firenze Alberti seppe creare la prima facciata rinascimentale impostata su studiare proporzioni modulari e su un equilibrio classico. La facciata è composta da due ordini, separati da un’altra fascia decorata a riquadri e sormontata da un timpano di ispirazione classica. Il piano terreno è scandito da lesene che reggono un finto loggiato a disegni marmorei, mentre su quattro colonne corinzie poggia una trabeazione classica. Il secondo ordine è a forma di tempietto e le volute laterali, pensate per nascondere la sproporzione fra l’altezza della navata maggiore e quelle minori, sono un elemento innovativo che anticipa soluzione del rinascimento maturo del barocco. Chiesa di San Sebastiano Anno: 1460-1470 Luogo: Mantova L’Alberti realizza una pianta a croce greca preceduta, in uno solo dei bracci, da un pronao con cinque aperture in facciata. La chiesa è raggiungibile da due scalinate laterali che terminano con i 5 ingressi alla chiesa: i tre centrali sono architravate, mentre le aperture collocate all’estremità sono archivoltate. La facciata è suddivisibile in due fasce orizzontali: - Quella superiore è a prevalenza di pieni: ovvero prevale l’assenza di finestre, oculi, rosoni. - Quella inferiore è a prevalenza di vuoti poiché abbiamo la presenza di svariate aperture e le due scalinate. L’interno della chiesa, costituita da un’unica navata, ricorda le piante delle basiliche romane poiché si sviluppa su un unico piano ed ha un’importante apertura centrale che illumina la navata. Questa chiesa rappresenta lo stile dell’Alberti e la sua semplicità che influenzerà gli stili architettonici successivi. Chiesa di Sant’Andrea Anno: 1470-in poi Luogo: Mantova Questa è l’opera che meglio esprime le teorie albertiane dell’edificio come monumentum, ossia architettura che deve recuperare la classicità nella sua dimensione eroica, e come anima, organismo vitale in cui tutte le parti devono contribuire all’armonia, cioè alla bellezza. Tre sono le aperture frontali che immettono nel pronao, quella centrale è costituita da una grande arcata. 17 - Battista è pallida ma rivestita di abiti preziosi e adornata di gioielli. Un’elaborata acconciatura le orna i capelli (rasati sopra la fronte, com’era di moda al tempo) e un gioiello fermato con un nastro le corona la testa. - Federico, col volto segnato da rughe, indossa un berretto e una verse rossa. Sacra Conversazione Anno: 1472-1474 Luogo: Pinacoteca di Brera, Milano. Questa è una delle opere più rappresentative di Piero, oltre che uno degli ultimi dipinti che eseguirà. L’opera ricorda gli avvenimenti importanti, lieti e tragici, di quegli anni: - La nascita a Gubbio dell’erede di Federico (24 gennaio 1472); - La successiva morte, per conseguenza del parto, della moglie Battista Sforza; - La conquista di Volterra da parte di Federico, che nella tavola appare rivestito della sua armatura da battaglia. La vergine in trono, adorante il bambino addormentato, è circondata da 6 santi e 4 angeli. Dinanzi a lei, inginocchiato a destra, c’è Federico da Montefeltro signore d’Urbino -> decide di non essere raffigurato al posto d’onore (alla destra della vergine) ma di stare a sinistra per due motivi: motivazione estetica (aveva perso in battaglia l’occhio destro e parte del naso) e perché affida a lei il compito di proteggere lo stato. La Vergine con il bambino addormentato rivela la pietà. Il gioiello che pende dal collo del piccolo Gesù: una catenina terminante con un rametto di corallo e peli di tasso, è un dono beneaugurante, ma anche un altro significato. Infatti il rametto, rosso come il sangue, si dispone sul petto del Bambino nella stessa posizione in cui una lancia avrebbe perforato il costato del bambino fattosi uomo e crocifisso. I personaggi si trovano nella campata dell’edificio che è più vicina a noi, anche se la composizione prospettica sembra proiettarli al centro dell’edificio, al di sotto della cupola che immaginiamo ergersi all’incrocio dei quattro bracci della croce. L’architettura è dipinta esaltando e conferendole tridimensionalità, mentre una grande attenzione è portata ai più minimi dettagli, ne fanno fede gli abiti di non facile rappresentazione. E’ però sull’armatura di Federico che Piero ha veramente misurato il proprio valore, perché sulla corazza si riflettono il manto della vergine e la finestra che è la fonte di luce nascosta a sinistra. L’emo invece, volto verso chi osserva, vi si riflette lo stesso Federico. SANDRO BOTTICELLI (1445-1510) Nato: 1445 Firenze Morto: 1510 Firenze Attività: Pittore Vita: Lavora nella bottega di Ghiberti, Filippo Lippi e poi Andrea del Verrocchio. Dal 1470 è un pittore indipendente ed ha una sua bottega artistica. Lavorò per i Medici e fu esecutore fedele della loro politica culturale. Nel 1481 fu mandato a Roma da Lorenzo de Medici per dipingere tre affreschi nella Cappella Sistina -> la missione ha uno scopo politico-religioso. Con il precipitare degli eventi fiorentini (la morte di Lorenzo) la sua ansia diventa angoscia, solitudine e disperazione -> aderisce al movimento religioso del frate domenicano Gerolamo Savonarola -> il suo profondo ed inqueto sentimento religioso ispirò le opere eseguite tra il 1495 e il 1510, anno della sua morte. Stile: A metà del ‘400 si afferma la convinzione che l’idea sia superiore alla realtà. Il disegno viene quindi inteso come materializzazione dell’idea, per la sua immediatezza è più vicino al pensiero e all’invenzione artistica di quanto non lo sia l’opera finita. Il disegno quindi assume una propria dignità e autonomia -> per Botticelli il disegno è principalmente linea di contorno che circonda il soggetto e lo stacca dallo sfondo. La primavera Anno: 1478 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze. Botticelli, con questo quadro, riporta in vita l’interesse per i soggetti mitologici -> ad un pubblico abituato a vedere prevalentemente soggetti sacri, propone gli dèi antichi e la loro corte di esseri mitici di cui i poeti classici avevano cantato le gesta. Il quadro era stato pensato per essere collocato nella residenza Fiorentina di Lorenzo di Pierfrancesco de Medici. La scena avviene in un bosco verdeggiante, punteggiata da piante e fiori. La lettura del dipinto avviene da destra a sinistra: - A destra Zefiro (vento primaverile) insegue Clori (ninfa della terra) -> si uniscono -> nasce Flora (personificazione della primavera) - Al centro vi è Venere che avanza a passo di danza offrendosi a chi guarda. Cupido le volteggia sopra mentre scaglia una freccia infuocata verso le Grazie. - A sinistra ci sono le tre Grazie (ragazze nel corteggio di Venere) che danzano tenendosi per mano. Mercurio (dio dei venti) allontana le nuvole del giardino con il suo caduceo. Rappresentare Venere al centro del quadro è un invito a Lorenzo Di Pierfrancesco a scegliere l’umanità. Si tratta quindi di un soggetto dal valore pedagogico la cui forza di persuasione sta in ciò che si vede. Nascita di Venere Anno: 1484/1485 20 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze. Il quadro si ricollega perfettamente alla Primavera. Il tema scelto mostra il significato spirituale che la filosofia platonica attribuiva alla bellezza, cioè a Venere -> è tramite lei che l’uomo si avvicina a Dio ed è sull’amore che l’universo si regge. Composizione: Al centro c’è Venere appena nata dalla schiuma del mare, ma già donna, nuda su una conchiglia. - A sinistra c’è Zefiro, abbracciato a Clori, che la spinge col suo soffio verso l’isola di Cipro. - A destra, sull’isola, c’è Flora ad accogliere la dea -> le porge un mantello rosso cosparso di fiori. Alcune critiche: mancanza della profondità, paesaggio ridotto all’essenziale, le onde sono lievi. Però queste cose sono volute da Botticelli -> perché la mancanza di dettagli sullo sfondo spinge chi guarda ad osservare con attenzione i personaggi. Madonna del Magnificat Anno: 1483 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze Il titolo del quadro deriva dal fatto che nel libro su cui la vergine sta scrivendo compaiono a destra le prime righe in latino del cantico che ella innalzò in risposta al saluto della cugina Elisabetta alla quale era andata a fare visita. Il dipinto è stato realizzato su una tavola circolare lungo la cui circonferenza è raffigurato il vano di una finestra, oltre la quale si apre un semplice paesaggio con un fiume serpeggiante, alberi e un castello lontano. Il polso sinistro della vergine tiene in mano, contemporaneamente al bambino, una melagrana (simbolo del sacrificio di Cristo). La madre pone l’attenzione alla penna, che tiene nella mano destra, mentre il bambino guarda in alto verso l’esterno del dipinto. I due angeli che le stanno di fronte si guardano negli occhi, tenuti abbracciati da un terzo angelo che li osserva teneramente. Gli altri due angeli all’estremità destra e sinistra volgono lo sguardo alla delicata corona di piccole stelle che tengono sospesa sulla testa della Vergine. Nel quadro viene usato moltissimo il colore dell’oro: orna gli abiti, forma le aureole, lumeggia i capelli degli angeli. La calunnia Anno: 1491/1495 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze Antifilo, rivale di Apelle e invidioso dell’onore che godeva presso il re e geloso della sua arte, informa Tolomeo che Apelle avesse fatto parte di una congiura contro di lui, accusa/calunnia falsa. Descrizione di Luciano di Samosata: «Tolomeo, che in generale non poteva dirsi un uomo molto saggio e che per di più era cresciuto in mezzo alle adulazioni della corte, si accese e si sconvolse così tanto per questa accusa, che non si mise a vagliare ogni ipotesi verosimile né a considerare che il delatore (Antifilo) era un rivale di Apelle e che un pittore è una persona troppo umile per un tradimento così importante – un pittore, per giunta, che aveva ricevuto da lui benefici e onori più di ogni altro artista. Al contrario, senza affatto indagare se Apelle si fosse recato a Tiro, all'istante (ricevuto la notizia) era andato fuori di sé e andava riempiendo la reggia delle sue grida, chiamandolo "ingrato", "traditore" e "cospiratore". E se uno dei compagni di prigionia, provando indignazione per la sfrontatezza di Antifilo e avendo compassione per il povero Apelle, non avesse detto che l'uomo non aveva preso parte in alcun modo alla faccenda, egli avrebbe avuto la testa tagliata e avrebbe pagato le conseguenze del fattaccio di Tiro senza esserne in alcun modo responsabile. Si dice che Tolomeo si pentì e si vergognò a tal punto dell'accaduto che donò ad Apelle cento talenti e gli diede Antifilo come schiavo. Apelle, invece, memore del pericolo corso, si vendicò della calunnia con questo quadro. Sulla destra siede un uomo che ha orecchie grandissime molto simili a quelle di Mida; egli protende la mano verso la Calunnia che ancora sta avanzando verso di lui. In piedi gli stanno vicino due donne: l'Ignoranza e il Sospetto. Dall'altra parte del quadro sta arrivando la Calunnia, una donna straordinariamente bella, ma infuocata e agitata, come se fosse in preda all'ira e al furore. Porta una fiaccola accesa con la sinistra e con l'altra mano trascina per i capelli un giovane, il calunniato, che tende le mani al cielo e chiama a testimoni gli dèi. Le fa da guida un uomo pallido e deforme, con occhi acuti e scheletrito come chi ha avuto una lunga malattia, Livore/Invidia. Inoltre, ad accompagnare la Calunnia ci sono altre due donne, che la incitano, la coprono e l'adornano. Come mi spiegò la guida che illustrò il quadro, una era l'Insidia e l'altra la Frode. Dietro la segue una donna completamente vestita a lutto, con vesti nere e lacere – penso che il suo nome fosse Pentimento. In ogni caso essa si voltava indietro piangendo, e guardava piena di vergogna la Verità, una giovane donna nuda che, sollevando il braccio destro in alto e portando l’altro a coprirle il pube con un velo sottile, volge gli occhi al cielo. In questo modo Apelle rappresentò nel dipinto il pericolo che aveva corso, e allora coraggio, descriviamo anche noi se volete, secondo il metodo del lavoro del pittore di Efeso, il volto della calunnia.» 21 ANTONELLO DA MESSINA (1430-1479) Nato: 1430 Messina Morto: 1479 Messina Attività: Pittore Vita: Si deve ad Antonello l’avvio del rinnovamento artistico del Meridione in Italia, sperimentando la combinazione delle tecniche prospettiche con la cura meticolosa dei particolari di origine fiamminga. Nato a Messina di lui si hanno poche notizie, salvo per gli anni in cui lavorò a Venezia -> lasciata la città però continuò il suo lavoro nella nativa Messina fino al 1479, anno in cui morì. Fu probabilmente a Napoli che venne a contatto con le opere fiamminghe -> egli inserisce nelle sue opere una minuziosa ed accurata indagine microscopica. Un dipinto nordico è infatti dato dalla paziente e meticolosa sommatoria di particolari (minuti quanto perfetti), nulla del soggetto rappresentato viene dimenticato o lasciato all’immaginazione o all’interpretazione dell’osservatore. San Gerolamo nello studio Anno: 1475 Luogo: National Gallery, Londra Il dipinto raffigura lo studioso del IV secolo, Gerolamo, santo e dottore della chiesa. In quest’opera si distinguono già alcuni importanti tratti caratteristici della pittura rinascimentale, come la grande attenzione per i dettagli e la comprensione della prospettiva. La tavola mostra, al di là di un arco, un ombroso interno gotico con volte ogivali e bifore ambigue poiché non sappiamo se si tratti di una chiesa o di un edificio civile. - Al centro vi è San Gerolamo, illuminato dalla luce che entra dall’arco di accesso. Viene rappresentato nel suo studio mentre legge, indossa la veste rossa cardinalizia, sui ripiani della libreria ci sono molti oggetti e vari libri. - A destra c’è un lungo corridoio con esili colonne sormontate da archi che convergono verso le due aperture in fondo, da cui entra la luce e che lasciano intravedere un sereno paesaggio. Un leone, attributo del Santo, in ombra, cammina con passo felpato dirigendosi verso lo studio. - A sinistra invece lo sguardo corre libero verso l’ampia finestra, oltre la quale si intravede un paesaggio estremamente dettagliato. - Al centro, in basso, un pavone simboleggia l’eternità (si riteneva che le sue carni non si imputridissero mai), una pernice simboleggia la verità (era credenza che tra le tante voci riuscisse a riconoscere quella della madre). L’attenzione alla descrizione delle cose minute, la ricerca della qualità e gli effetti di luce d’ispirazione fiamminga -> si sommano alla spazialità prospettica in un insieme nuovo ed originale. Ritratto di giovane uomo Anno: 1473 Luogo: National Gallery, Londra. I numerosi ritratti che Antonello eseguì furono molto innovativi. I soggetti non sono più rappresentati di profilo, ma preferisce i tre quarti. Questa scelta, insieme allo sguardo acuto e penetrante rivolto verso chi guarda, conferisce al personaggio un’aria interessante, viva e una personalità che appare spesso enigmatica. In questo ritratto il giovane indossa un berretto rosso alla fiamminga, i suoi vivaci occhi grigio-azzurri guardano l’osservatore. I capelli sono tagliati a caschetto. Lo sguardo fermo contribuisce a conferire al personaggio un senso di calma e sicurezza di sé, ulteriormente evidenziata dal profondo rosso scuro. San Sebastiano Anno: 1478 Luogo: Staatliche Kunstsammlungen, Dresda (Germania). In questo quadro Antonello associa alla monumentalità di una piazza veneziana, animata da vari personaggi, quella della figura umana. San Sebastiano, dal dolcissimo volto inclinato e dagli occhi rivolti al cielo, legato ad un tronco d’albero che si erge solitario nel mezzo della piazza,, ha la stessa solidità delle architetture che gli stanno attorno. La spalla destra è leggermente avanzata rispetto a quella sinistra che si abbassa, l’inclinazione della gamba alza il bacino. La bellezza del corpo non è minimamente compromesso dalle ferite delle frecce che lo trafiggono -> non c’è contrazione dolorosa, solo un atteggiamento estatico, come se contemplasse i cieli che accoglieranno la sua anima. L’albero secco alla quale il santo è legato ha i rami troncati e mostra la perdita parziale della corteccia: la sua ruvidezza è l’elemento di contrasto sia per il corpo del giovane, sia per le architetture veneziane. Vergine Annunciata Anno: 1475 Luogo: Galleria Regionale della Sicilia di Palazzo Abetellis, Palermo. Gli elementi di spazio, forma, luce e colore possono riassumere l’arte di Antonello. Il leggio di legno, su cui poggia un libro dalle pagine sollevate, si inserisce nello spazio dell’osservatore quasi come un baluardo simbolico eretto per proteggere la Vergine. La mano protesa della donna è un elemento prospettico che misura lo spazio, ma nel 22 La luce dell’alba indora i bordi delle nuvole, illumina le zone più elevate e fa brillare i contorni dell’angelo. Bellini riesce a rendere in pittura un momento preciso del giorno. La luce naturale non è sola, ve n’è un’altra provenire da dietro, dorata, e che colora il manto azzurro di Cristo. La profondità è data dall’uso sapiente dei colori per piani: in primo piano colori caldi, nell’ultimo piano quelli freddi. Pala dell’Incoronazione Anno: 1470-1475 Luogo: Musei Civici, Pesaro – Pinacoteca Vaticana, Vaticano. Tra il 1470 e il 1475 Bellini realizza una grande pala d’altare per la chiesa di San Francesco a Pesaro. La pala si compone di una cimasa con l’Imbalsamazione di Cristo, una tavola centrale con l’Incoronazione di Maria, una base con sei storie di vite dei santi, e due pilastri con otto santi. Nella tavola dell’incoronazione di Maria, ancora compresa nella sua cornice originale, per la prima volta la scena viene ambientata all’aperto, fra dolci e verdeggianti colline, trattandola come una Sacra conversazione. Alla prospettiva cromatica si aggiunge una prospettiva lineare rigorosa sia nello scorcio della geometrica pavimentazione marmorea, sia nel trono, ampio quasi quanto la base della tavola stessa. All’interno della scatola prospettica sono disposti tutti i personaggi: la Vergine e il Cristo seduto sul trono sono affiancati dai Santi Gerolamo e Francesco a destra e dai Santi Pietro e Paolo a sinistra. Dietro il gruppo sacro si apre il paesaggio che si vede attraverso l’apertura quadrata nella spalliera del trono, una sorta di quadro nel quadro. Bellini pone l’accento sull’effetto pittorico basato sull’uso del colore -> infatti i suoi personaggi sono delle pure masse cromatiche che variano in funzione della luce. Madonna con bambino e santi Anno: 1488 Luogo: Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frati, Venezia. La pala d’altare è divisa in tre tavole e la cornice architettonica è parte effettiva dell’architettura del dipinto che, con la prospettiva, unifica l’ambiente in cui la sacra conversazione si svolge. L’architettura è costituita da un portico di tre campate di cui le due laterali hanno una copertura piana, mentre quella centrale, più ampia, è coperta a botte. Sotto la volta siede la Vergine con il bambino, sopra un ripiano a pianta ottagonale preceduto da tre gradini. Sia il bambino sia gli occhi della vergine volgono a sinistra, mentre due angeli ai loro piedi suonano. Nelle due campate laterali sono raffigurate le quattro figure dei santi omonimi e protettori dei committenti Pesaro: a sinistra San Pietro e San Nicola di Bari in abito episcopale, a destra San Marco e San Benedetto. Fra tutti solo San Benedetto guarda all’esterno, mentre tiene aperto un libro in cui tratta dell’Immacolata Concezione. Ritratto del doge Leonardo Loredan Anno: 1501 Luogo: National Gallery, Londra. Il quadro raffigura Leonardo Loredan, un uomo di antica famiglia patrizia veneziana che nel 1501 viene eletto come doge di Venezia e che per vent’anni resse le sorti della Repubblica di Venezia. Il doge si staglia contro uno sfondo azzurro che volge appena al chiaro verso il basso -> in tal modo il fondo monocromo suggerisce effettivamente uno spazio aperto e l’azzurro del cielo. Il doge indossa il corno dogale e un mantello dai bottoni sferici: segni esteriori della sua autorità e del suo potere. La brillantezza dell’oro è raggiunta attraverso l’irruvidimento del colore, mentre l’effetto lucido del damasco è ottenuto per velature successive delle ombre, realizzate grazie all’impiego dell’olio. Lo sguardo fiero fissa un punto all’esterno del dipinto. Si accompagna ad un impercettibile sorriso nel volto luminoso e dagli occhi piccoli e infossati dalle rughe. Il volto è lievemente asimmetrico poiché ha creato le due facce del potere: l’una benevola (destra) che suggerisce un sorriso e l’altra severa (sinistra) che appare più rilassata. 25 PIETRO PERUGINO (1445-1523) Nato: 1445 Perugia Morto: 1523 Perugia Attività: Pittore Vita: Iniziò la propria attività in Umbria ma ben presto volle recarsi a Firenze per migliorarsi. In città fu allievo di Andrea Verrocchio ed ebbe come compagno Leonardo da Vinci. Dal 1472 diventa un pittore indipendente ed apre una bottega a Firenze. Nel 1501, per far fronte alle numerose commissioni, ne apre un’altra a Perugia. Lentamente la sua fama viene oscurata dal coetaneo Leonardo, dall’allievo Raffaello e da Michelangelo. Perugino abbandona quindi i centri principali (Firenze e Roma) per ritirarsi in Umbria, dove operò fino alla morte. Nonostante la sua formazione, i caratteri della sua pittura furono gli stessi degli artisti fiorentini del ‘400: la linea di contorno e la prospettiva. Consegna delle chiavi a San Pietro Anno: 1481-1483 Luogo: Cappella Sistina, Città del Vaticano. L’episodio si svolge in una piazza situata davanti un grande tempio a pianta centrale affiancato da due archi di trionfo gemelli, le cui scritte riportate su di essi inneggiano a Sisto VI, committente della cappella, paragonando gli edifici da lui ordinati a quelli fatti edificare da Salomone. Il tempio centrale allude alla nuova chiesa fondata da Cristo. Perugino, per organizzare la composizione, ha fatto ricorso non solo alla prospettiva, ma anche ai rapporti numerici: risulta che il tempio abbia larghezza pari alla somma di quella degli archi trionfali. Inoltre ha collocato i personaggi su due fasce orizzontali: - Allinea le figure principali in primo piano: Cristo, alla presenza degli apostoli e di personaggi contemporanei, porge a San Pietro le chiavi del paradiso, quella d’oro allude al potere spirituale, quella di bronzo al potere temporale dei papi. - In secondo piano molte piccole figure. Il cielo, quasi bianco in basso e di un azzurro intenso in alto, è una caratteristica ricorrente nei quadri dell’artista, come lo è pure il paesaggio che va gradualmente a dissolversi al centro. In questo quadro Perugino unisce alla maestà dei personaggi la delicatezza dei gesti e la dolcezza dei lineamenti. Ciò contribuisce a infondere, nella solennità del momento, la serenità della contemplazione, creando così uno stile che può ben definirsi classico. San Sebastiano Anno: 1490 Luogo: Museo del Louvre, Parigi. Il santo martire in primo piano è raffigurato contro una colonna posta esattamente al centro della tavola. Un pavimento a riquadri si arresta a contatto con una bassa transenna oltre la quale si apre un paesaggio fatto di verdi colline punteggiate di arbusti e di lontani picchi scoscesi. Sono visibili, a destra e a sinistra del martire, due pilastri dal collarino rudentato, ma dalle facce ornate a grottesche in rilievo -> i pilastri contribuiscono alla perfetta simmetria del dipinto, che però viene rotta dal rudere di un pilastro sulla sinistra. Si tratta di allusioni alle rovine antiche che il perugino aveva avuto modo di ammirare durante il soggiorno a Roma. San Sebastiano, in quasi completa nudità e trafitto da due frecce, si mostra alla pietà dei fedeli con la testa sollevata appena reclinata indietro e con gli occhi rivolti al cielo. La gamba destra è tesa e sostiene il corpo, mentre la sinistra ha uno scarto laterale verso l’esterno. L’atteggiamento aggraziato, la nudità eroica e i lunghi arti sono tutti elementi che rinviano alla statuaria classica. Permeato di classicismo appare inoltre l’intero dipinto, con il perfetto equilibrio delle caratteristiche del paesaggio e dell’architettura. Ritratto di Francesco delle Opere Anno: 1494 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze. Perugino ritrae Francesco delle Opere, un intagliatore di pietre dure, ed un ammiratore e seguace del Savonarola. Infatti lo si può vedere nel cartiglio che sporge dal cilindretto di carta arrotolata tenuto stretto nella mano destra di Francesco: “timete deum”, “temete dio”. Francesco è raffigurato dietro un muretto su cui appoggia la mano sinistra dist5esa e la mano destra chiusa a pugno. Indossa la camicia bianca, la veste rossa, il giubbotto marrone, il berretto nero -> ne rende decisa la figura. I capelli sottili e crespi incorniciano vaporosi il suo volto. Gli occhi fissi in quelli dell’osservatore rivelano la sua natura vigile ed accorta. Alle spalle del personaggio Perugino dipinge i numerosi piani di un paesaggio variegato, inquadrandoli tra le formazioni rocciose di destra e di sinistra. Una linea orizzontale definisce il confine tra il cielo e il mare. 26 IL CINQUECENTO MANIERA Nel 1550 Giorgio Vasari pubblicava la prima edizione di “Vite dei più eccellenti architetti, pittori e scultori italiani, da Cimabue fino ai tempi nostri”. Nella seconda edizione del 1568 l’opera venne ampliata e revisionata sia per quanto riguarda la questione linguistica, assumendo un tono più raffinato e letterario, ma aggiungendo artisti e facendo varie correzioni. Le vite sono divise in tre parti, ciascuna delle quali è riferita a una delle “tre età” -> 1300, 1400, 1500. Vasari vede un continuo progresso delle arti, ad ogni età corrisponde una determinata maniera, stile, un modo specifico con cui l’artista si manifesta. Nel ribadire che scopo dell’arte è l’imitazione della natura, vasari afferma che alla terza età corrisponde una terza maniera, cioè quella della perfezione delle arti. Tale maniera è detta anche moderna e viene iniziata con Leonardo Da Vinci che superò tutti i limiti degli artisti precedenti a lui, ma ci sono anche Bramante, Raffaello e Michelangelo, considerato l’apice dell’arte e che dopo di lui potrà esserci solo il declino dell’arte. Questi artisti furono davvero speciali, perché incarnarono l’ideale di artista completo e universale che supera i confini di una sola arte riuscendo, al tempo stesso, a essere perfetto anche in tutte quelle nelle quali si cimenta. Per essere definito un ottimo artista non erano più sufficienti la padronanza delle tecniche della propria arte e la conoscenza più o meno profonda di alcune discipline, MA occorreva esserne maestri. PARAGONE DELLE ARTI I tempi stavano cambiando, la condizione sociale dell’artista mutava in meglio, passando da quella di artigiano a quella di intellettuale. La pittura, la scultura e l’architettura si andavano ad allineare alle altre arti liberali proprie degli intellettuali. Tuttavia questa conquista non avvenne né naturalmente né pacificamente. Infatti per molti anni letterati, artisti e scrittori d’arte ebbero a discutere della superiorità della pittura sulla poesia e viceversa. Se un poeta può scrivere di argomenti elevati -> la stessa cosa può fare un pittore, riuscendo a dipingere persino i sentimento. Se la poesia tratta di comportamenti morali (bene e male) -> la pittura si interessa del mondo naturale e della scienza. Se la poesia a parole evoca patimenti, torture e l’inferno -> la pittura può fare lo stesso raffigurando quelle medesime cose. ROMA E IL SACCO DEL 1527 Nei primi venticinque anni del ‘500, durante il pontificato di Giulio II e Leone X, l’Italia è artisticamente predominata dalla città di Roma. Il desiderio di Giulio II era quello restaurare o far rivivere le antiche glorie e artistiche della Roma imperiale -> questo desiderio viene portato avanti anche dal suo successore Leone X -> promotore delle arti e delle lettere, contro gli ampliamenti territoriali della chiesa, fautore della pace e amante della carità. Purtroppo gli eventi politici in Europa dopo l’elezione al trono imperiale di Carlo V e l’inquietudine religiosa che scuoteva l’Europa, portarono ad esiti diversi. Nel 1527, durante il pontificato di Clemente VII de Medici, Roma subì un trauma profondissimo: l’umiliazione del sacco di Roma ad opera delle truppe di Carlo V. Il Vaticano, le chiese e in generale tutta la città fu messa a ferro e fuoco -> furono distrutti i dipinti, profanati altari, rubati tessuti e materiali preziosi. ROMA CITTA’ GUIDA DELLE ARTI LA città riuscì in breve tempo a risollevarsi tanto che il suo primato va ben oltre l’evento traumatico del sacco. La presenza più o meno continua di Michelangelo la portava ad essere una città sempre all’avanguardia, il che la trasformava in una sorta di città guida dal punto di vista artistico. Il sacco dette l’avvio alla diffusione delle concezioni artistiche e delle conquiste espressive a cui i grandi interpreti della maniera moderna (Leonardo, Michelangelo, Raffaello) erano pervenuti durante il primo ventennio del secolo proprio a Roma. Infatti gli artisti, fuggendo da Roma e trovando rifugio nelle varie corti italiane, portarono con loro le conoscenze acquisite. Questi, lavorando, cercarono così di imitare lo stile dei grandi maestri o né riproposero i soggetti -> ma ormai lontani da Roma, pervenivano a nuove conquiste personali aprendo la strada a ulteriori sviluppi nell’arte. COLLEZIONISMO Durante il ‘400 c’era stato il ritorno all’antico e con esso il recupero degli ideali e della cultura classica, con il conseguente formarsi, soprattutto a Firenze con i Medici, di collezioni di antichità. E’ tuttavia a Roma nel ‘500 che il collezionismo diviene un’attività capace, oltre che indirizzare il gusto, anche di influenzare le scelte classicistiche della cultura letteraria e artistica. Durante questo secolo, sia per le numerosi collezioni presenti nei palazzi, sia per gli studi antiquari, sia per le lettere, sia per le novità in campo artistico, fu considerato il secolo di Roma -> la città che vide l’attività di Bramante, Raffaello e Michelangelo. 27 30 La Vergine delle rocce Anno: 1483-1486 Luogo: Museo del Louvre, Parigi. Il dipinto fu commissionato dalla confraternita dell’Immacolata Concezione. L’ambientazione della scena in un luogo ombroso e roccioso è dovuta al fatto che la tavola era destinata alla chiesa di San Francesco Grande che, come voleva la tradizione, sorgeva sul luogo che un tempo era un cimitero cristiano, detto grotta. Quindi, contrariamente alla tradizione che ha sempre raffigurato i personaggi di un cielo azzurro o dorato, Leonardo colloca i sacri personaggi in un ambiente scuro in modo da costruirne volto e parti del corpo attraverso la luce e tenui trapassi d’ombra. Le figure sono dunque alla soglia di una grotta, che riceve la luce dall’alto e dalle aperture del fondo, che lasciano intravedere un paesaggio d’acque e monti lontane. I personaggi sono la Vergine, al centro della scena, il cui braccio destro è teso ad abbracciare il piccolo San Giovannino, che è in adorazione di Gesù. Il braccio sinistro della Vergine si protende verso di lui. L’angelo in ginocchio sorregge il Bambino divino mentre guarda un ipotetico osservatore fuori del quadro e gli indica, con un gesto aggraziato, il piccolo San Giovannino. Leonardo realizza una composizione piramidale, si rendono evidenti le due principali concezioni dell’artista: - Un dipinto deve dare soprattutto la sensazione di rilievo; - La perfetta esecuzione e investigazione del paesaggio devono essere pari alla conoscenza della figura umana -> artista perfetto. Il cenacolo Anno: 1495-1497 Luogo: Refettorio del Convento di Santa Maria delle Grazie, Milano. Il dipinto fu eseguito per volere di Ludovico Sforza su una parete del refettorio del convento milanese di Santa Maria delle Grazie. Il tema raffigurato è quello dell’ultima cena di Cristo con gli apostoli a Gerusalemme, durante la celebrazione della Pasqua ebraica, trattato più volte a Firenze e In Italia durante tutto il ‘400. Solitamente Gesù veniva sempre rappresentato nell’atto di istituire il sacramento dell’eucarestia e gli apostoli prendono posto tutti dalla stessa parte, tranne Giuda che viene isolato e collocato di fronte a Gesù. Leonardo però decide di sconvolgere ogni tradizione -> i dodici apostoli stanno tutti dalla stessa parte del tavolo, sei a destra e sei a sinistra, mentre il momento raffigurato è quello in cui Gesù ha appena annunciato che uno di loro l’avrebbe tradito. Leonardo quindi non ha rappresentato un evento che riguarda la fede, ma un atto umano: il tradimento di un amico. Le parole di Gesù si propagano da un capo all’altro del tavolo generando angoscia, disapprovazione e stupore incredulo nei discepoli. Per il Cristo non c’è un’aureola sulla testa ad indicarlo quale essere divino, ma solo il luminoso cielo contro cui si staglia e che sovrasta le colline ondulate visibili al di là delle tre aperture. Leonardo scriveva che il “buon pittore” deve dipingere due cose: - L’uomo: facile, basta saper disegnare; - Il concetto della mente sua: difficile perché bisogna utilizzare gesti e movimenti delle membra e questo andava imparato. Nel cenacolo Leonardo rappresenta il pensiero e le emoziono con il linguaggio dei corpi, delle mani e dei volti. Quest’opera purtroppo già nel 1917 iniziò a deperire a causa della tecnica pittorica sperimentale utilizzata: non un affresco MA una tempera e olio su una preparazione a base di gesso. La gioconda Anno: 1503 Luogo: Museo del Louvre, Parigi. Leonardo esegue questo ritratto durante il suo soggiorno fiorentino per Giuliano de Medici. L’identificazione della donna è incerta: - Lisa Gherardini, moglie del mercante fiorentino Francesco del Giocondo e per questo detta Gioconda. - Isabella Gualandi, gentildonna napoletana che era in relazione con i Medici. All’opera Leonardo continuò a lavorare e modificare l’opera nel corso del tempo -> alla sua morte presentava ancora tratti non finiti. La tavola raffigura una giovane donna in posa al di qua di un parapetto, tra due colonnine di una loggia, mentre oltre quello si estende la più grandiosa visione geologica mai immaginata da un artista. Disegnata di tre quarti, con il braccio sinistro poggiante sul bracciolo di una sedia e con la mano destra su quella sinistra, la donna si volge verso lo spettatore e sorride lievemente. I lati della sua bocca e gli angoli degli occhi si perdono nell’ombra mentre, attraverso le velature che attenuano con gradualità gli occhi scuri, il volto emerge alla luci. I contorni sfumati della donna, fondono Monna Lisa con il paesaggio dietro di lei; un paesaggio deserto e roccioso che si dissolve combinandosi con il cielo. Due laghi color smerando su differenti livelli si amalgamano con le rive e le radici dei monti. Gli archi di un ponte lontano sono gli unici elementi progettati dall’uomo sull’intero paesaggio naturale: -> suggerendo il superamento degli ostacoli naturali e facendo incarnare al ponte la fiducia dei dotti e degli artisti del Rinascimento -> nella volontà dell’uomo e nella sua capacità di capire il mondo e persino modificarlo. 31 Il battesimo di Gesù Anno: 1475-1478 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze. L’opera fu realizzata per il monastero di San Salvi a Firenze. - 1° momento: Andrea del verrocchio impostò la composizione e dipinse in parte le due figure principali del Cristo e del Battista, con il suo stile lineare. - 2° momento: vengono coinvolti due suoi collaboratori, uno responsabile della palma a sinistra e del paesaggio roccioso a destra. - 3° momento: venne chiesto a Leonardo da Vinci, allievo del Verrocchio, di finire il dipinto cercando di uniformare le parti già dipinte. A lui spetta il dolce volto dell’angelo di profilo, dove si può notare il suo caratteristico stile sfumato, ma anche le velature trasparenti ad olio che unificano i piani del paesaggio in profondità ed addolciscono il corpo del Cristo. Sempre sul corpo di Gesù sono alcuni dettagli minuziosamente naturalistici come i morbidi peli del pube, rispetto al lucido e spigoloso tessuto rosso realizzato dal Verrocchio. Suo è anche il velato paesaggio sulla sinistra e i dettagli del fiume in primo piano. La dama con l’ermellino Anno: 1488-1490 Luogo: Museo Czartoryski, Cracovia. L’opera è uno dei dipinti più belli di Leonardo Da Vinci, simbolo dello straordinario libello artistico da lui raggiunto durante il suo primo soggiorno milanese (1482-1499). Si ignorano ancora oggi le circostanze della commissione. Nel 1488 Ludovico il Moro ricevette il prestigioso titolo onorifico di cavaliere dell’Ordine dell’Ermellino dal re di Napoli. La donna viene identificata con la giovane amante del Moro, Cecilia Gallerani, e si basa sul rimando che rappresenterebbe l’ermellino, infatti oltre che simbolo di purezza e di incorruttibilità, in greco il suo nome allude al cognome della ragazza. I tipici ritratti quattrocenteschi riprendono lo schema: a mezzo busto e di tre quarti. Leonardo decide di concepire una duplice rotazione, con il busto rivolto a sinistra e la testa a destra. Vi è corrispondenza tra il punto di vista di Cecilia e dell’ermellino; l’animale sembra infatti identificarsi con la fanciulla, per una sottile comunanza di tratti, per gli sguardi dei due, che sono intensi e allo stesso tempo candidi. Un impercettibile sorriso aleggia sulle sue labbra (Leonardo, per esprimere un sentimento, preferiva accennare alle emozioni piuttosto che renderle esplicite). Viene dato grande risalto alla mano, investita dalla luce, con le dita lunghe e affusolate che accarezzano l’animale, testimoniando la sua delicatezza e grazia. L’abbigliamento della donna è curato ma non sfarzoso (assenza di gioielli), l’unica è la collana di granati simbolo di amore fedele. Tipicamente all’epoca i vestiti avevano le maniche un po’ più elaborate e adornate da nastri. Sant’Anna Anno: 1488-1490 Luogo: Museo del Louvre, Parigi. Il dipinto raffigura Sant’Anna, la Vergine ed il bambino che gioca con un agnello. I quattro personaggi sono immersi in un ambiente naturale e contro uno sfondo di acque e montagne azzurrate che virano nel celeste, sfumano nel bianco e si perdono nel cielo. Nello spazio erboso la Vergine siede sulle gambe della madre e si protende verso il Bambini, trattenendolo affettuosamente. Il piccolo Gesù, curvo verso destra, stringe giocosamente l’agnellino trattenendolo per un orecchio e bloccandolo con la gamba sinistra, mentre volge la testa verso la madre, rispondendo al suo tenero richiamo. In questo quadro si vedono le tecniche fondamentali di Leonardo: - Contrapposto: bilanciamento delle masse corporee, ad esempio la Vergine ha le gambe rivolte a sinistra e il busto a destra; - Sfumato: passaggio graduale dall’ombra alla luce, sia nella perdita graduale della precisione dei contorni che non sono più netti e continui, ma delineati da infinite linee spezzate. 32 La luce sovrannaturale dell’angelo riempie il vuoto della prigione e il raggio improvviso mette in risalto le forme squadrate delle armature dei due soldati che, nella cella, dormono appoggiati alle lance. Incendio di Borgo Anno: 1514 Nel 1514 Raffaello era stato nominato architetto della Fabbrica di San Pietro, dopo la scomparsa di Bramante, e quindi inizia a studiare assiduamente gli antichi edifici di Roma e il trattato di architettura di Vitruvio. Di tutto ciò si trova riscontro in quest’opera. L’episodio raffigurato riguarda la cessazione dell’incendio, divampato nel 847 in Borgo, quartiere adiacente alla Basilica Vaticana, con il semplice gesto di un segno della croce da parte di papa Leone IV. In realtà il quadro allude all’opera di pacificazione dei principi cristiani intrapresa da Leone X, che avrebbe continuato anche successivamente e che avrebbe evitato la guerra (1519) tra il re di Francia e l’imperatore Carlo V. Il dipinto è organizzato come in un teatro con un fondale e quinte laterali, è ricco di movimento e concitazione: uomini e donne fuggono dagli edifici in fiamme o sono impegnati a spegnere l’incendio alimentato dal vento, vento che solleva le vesti, le incollai i corpi e scompiglia i capelli. - Al centro un gruppo di donne protegge i propri figli e invoca la salvezza del papa; - A sinistra, in basso, è raffigurato un gruppo con un uomo che porta in salvo il vecchio padre sulle spalle, seguito da un bambino e da una donna. Fa riferimento alla fuga da Troia in fiamme di Enea con il padre Anchise. - A sinistra, in alto, un giovane nudo scavalca un muro per fuggire dal fuoco (dimostrazione della perfetta conoscenza dell’anatomia), mentre la madre, semiavvolta dal fumo dell’incendio, mette in salvo il sproprio bambino avvolto in fasce. Raffaello pone a confronto la vecchia basilica paleocristiana di San Pietro (infondo) con l’antico, cioè i due edifici colonnati situati di fianco, e con un’architettura cinquecentesca, quindi moderna, cioè la loggia da cui si affaccia il papa. Ritratto di Leone X con due cardinali Anno: 1518 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze. Il dipinto raffigura papa Leone X seduto davanti a uno scrittoio, coperto da un tappeto rosso, su cui sono appoggiati un campanello da camera e un prezioso codice miniato, che egli sta osservando con l’aiuto di una lente d’ingrandimento, Gli sono accanto i cugini cardinali Giulio de’ Medici (il futuro papa Clemente VII) e Luigi de Rossi. Lo sguardo di Leone X è quello di un uomo intelligente, curioso e indagatore, abituato alle raffinatezze della cultura fiorentina (era figlio di Lorenzo de Medici), Le sue mani sono delicate e quasi femminili, il volto e la corporatura sono quelli di chi vive nell’agiatezza. Un solo colore domina nel quadro: un caldo rosso, più volte variato nella tonalità per adattarlo a raffigurare stoffe di diversa specie. I motivi ornamentali del campanello includono simboli araldici medicei. Il libro miniato è una Bibbia aperta alla pagina iniziale del Vangelo di Giovanni (allusione al suo nome di battesimo). Tuttavia il papa sfoglia il codice alla rovescia e la pagina che sta per essere scoperta è l’ultima del vangelo di Luca, alcuni passi del quale potevano essere usati come pretesto giustificativo della dispendiosissima costruzione della nuova Basilica Vaticana. Trasfigurazione Anno: 1518-1520 Luogo: Pinacoteca Vaticana, Città del Vaticano, Roma. L’opera riunisce nello stesso dipinto due distinti racconti evangelici: nella porzione superiore la trasfigurazione di Cristo, in quella inferiore la liberazione di un ragazzo indemoniato. La trasfigurazione è il mutamento che Cristo subì sul monte Tabor quando si mostrò ai discepoli Pietro, Giacomo e Giovanni nella sua natura divina, splendente di luce. I discepoli, a questa vista, caddero a terra impauriti. I vangeli narrano che poi, scendendo dal monte, Cristo abbia guarito un bambino posseduto dal demonio. Raffaello fa riferimento agli studi di Leonardo (soprattutto all’adorazione dei magi) e fa suoi gli studi di fisionomia, il linguaggio dei gesti, il colloquio degli sguardi e il trasparire dei sentimenti. C’è una forte contrapposizione tra due due parti: la prima è calma e solare, la seconda concitata e tempestata dalla luce. La tavola è ambientata all’alba in modo da poter sfruttare meglio i contrasti luce/ombra. Il Cristo è già un sole che illumina la vetta del monte e i suoi capelli sfrangiati si confondono con il chiarore abbagliante della nube che sta per avvolgerlo. Lettera a Leone X Anno: 1519 Nel corso del suo pontificato Leone X incarica Raffaello di preparare una grande pianta della Roma imperiale. Raffaello coglie l’opportunità di progettare un trattato d’architettura di tipo nuovo dove la pianta della città sarebbe stata affiancata da disegni mostranti gli edifici migliori. L’imponente lavoro per l’esecuzione della pianta di Roma è per lui un’occasione per verificare lo stato di abbandono delle antiche architetture ridotte a scheletri, non solo dai nemici di Roma, ma dai papi stessi, che nel corso dei secoli non avevano impedito le razzie di pietre e marmi da usare nelle nuove costruzioni. 35 36 MICHELANGELO BUONARROTI (1475-1564) Nato: 1475 Arezzo Morto: 1564 Roma Attività: pittore, scultore, architetto Vita: Michelangelo nasce nel 1547 a Caprese, cittadina di Arezzo. A Firenze compì i suoi primi studi finché, nonostante l’opposizione del padre, andò a bottega da Domenico Ghirlandaio. Il giovane artista si formò soprattutto copiando gli affreschi di Giotto e di Masaccio rispettivamente in Santa Croce e al Carmine. Egli si applicò molto nello studio della scultura degli antichi frequentando l’ampia collezione medicea. Dopo le prime esperienze fiorentine come scultore si trasferì a Roma nel 1496 per far ritorno a Firenze nel 1501, ormai famoso. Nel 1505 papa Giulio II lo invitò di nuovo a Roma e, fino al 1536, Michelangelo si dedicò a varie imprese artistiche. Morì nel 1564 a Roma, all’età di ottantanove anni. Stile: Michelangelo riteneva che lo scopo dell’arte fosse l’imitazione della natura, solo l’indagine della natura avrebbe potuto consentire di arrivare alla bellezza. Era convinto che l’artista dovesse scegliere dalla natura i particolari migliori e che la sola fantasia potesse immaginare una bellezza superiore a quella esistente in natura. Esiste per lui un modello di bellezza che ogni artista concepisce nella propria mente, cioè un modello ideale al quale conformare ogni propria creazione. Il perfetto corpo umano, specchio della bellezza divina, è inizialmente per Michelangelo quanto di più bello ci sia nel creato. Michelangelo, divenuto profondamente religioso con la caduta dei tradizionali valori cristiani (a causa della riforma protestante e del sacco), cominciò a ritenere del tutto secondaria la bellezza fisica rispetto alla bellezza interiore -> artista al servizio della Chiesa. Più l’artista è devoto, più riuscirà a infondere credibilità e fede alle proprie figure -> così sapranno commuovere e ispirare. Durante gli ultimi anni di vita, Michelangelo si convinse che la bellezza esteriore distolga addirittura l’uomo dalla spiritualità. Disegno: alla base di ogni attività artistica c’è il disegno, che consiste nel rendere evidente e concreta l’idea che l’artista ha nella mente. Nei disegni giovanili egli ricorre essenzialmente alla penna e al tratteggio sottile e incrociato, al fine di modellare un’immagine di consistenza scultorea. I disegni della maturità mostrano invece il graduale abbandono del tratteggio, troppo forte e incisivo, per appropriarsi di una tecnica più dolce, morbida e leggera, quello dello sfumato, la cui resa è più pittorica. La pietà di San Pietro Anno: 1498-1499 Luogo: Basilica di San Pietro, Città del Vaticano, Roma. Nel 1948 il cardinale Jean Bilheres, volendo lasciare un ricordo di sé a Roma, incarica il giovane Michelangelo di scolpire un gruppo marmoreo rappresentante la pietà. Il tema, molto diffuso in Europa ma poco in Italia, consiste nel rappresentare la Vergine Maria che tiene fra le braccia il corpo senza vita di Gesù deposto dalla croce. Michelangelo, nella sua opera, attua uno schema piramidale. Nell’opera la Vergine è una fanciulla dal volto appena velato di tristezza che, così come teneramente l’aveva tenuto in grembo da bambino, sorregge amorevolmente il corpo giovane del figlio. L’ampio gesto del suo braccio sinistro, portato verso l’esterno, è un invito a chi guarda a provare per Gesù il suo stesso dolore. La fascia che le attraversa diagonalmente il busto mette ancora più in risalto la sua giovane figura. Il panneggio dalle ombre della veste e del velo sono i mezzi di cui l’artista si serve affinché, per contrasto, il corpo nudo, liscio e perfetto del Cristo abbia maggior risalto. Gesù ha la testa rovesciata indietro, il bacino si piega in corrispondenza dello spazio fra le gambe di Maria, il suo braccio sinistro accompagna la postura del corpo, mentre quello destro ricade abbandonato verso terra. Michelangelo propone di contemplare degli esseri giovani e senza imperfezioni nei quali si riflette la bellezza di Dio. La giovinezza della Vergine sta a indicarne la purezza. David Anno: 1501-1504 Luogo: Galleria dell’Accademia, Firenze. Al suo ritorno a Firenze da Roma, nel 1501 l’Opera del Duomo incarica l’artista di scolpire per la Cattedrale di Santa Maria del Fiore una statua di David, mettendogli a disposizione un enorme blocco di marmo che giaceva inutilizzato, ma che era stato già in parte sbozzato da uno scultore fiorentino oltre quarant’anni prima. L’incarico quindi presentava un problema tecnico in più, considerando che Michelangelo partiva in svantaggio -> ma comunque l’artista ne ricavò qualcosa di stupefacente. La scultura ritrae l’eroe biblico, Davide, un giovane pastore e futuro re d’Israele, nel momento che precede l’azione, cioè l’annientamento di Golia. La sua fronte è leggermente aggrottata in un atteggiamento che indica concentrazione e valutazione delle proprie forze rispetto a quelle dell’avversario. I suoi muscoli sono in tensione e le mani, nervose e scattanti con le vene in superficie, sono pronte a far roteare la fionda. Per le qualità morali che questo nudo incarna, rappresentando pienamente quei principi di libertà e indipendenza che i fiorentini stessi vedevano nelle proprie istituzioni repubblicane, fu deciso che la statua fosse collocata non più nel Duomo ma davanti a Palazzo Vecchio, sede del potere cittadino, diventandone il simbolo. 37 40 GIORGIONE DA CASTELFRANCO (1477-1510) Nato: 1477 Castelfranco Veneto Morto: 1510 Venezia Attività: pittore Vita: Giorgione nasce a Castelfranco Veneto ma si trasferisce presto a Venezia, dove frequenta fin da Giovanissimo la bottega di Giovanni Bellini. Da lui impara ed eredita l’attenzione per il colore e la rappresentazione dei paesaggi. Si dimostrerà molto capace, tanto da aprire una sua bottega che diventerà uno dei principali punti di riferimento artistico e culturale della città. In essa si formeranno anche Tiziano Vecellio, che nei confronti del maestro rimarrà sempre debitore di una straordinaria sensibilità per il colore. Giorgione dipinge quasi esclusivamente per una committenza patrizia, del quale condivide i gusti raffinati e gli ideali umanistici -> preferisce i soggetti mitologici rispetto a quelli religiosi. Stile: Le sue composizioni presentano spesso uno schema tipico, una figura o un gruppo ristretto di figure vengono ritratti in un paesaggio che si allunga molto in profondità. Giorgione adotta nelle sue tele un uso nuovo della luce, cioè che pervade tutta la scena senza soffermarsi a definire chiaramente gli oggetti. Per conferire al colore maggiore rilievo, l’artista evitava il disegno preparatorio e dipingeva direttamente sulla tela. Anche nella scelta dei soggetti della rappresentazione le opere di Giorgione presentano innovazioni importanti, soprattutto nell’interpretazione del paesaggio e del nudo femminile. Nelle sue opere il colore crea e definisce le forme, prevalendo sul disegno e sulla linea di contorno. Mediante le variazioni del tono, cioè del grado di luminosità di un determinato colore, Giorgione riesce a dare l’illusione della profondità spaziale. I soggetti dei suoi dipinti sono spesso di difficile interpretazione, ma è evidente l’interesse che l’artista nutre per il paesaggio e la natura. Pala di Castelfranco Anno: 1504-1505 Luogo: Duomo di Santa Maria Assunta e San Liberale, Castelfranco Veneto. L’opera venne commissionata a Giorgione dal condottiero Tuzio Costanzo, che intendeva arricchire la cappella di famiglia dentro al Duomo. La tavola presenta un’interpretazione assolutamente nuova di un tema ricorrente, quello di una sacra conversazione con la Vergine in trono fra santi (in questo caso Nicasio a sinistra e Francesco a destra). E’ significativo notare come la scena non sia ambientata come tradizione in un interno, ma sullo sfondo aperto di un ampio e dolce paesaggio agreste. Il trono marmoreo, le alte predelle e la balconata che separa la piazza dalla natura non hanno alcuna caratterizzazione di tipo architettonico, ma sembrano solo dei puri volumi geometrici, frutto di una visione simbolica e scenografica, come se si trattasse di un allestimento teatrale, quindi ricco ma provvisorio. La vergine veste i colori delle tre virtù teologali: l’abito verde (speranza),il mantello rosso (carità), il velo bianco (fede). La prospettiva di Giorgione è una prospettiva dipinta, cioè data dal colore piuttosto che dalle sole regole matematiche e geometriche -> le tonalità calde e fredde giustapposte danno all’osservatore l’idea della profondità spaziale. Questa tecnica è un’evoluzione delle teorie del colore veneziane e di quelle fiorentine del disegno, fu adottata maggiormente e ne furono i fondatori Bellini e Mantegna ed è conosciuta col nome di pittura tonale. Ogni personaggi è modellato con masse di colore. La tempesta Anno: 1502/1503 Luogo: Galleria dell’Accademia, Venezia. Il dipinto rappresenta un paesaggio agreste con sullo sfondo, oltre un ponticello di legno, un piccolo borgo fortificato in procinto di essere investito da un temporale (una tempesta appunto) che si annuncia all’orizzonte con un fulmine che squarcia i bassi nuvoloni grigio-azzurri del cielo accendendo per un istante di luce le bianca mura cittadine e le chiome degli alberi più lontani. Il quadro è ricco di simboli e riferimenti, allora assai diffusi e apprezzati nei colti ambienti veneziani. Nel dipinto tutto è simbolico e niente è sicuro, alcune interpretazioni: - la donna semi-nuda che allatta potrebbe essere Eva con il piccolo Caino, la figura maschile appoggiata all’asta e vestita con abiti tradizionale veneziani dell’epoca potrebbe essere Adamo, il ruscello il Tigri (uno dei rami del fiume del paradiso), le rovine che emergono dalla vegetazione sarebbero il simbolo della morte, la città lontana l’Eden e la tempesta simboleggerebbe Dio. - La donna è Venere e l’uomo è Marte, nei panni di una zingara e di un soldato, a questo punto il fulmine sarebbe Giove. Anche in questo quadro comunque il soggetto principale è il colore. Giorgione riesce a creare l’illusione di un orizzonte infinito come quello reale e di far sì che l’occhio vi si disperda come guardando l’orizzonte nella realtà. 41 I tre filosofi Anno: 1504 Luogo: Kunsthistorisches Museum, Vienna. I misteriosi personaggi rappresentati: due in piedi e uno seduto, sono stati nel corso degli anni avvicinati alle più varie interpretazioni: - Pitagora e i suoi maestri Ferecide di Siro e Talete di Mileto; - I Re Magi, come sembra apparire all’analisi radiografica del dipinto che ha rivelato l’originaria presenza di copricapi regali; - Rappresentano un’allegoria delle tre età della vita: giovinezza, maturità e vecchiaia. - Dei tre personaggi solo il giovane guarda verso il fondo della grotta: nel buio Giorgione ha voluto probabilmente simboleggiare il mistero nascosto nel cuore delle cose, nella natura che circonda i tre uomini. Questa incertezza interpretativa non deve essere assolutamente letta come una mancanza di chiarezza da parte dell’autore, perché la raffinata committenza veneziana dell’epoca amava circondarsi di dipinti pieni di allusioni e di simbologie così complesse da risultare spesso misteriose e volutamente incomprensibili. Dal punto di vista tecnico le figure dei tre personaggi appaiono prive di disegno e per staccarle dal fondo Giorgione giustappone colori caldi contro colori freddi e, all’interno di ciascun odi essi, tonalità chiare contro tonalità scure. In questo modo è possibile è possibile ricreare anche il senso della prospettiva che stabilisce una gerarchie di distanze legate alle tonalità del colore, che vanno via via schiarendosi, fino a perdersi nella foschia dell’orizzonte. La Venere dormiente Anno: 1508/1510 Luogo: Staatliche Kunstsammlungen, Dresda (Germania). L’opera, commissionata dal patrizio veneziano Girolamo Marcello in occasione del proprio matrimonio, rappresenta la dea dell’amore colta in un momento di dolce abbandono, morbidamente adagiata su soffici coltri accomodate in mezzo ad un prato. L’innocenza del volto e la posizione abbastanza naturale rivelano la volontà di Giorgione di rappresentare una DONNA e non una dea. Il suo fascino sta anche nella sua innocente inconsapevolezza della nudità. Alla bellezza umana infatti corrisponde quella della natura e del paesaggio che la circondano. Il prato fiorito e il cespuglio dietro a Venere sembrano volerle rendere più tranquillo il riposo. Anche il villaggio deserto che si staglia sulla destra, contro le nuvole bianche del cielo, sta a sottolineare la dolce immobilità del pomeriggio estivo. Più lontano, a sinistra, tra le campagne punteggiate da alberi, si nota la sagoma di un altro borgo e in fondo emerge dalla nebbia un imponente massiccio montuoso. Alla realizzazione del paesaggio ha partecipato, secondo la tradizione, anche Tiziano -> crea un ponte tra la pittura di Giorgione, al quale una morte precoce impedirà di portare a pieno sviluppo la sua arte, e quella di Tiziano che, muovendo i primi passi in queste esperienza arriverà ad essere, nel corso degli anni, il più importante e venerato tra i pittori del rinascimento veneziano. 42 CORREGGIO (1489-1534) Nato: 1489 Correggio, Reggio Emilia Morto: 1534 Correggio Attività: pittore Vita: il suo pseudonimo è il nome del suo paese natale, indice di come la sua formazione artistica sia intimamente connessa con il luogo di origine. La sua posizione provinciale lo esclude geograficamente sia dalle nuove tendenze del rinascimento fiorentino/romani, sia dal cromatismo veneziano. Nonostante ciò, il Correggio riesce comunque a maturare una straordinaria tecnica pittorica. Stile: La ricchezza dei temi e soggetti delle sue opere sono generalmente presi dalla mitologia classica. I mossi giochi di luce e gli scorci prospettici preludono al rifiuto dell’equilibrio dei canoni della classicità, aprendo la strada ai linguaggi più lirici e decorativi tipici del manierismo. Camera della Badessa Anno: 1518-1520 Luogo: Convento di San Paolo, Parma. Dopo aver ricevuto le prime commissioni nella città natale, viene convocato a Parma per lavorare all’affresco della Camera della Badessa, nel convento di San Paolo -> commissionata dalla badessa Giovanna Piacenza. L’opera consisteva nella decorazione della volta della sala con un finto pergolato di legno, ricoperto da una fitta vegetazione, nel quale si aprono sedici ovati dai quali si affacciano, sullo sfondo luminoso del cielo, vari putti intenti a giocare. Le loro membra grassocce e la pelle rossastra danno un senso di gioiosa tenerezza e rimandano ad una visione della natura pura e incontaminata, estranea a qualsiasi desiderio di idealizzazione. Alla base di ciascuno dei sedici spicchi sono presenti altrettante lunette concave, al cui interno sono dipinte varie figure allegoriche tratte dalla mitologia classica. Sulla cappa del camino rappresenta Diana sul carro, la dea latina della caccia e delle selve, simbolo di castità e natura incontaminata -> chiaro omaggio alla committente. Il dipinto rappresenta la dea vestita di una semplice tunica bianca che conduce il suo carro verso le nuvole. Cupola di San Giovanni Evangelista Anno: 1520-1521 Luogo: Chiesa di San Giovanni Evangelista, Parma. Il risultato ottenuto con la camera della badessa desta scalpore nell’ambiente parmense, ed è per questo che gli viene subito commissionata un’altra opera. Le difficoltà tecniche per la realizzazione dell’affresco snella cupola sono la scarsa illuminazione e la particolare deformazione che l’esasperata visione prospettica richiedeva. Al bordo inferiore sono disposti gli Apostoli in atteggiamento solenne, circondati da nubi che vanno piano piano a dissolversi al centro lasciando spazio ad uno squarcio di luce sfolgorante, coronato da una moltitudine di cherubini festanti. Su questo sfondo luminoso si staglia,, sospesa nel vuoto, la maestosa figura di Cristo, nell’atto di scendere verso l’ormai vecchio San Giovanni. L’apostolo emerge a mezzo busto dal limite di imposta della cupola, con le mani aperte verso il cielo e lo sguardo rapito dalla divina visione. La sensazione che l’opera ci dà non è tanto mistica quanto invece scenografica, grazie alla fantasia del Correggio. La sapiente graduazione dei colori, da quelli freddi delle nubi a quelli caldi del centro, e la diversità dei chiaroscuri, molto accentuata negli apostoli e quasi assente per Cristo, conferiscono un senso di grande profondità all’affresco. Lo spazio architettonico è scisso da quello prospettico, che ci illude che la struttura sia molto più alta di quanto non sia in realtà. Natività Anno: 1522-1530 Luogo: Staatliche Kunstsammlungen, Dresda (Germania). L’opera, commissionata nel 1522 per una cappella privata in una chiesa a Reggio Emilia, venne ultimata solamente nel 1530. Il dipinto è uno dei notturni più celebri del cinquecento, destinato ad essere studiato e ripreso nei secoli a venire. Al centro della scena, su un giaciglio di fieno, una Vergine poco più che bambina abbraccia amorevolmente il piccolo Gesù dal quale si sprigiona una luminescenza accecante, che oltre a rischiarare il volto della madre, si propaga tutt’intorno. Una contadinella a destra è spaventata e si para con una mano la luce. Un giovane pastore volge lo sguardo verso il compagno più anziano, appoggiato a un lungo bastone, invitandolo a inginocchiarsi a sua volta. In alto, sopra la capanna, un coro d’angeli canta. La composizione, nell’insieme, armoniosamente equilibrata, conferisce alla narrazione un ritmo pacato e sereno, nel quale la straordinarietà dell’evento convive con la naturalità del quotidiano. Per esempio alla luminosità divina del bambini è contrapposto il tenue schiarirsi del cielo all’orizzonte -> soprannaturale manifestazione del divino e realtà fisica del paesaggio. 45 Cupola del Duomo di Parma – Assunzione in cielo di Maria Anno: 1526-1530 Luogo: Duomo, Parma. L’affresco consiste nella scenografica decorazione della cupola del Duomo di Parma (con l’Assunzione in cielo di Maria) e dei sottostanti pennacchi (nei quali rappresenta i quattro patroni della città). Con le nubi in primo piano, Correggio dà vita a uno spazio prospettico di incredibile profondità, collocando una serie concentrica di ulteriori strati di nubi, la rende abitata da una moltitudine di profeti, sibille, santi, beati, angeli e cherubini in atto di muoversi concitatamente, quasi avvitandosi verso la sommità della cupola stessa. I personaggi sembrano quindi roteare nel cielo immaginario ideato dall’artista, e anche la Vergine vi partecipa, con gli occhi e le braccia levati in alto verso il soprannaturale volo che la porterà al centro del dorato vortice di luce. Il movimento dato dall’opera era al di fuori dello stile classico e venne quindi criticato. Piuttosto rispecchia il prototipo barocco, con quasi un secolo d’anticipo, visto che l’immaginazione supera la realtà e il bello viene dato proprio trasgredendo la natura e mettendo a nudo gli aspetti più strani e stravaganti. Tiziano fu uno dei pochi ad apprezzarla profondamente. Danae Anno: 1530 Luogo: Galleria Borghese, Roma. Dopo la delusione a Parma, Correggio tornò a lavorare nella città natale, dove ottenne commissioni meno impegnative da Federico Gonzaga, signore di Mantova. Il tema è quello degli amori di Giove. In Danae l’artista affronta in modo lieve e quasi giocoso un tema di grande sensualità. La bella figlia del re di Argo è colta nel momento in cui un cupido le sta delicatamente scostando il lenzuolo che le copre il sesso, al fine di rendere possibile a Giove di unirsi a lei. La giovane principessa si offre con grazia sorridente a una nube di pulviscolo dorato che le scende in grembo da una nuvoletta sopra di lei, verso la quale anche cupido rivolge uno sguardo di compiacimento. In basso a destra, ignari di quanto sta avvenendo sul letto, due amorini giocano con le frecce di Cupido, battendone le punta su una pietra per verificare se siano d’oro o meno. L’ambientazione, all’interno di una semplice stanza, è caratterizzata dalla presenza di un angolo di finestra, a sinistra, che si apre su un cielo azzurro e dalla quale si vede solo la cima di una vicina torre (inespugnabilità del rifugio di Danae). Il luminoso candore del corpo della fanciulla, amplificato dal bianco delle lenzuola, si contrappone con forza all’ombra dello sfondo e questo contrasto rafforza ulteriormente la sensazione di calda intimità che l’artista riesce sempre ad esprimere con grazia e leggerezza. 46 ANDREA DEL SARTO (1486-1530) Nato: 1486 Firenze Morto: 1530 Firenze Attività: pittore Vita: Fu allievo a Firenze di Piero di Cosimo. La sua carriera come pittore di affreschi comincia da giovanissimo con gli affreschi nel chiosco della Santissima Annunziata a Firenze. La sua fama cresce col suo talento, tanto da essere richiesto a Roma, Venezia e nella corte francese di Francesco I. Muore giovane, a 44 anni, nella sua città natale, a causa della peste. Stile: Il vuoto lasciato a Firenze da Michelangelo, Leonardo e Raffaello consente ad Andrea di ricoprire un posto di spicco ed essere sempre più ricercato nei primi anni del ‘500. Con lui infatti il linguaggio artistico del Cinquecento appare definitivamente acquisito e stabilizzato. Una delle cose che gli permise di acquisire tutta quella fama e seguito fu la sua capacità di fondere le caratteristiche principali dei grandi maestri: lo sfumato di Leonardo, l’equilibrio e la grazia di Raffaello, il volume e la monumentalità di Michelangelo -> trasformandola in una personale visione di perfezione. E’ dal delicato equilibrio formale delle sue composizioni, dalla malinconia dei suoi personaggi, dalla loro espressione sorridente o di attesa dai loro contorni incerti e inafferrabili che trarranno nutrimento molte delle inquietudini che costituiranno materia del nascente Manierismo, soprattutto tra i suoi allievi: Pontormo, Rosso Fiorentino e Giorgio Vasari. Disegno: disegnatore molto incisivo e prepotente, l’artista ha grande abilità e decisione di segno. Sposalizio di Santa Caterina Anno: 1512 Luogo: Staatliche Kunstsammlungen, Dresda (Germania). I colori e le figure sono molto morbidi, sembrano quasi soffici, e il sorriso gioioso del bambino investe tutto lo spazio della composizione conferendo alla scena un’atmosfera felice, quasi festosa. La scena è ambientata all’esterno e tutte le figure sono collocate su una breve scalinata che termina con un muretto sul quale due angioletti scostano la pesante tenda verde di un baldacchino collocato sopra la Vergine e il bambino. La gioia che traspare del dipinto è data dall’evento del matrimonio mistico tra Gesù e Santa Caterina d’Alessandria (identificata dalla ruota con le lame, strumento del suo supplizio, e il libro, che rappresenta la sapienza). Gesù sta per infilare l’anello nell’indice della santa inginocchiata davanti a lui -> il patto d’amore è suggellato dalla Vergine che porta la sua mano destra quasi sopra quella dei due sposi. Maria sorride, Santa Margherita (a destra) partecipa con trasporto all’evento. Il piccolo Gesù, nonostante la solennità del momento, appare distratto, guarda davanti a sé e ride. Nella parte inferiore del dipinto sta seduto San Giovannino, riccioluto e paffuto, mentre stringe a sé, in atto di protezione, un agnellino che gli si è accovacciato di fianco. Per lui è quasi un gioco: sorride mentre guarda un drago alato che minaccia l’agnello. Accanto a loro si trova una croce giocattolo fatta di pezzi di canna spezzati, ai loro piedi c’è un foglio che indica che quello è l’agnello di dio, che infatti simboleggia Gesù. Madonna delle arpie Anno: 1517 Luogo: Galleria degli uffizi, Firenze. Il dipinto, commissionato dal monastero fiorentino di San Francesco de Macci, deve il suo nome singolare ai mostruosi personaggi marmorei posti negli spigoli del piedistallo sul quale sta la Vergine con il Bambino. L’accentuato naturalismo dei personaggi trae spunto dalla complessa plasticità michelangiolesca, addolcita dallo sfumato di Leonardo e dal morbido colorismo veneziano, con cui l’artista era venuto in contatto. - San Francesco, a sinistra, è vestito con un’ampia tunica grigia; - San Giovanni, a destra, è stato raffigurato da giovane, in atto di scrivere, coperto da un manto rosso. E’ probabile che il soggetto si riferisca al capitolo nono dell’apocalisse di Giovanni. In tal caso le arpie sarebbero le locuste (il primo dei terribili flagelli annunciato dal suono della tromba), il fimo dietro la Vergine sarebbe quello sprigionato dal pozzo dell’abisso. Maria, in questa interpretazione, sarebbe la “donna avvolta di sole”, l’Immacolata Concezione. L’opera è da inquadrare quindi nel clima di predicazioni apocalittiche che agitarono le chiese fiorentine nei primi quindici anni del Cinquecento. 47 50 PARMIGIANINO (1503-1540) Nato: 1503 Parma Morto: 1540 Cremona Attività: pittore Vita: Si formò nella bottega degli zii e lavorò nel Duomo di Parma quando vi era ancora attivo il Correggio. Verso il 1523 si recò a Roma dove studiò l’opera di Raffaello e Michelangelo, e frequentò Rosso Fiorentino. Dopo il sacco di Roma del 1527 si rifugiò a Bologna. Rientrò definitivamente a Parma nel 1531, dove condusse il restio della vita all’insegna di una profonda inquietudine. Morì nei pressi di Cremona nel 1540. Madonna dal collo lungo Anno: 1534-1540 Luogo: Galleria degli Uffizi, Firenze. Il nome del dipinto è a motivo della caratteristica più appariscente della Vergine. Un esile ma lungo collo sostiene una piccola testa coronata da una ricercata acconciatura di capelli e gioielli. La vergine è seduta e poggia il piede destro su due cuscini, che le consentono di tenere la gamba destra più sollevata dall’altra. Il suo corpo ampio, dai fianchi larghi e dalle gambe lunghe, è messo in mostra da un abito leggero e aderente che rivela l’ombelico e fa risaltare i seni, evidenziati maggiormente da una fascia diagonale. Il Bambino addormentato è in braccio ed anche lui è innaturalmente allungato, ha un braccio abbandonato lungo le gambe della madre (simbolo della morte del Salvatore). In basso, sulla destra, San Girolamo mostra i suoi scritti ad un ipotetico interlocutore, stando in piedi in prossimità di un lontano e solenne tempio preceduto da un colonnato. BENVENUTO CELLINI (1500-1571) Nato: 1500 Firenze Morto: 1571 Firenze Attività: scultore Vita: Svolse inizialmente l’apprendistato presso la bottega di un orafo fiorentino. Cellini operò soprattutto a Firenze e a Roma, dove si stabilì nel 1519 e dove rimase fino al 1540. Nella capitale fu per qualche tempo allievo di Michelangelo e lavorò come orafo al servizio di papa Clemente VII. Nel 1540, su invito di Francesco I, si trasferì a Parigi, dove realizzò molte opere nel castello di Fontainebleau. Nel 1545 fece ritorno a Firenze, dove eseguì fusioni in bronzo, al servizio di Cosimo I. Perseo Anno: 1545-1554 Luogo: Loggia dei Lanzi, Firenze. La scultura, commissionata da Cosimo I, ritra,e le forme di Cencio, un giovane garzone della bottega dell’artista, nei panni dell’eroe Perseo, colui che ha sconfitto Medusa. La sua testa, grondante di sangue, p tenuta alta da Perseo, mentre il corpo, dal cui collo esce altro sangue a fiotti, gli sta accartocciato ai piedi. La mano destra del giovane impugna la spada, la gamba destra è portante, la sinistra è piegata, il busto è leggermente inclinato indietro e la testa è rivolta in basso. La posizione dell’eroe è concepita in modo da mostrare più punti di vista, infatti ogni parte della scultura risulta finitissima nei particolari. La drammaticità della scena è usata dal Cellini a puri fini decorativi: il sangue di Medusa, l’atteggiamento calmo di Perseo che si presenta con la solenne pacatezza di un dio vittorioso. 51 GIORGIO VASARI (1511-1574) Nato: 1511 Arezzo Morto: 1571 Firenze Attività: pittore, architetto, scultore, scrittore Vita: Vasari lavorò inizialmente come pittore a Firenze e a Roma. I suoi interessi mutarono con le amicizie romane e si ampliarono anche alla scultura, architettura, arti minori e trattatistica d’arte -> scrive le Vite (la prima edizione nel 1550 e la seconda nel 1568). A Firenze, al servizio del duca Cosimo I de’ Medici, fu responsabile dei lavori di ristrutturazione di Palazzo Vecchio, sede storica del potere mediceo, e ottenne l’incarico per la fabbrica degli Uffizi, nuova sede degli uffici del ducato. Viaggiò molto in Italia per studio, per ricercare informazioni per le Vite e per lavoro, sovrintendendo la ristrutturazione di Piazza Grande ad Arezzo e Piazza dei Cavalieri a Pisa. Disegno: secondo Vasari il disegno è il padre delle tre arti (pittura, scultura e architettura). Fonda nel 1562 a Fiorenze l’Accademia delle Arti e del Disegno, una scuola in cui gli artisti potevano apprendere tecniche, metodi e dove potevano fare esercizio. Lui stesso fu un ottimo disegnatore e raffinato collezionista dell’opera grafica di artisti a lui contemporanei. Giudizio Universale Anno: 1572-1579 Luogo: Cattedrale di Santa Maria del Fiore, Firenze. Nel 1568 Vasari venne chiamato ad affrescare la cupola di Santa Maria del Fiore, alla quale lavorò fino alla sua morte, Dopo di lui vi lavorò e lo condusse a conclusione Federico Zuccari. Il dipinto raffigura varie narrazioni tratte dall’antico e dal nuovo testamento, presenze visionarie provenienti dall’apocalisse di San Giovanni e improvvise citazioni dantesche. La figurazione termina, al di sotto del vano della lanterna, da un’architettura in prospettiva che finge otto aperture sostenute da angeli che sembrano portarla in alto, sono i Vegliardi dell’apocalisse. La pittura vasariana non tiene conto della distanza dalla quale l’affresco avrebbe dovuto essere guardato e si presenta, inutilmente ricca di partic olari: capelli, mani, occhi, vesti, elmi e corazze hanno la stessa qualità grafica che avrebbe un dipinto di piccole dimensioni. Gli uffizi Anno: dal 1560 Luogo: Firenze. Nel 1560 Vasari cominciò la costruzione degli Uffizi fra Palazzo Vecchio e il fiume Arno, L’edificio avrebbe dovuto essere la sede unica degli uffici amministrativi e giudiziari del ducato, mentre un intero piano avrebbe dovuto accogliere le collezioni artistiche medicee. Per poter fare spazio, nel cuore storico della città già densamente edificata, erano state abbattute varie case nei dintorni. Gli Uffizi si compongono di due corpi di fabbrica paralleli e di uno più piccolo, ad essi perpendicolare, racchiudendo una piazza stretta e lunga. L’edificio è composto da un piano terra porticato, da un mezzanino e da due piani superiori. Nel 1565 gli Uffizi vennero congiunti sia con Palazzo Vecchio sia con Palazzo Pitti tramite due passaggi coperti. Uno è chiamato Corridoio Vasariano, che si snoda sopra il Lungarno, valica l’Arno passando attraverso le costruzioni del Ponte Vecchio, costeggia il giardino di boboli e infine arriva a Palazzo Pitti. Il corridoio era una via sicura e segreta per il duca Cosimo I per passare inosservato attraverso la città. 52 Ultima Cena Anno: 1592-1594 Luogo: Chiesa di San Giorgio Maggiore, Venezia. La grande tela, pur riprendendo un tema comune alla pittura del tempo, presenta alcune importanti innovazioni. La prima è l’ambientazione, cioè all’interno di una specie di osteria popolare, la seconda è la composizione, con la mensa disposta trasversalmente e fortemente scorciata dalla prospettiva: lo si nota dal tavolo della cena, il piccolo tavolo di servizio e dal pavimento in piastrelle. In questo modo l’artista crea una grande griglia all’interno della quale inserire e far interagire i personaggi. La luce, la protagonista assoluta del dipinto, proviene per la maggior parte da una lampada ad olio appesa al soffitto, le cui due fiamme percorrono irregolarmente tutto l’ambiente, conferendo un realismo sincero e profondo alla scena, che permette allo spettatore di percepire atmosfere e odori tipici di una taverna veneziana di quel tempo. A questa luce si sovrappone quella, quasi fluorescente, degli Apostoli. Intorno a Gesù il chiarore si fa più intenso e deciso, perché non si tratta di una semplice aureola, ma di una fonte luminosa autonoma e forte, che conferisce al personaggio un rilievo di sicura soprannaturalità. Ognuna di queste luce entra in rapporto con le altre, accentuandole o smorzandole, al fine di ritagliare i personaggi dall’ombra, o viceversa, di sprofondarceli. In questa visione colore e disegno diventano elementi secondari, e difatti il colore è spesso così impastato da sembrare monocromo, mentre il disegno, nonostante il forte impianto prospettico, tende a perdersi nell’incertezza di uno spazio senza più reali dimensioni. PAOLO VERONESE (1528-1588) Nato: 1528 Verona Morto: 1588 Venezia Attività: pittore Vita: La sua prima formazione avviene nell’ambiente veronese, dove l’ancora giovane pittore entra in contatto con il classicismo di Mantegna, con il manierismo di Giulio Romano, con le invenzioni pre-barocche di Tiziano. Può dunque vantare una solita preparazione pittorica e un grande amore per l’Antico. Nel 1553 si trasferisce a Venezia, alla quale rimarranno legate le sue vicende artistiche e umane. Morirà a Venezia nel 1588, dove sono ancora conservate le sue spoglie. Disegno: Nei dipinti preferisce la giustapposizione di più colori alla graduazione tonale di una stessa tinta, per riuscire ad ottenere un risultato più luminoso e squillante, con la quale si completa l’abolizione del nero e del bianco. Secondo lui per creare la luce è necessario accostare colori complementari, in modo che si esaltino a vicenda e eliminando il chiaroscuro che invece li incupirebbe. Cena in casa di Levi Anno: 1573 Luogo: Gallerie dell’Accademia, Venezia. Con il pretesto di rappresentare qualche scena biblica, Veronese descrive dei suntuoso banchetti del suo tempo sullo sfondo di realistiche prospettive urbane. Nel dipinto, lungo quasi tredici metri, è raffigurato un ricchissimo porticato di gusto rinascimentale, sotto la quale è disposto il tavolo del banchetto al quale si siedono personaggi che, per i loro atteggiamenti e i loro abiti, appartengono più al ricco patriziato veneziano che alla tradizione evangelica. La città sullo sfondo non è Venezia, ma sono architetture classiche nel quale si ritrova il gusto manierista per un disegno nitido e preciso. La prospettiva dell’opera non è univoca e si individuano almeno tre punti di fuga diversi. Nelle intenzioni iniziali del Veronese e del suo committente, il dipinto avrebbe dovuto rappresentare un’ultima cena, ma la troppa libertà presa da Tiziano gli costò un processo al Tribunale della Santa Inquisizione, a causa della presenza di: buffoni, giullari, ubriachi, tedeschi, scurrilità. Lui si difese dicendo che “noi pittori prendiamo la libertà che hanno poeti e matti” -> alla fine gli venne imposto soltanto di cambiare il titolo al quadro. Adorazione dei Magi Anno: 1573 Luogo: National Gallery, Londra. Il dipinto è ambientato fra antiche rovine con sullo sfondo i resti grandiosi di un porticato che richiama l’aspetto di un arco di trionfo romano. Sulla destra la povera capanna in legno e paglia della Natività è stata costruita fra quel che rimane di un imponente colonnato classicheggiante. Un caldo cono dorato di luce divina percorre diagonalmente l’intera scena, illuminando con grande intensità la giovane e dolcissima Maria e il piccolo Gesù. L’equilibrata accuratezza della composizione è ulteriormente sottolineata e ingentilita dalla consueta vivacità del colore di Veronese, che nel vestiario dei personaggi alterna sempre colori caldi e colori freddi, introducendo qua e là anche vivaci guizzi di luce, ottenuti mediante tocchi sapienti di colori puri. 55 IL SEICENTO L’evento che caratterizza e drammatizza il 1600 è la Guerra dei Trent’anni, che si protrasse dal 1 618 al 1648, e che insanguinò gran parte dell’Europa centro-settentrionale. Benché le motivazioni di fondo fossero di tipo religioso, poiché si voleva riaffermare il predominio degli stati cattolici su quelli protestanti, il conflitto nascondeva anche il forte desiderio delle potenze europee di ridisegnare in modo definitivo confini e alleanze. Anche se non direttamente, il conflitto si ripercosse anche sulla penisola italiana, nel quale viene a riconfermarsi un forte predominio spagnolo. Inizialmente un vantaggio in quanto la Spagna era una delle monarchie più ricche e potenti, ma ben presto mostrarono la propria inadeguatezza politica e organizzativa, che si tradusse in un sempre più insostenibile carico fiscale e, soprattutto nel sud, in un progressivo arretramento verso un’organizzazione feudale del territorio -> favorendo la nascita e il consolidamento di una mentalità parassita e antistatale. BAROCCO EMOZIONI Il seicento è stato il secolo della controriforma cattolica e della sua piena applicazione. La chiesa, nel tentativo di contrastare efficacemente il protestantesimo, finisce di fatto per irrigidirsi sui propri dogmi troncando definitivamente ogni possibilità di ricomporre lo scisma in modo pacifico. Architetti, pittori e scultori diventano, grazie alle loro opere, l’indispensabile mezzo mediante il quale arrivare a toccare con efficacia e immediatezza l’animo dei fedeli -> la chiesa vuole persuadere eretici e dubbiosi per ricondurli alla dottrina cattolica. L’arte seicentesca deve saper sedurre e commuovere, al fine di conquistare il gusto tramite la capacità di suscitare emozioni e sentimenti. STILE Il concilio di Trento raccomanda che Cristo fosse rappresentato afflitto, sanguinante, con la pelle lacerata, ferita e pallida, con lo scopo di suscitare facilmente nelle masse sentimenti di pietà e di devozione, facendo psicologicamente leva sulla compassione e sulla misericordia umana di fronte al dolore e alla sofferenza. L’arte dei seicento è quindi l’arte dei sentimenti, la cui rappresentazione arriva a degli estremi che a volte possono addirittura rasentare l’esagerazione. In architettura il gusto si esprime soprattutto attraverso la monumentalità delle costruzioni. Ai motivi architettonici si sovrappongono quelli scultorei. La presenza ornamentale di statue, cornici, fregi, decorazioni arriva ad essere più importante della stessa struttura architettonica -> la forma (ornamenti) ha il sopravvento sulla funzione (struttura). DISEGNO E’ barocco tutto ciò che è fuori misura, eccentrico, eccessivo, fantasioso, bizzarro, ampolloso, magniloquente, e che tende a privilegiare l’aspetto esteriore ai contenuti interiori. Le inquietudini esistenziali si tradussero in mobilità, instabilità, energia e tensione. L’arte è caratterizzata da linee curve, serpentine, spirali, torsioni. Ardite metafore della lirici contraddistinsero la letteratura. Furono privilegiati la monumentalità, gli effetti drammatici e i contrasti di luce. In particolare fu ricercato l’illusionismo, un effetto di inganno che traducesse in arte la perdita di certezze dominante nell’epoca. TERMINE Con il termine barocco non s’intende tanto individuare uno stile o una precisa corrente artistica quanto, più complessivamente, lo spirito stesso del seicento. La parola ha origini incerte, deriva forse dallo spagnolo barrueco (perla di forma irregolare e non perfettamente liscia), dunque di per sé particolare. Già nel cinquecento la parola ha il significato metaforico di strano e tortuoso, riferito a quei discorsi filosofici che dietro un’apparenza di grande complessità nascondevano la propria debolezza ed inconsistenza. Nel settecento la parola, applicata al campo artistico, assume un significato dispregiativo. Solo oggi la critica ha rimosso qualsiasi valore negativo, ora indica semplicemente il periodo del seicento. L’ACCADEMIA DEGLI INCAMMINATI La produzione seicentesca dei Carracci assume un rilievo nuovo e particolare nella storia dell’arte italiana ed europea. Intorno al 1582 il pittore bolognese Ludovico Carracci, il cugino Agostino e il fratello di questi Annibale, si riuniscono per fondare la prima scuola privata di pittura dell’arte moderna. Inizialmente chiamata Accademia Naturale, in quanto la sua finalità era quella di promuovere negli allievi la riproduzione del vero, venne infine chiamata Accademia degli Incamminati allo scopo di sottolineare l’impegnativo percorso di maturazione artistica al quale ogni allievo era chiamato. Secondo gli intenti dei Carracci la formazione di un artista deve svilupparsi non solo a livello pratico con la semplice acquisizione delle necessarie abilità tecniche, ma anche a livello teorico, maturando conoscenze culturali il più possibile ampie, eterogenee e approfondite. La volontà dei tre artisti è di superare le estremizzazioni del manierismo per ricollegarsi direttamente al gusto classico dei grandi maestri del rinascimento (Raffaello) e al naturalismo coloristico dei veneziani (Veronese). Comunque sia, l’accademia costituirà il prototipo di numerosissime altre accademie simili che, nel corso del seicento, fioriranno un po’ in tutti Italia. 56 ANNIBALE CARRACCI (1560-1609) Nato: 1560 Bologna Morto: 1609 Roma Attività: pittore Vita: Il più importante e famoso dei Carracci, la sua forte personalità e le sue grandi capacità pittoriche lo collocano subito al vertice dell’Accademia alla quale si dedica con l’esempio più che con la teorica. Disegno: Secondo lui “i pittori devono parlare con le mani” -> sottolinea l’importanza dell’atto pittorico, rivendicando ai pennelli e ai colori una capacità comunicazione simile, se non superiore, a quella della parola. Annibale era un disegnatore eccellente e si riallaccia direttamente alla tradizione rinascimentale fiorentina usando un tratto morbido ma deciso. Unisce il vigore delle forme michelangiolesche e la serena classicità di quelle raffaellesche, creando uno stile nuovo e personale. Il mangiafagioli Anno: 1583-1584 Luogo: Galleria Colonna, Roma. Tra le pitture giovanili di Annibale è importante quest’opera, una delle prime scene di genere dell’arte italiana (pittura in cui i soggetti, attinti dalle piccole cose della vita quotidiana). Il dipinto raffigura un popolano nell’atto di divorare con vorace avidità una scodella di fagioli. Sul tavolo sono disposti oggetti poveri: una brocca, un bicchiere di vino, un coltello, un piatto con una frittata di verdure, il pane e al centro la scodella di fagioli. Nella spoglia semplicità della scena Annibale concentra la propria attenzione pittorica sul personaggio raffigurato, il cui isolamento è accentuato da uno sfondo cupo. L’uomo è colto nell’attimo in cui porta alla bocca una cucchiaiata dio fagioli con tanta furia da far sgocciolare nella scodella parte del brodo. Il cappello da contadino calcato in capo, gli occhi fissi e sospettosi, la bocca ingordamente spalancata rimandano a un realismo crudo ed evocatore di miseria. Analogamente anche i colori appaiono spenti e terrosi, il che contribuisce ad accrescere quel senso di dimessa quotidianità. Galleria di Palazzo Farnese Anno: 1600 Luogo: Palazzo Farnese, Roma. Nonostante le stimolanti esperienze dell’Accademia, per Annibale l’ambiente emiliano risulta troppo angusto e per questo nel 1595 si trasferisce a Roma. Nella capitale affina la propria conoscenza dei classici e studia da vicino Michelangelo e Raffaello. Successivamente, nel 1600, venne incaricato nella realizzazione degli affreschi per la galleria di palazzo farnese, il ciclo pittorico più noto della carriera artistica di Annibale. Si tratta di una complessa figurazione a carattere mitologico. Come soggetto principale aveva gli Amori degli Dei, un tema molto caro anche alla cultura rinascimentale. Sulla volta a botte Annibale crea l’illusione di nove dipinti appesi, con le loro cornici, come a raffigurare una sorta di sfarzosa pinacoteca. Questa appare a sua volta incorniciata e sorretta da statue e medaglioni, che pur essendo solamente dipinti, assumono un rilievo efficace da ricordare molto da vicino le soluzioni ideate dal Correggio nelle sue cupole. L’illusione complessiva che si viene a creare è così realistica e suggestiva da aver rappresentato uno dei principali punti di riferimento per tutta la successiva pittura barocca. Al centro della volta spicca il grande affresco del Trionfo di Bacco e Arianna, in cui è raffigurato il festoso corteo nuziale tra i due personaggi, che avanzano su due carri trainati rispettivamente da un paio di tigri e da due bianchi arieti. Nel ciclo di affreschi, Annibale riesce a far convivere sia l’equilibrata compostezza di una raffigurazione classica sia il gusto barocco per le prospettive fantastiche, evocatrici di suggestioni ottiche (finti quadri appesi) e di spazi illusori (il soffitto aperto sul cielo). 57 La sua lunga carriera si svolge per intero all’interno della corte papale, della quale finisce per diventare il principale rappresentante artistico e anche il portavoce ideologico. Infatti l’arte di Bernini aderisce alle teorie controriformiste della Chiesa di Roma. Porta alla massima fioritura il linguaggio barocco dando concreta attuazione ai grandi piani urbanistici con i quali i pontefici romani avevano intenzione di incrementare il rilancio della grandiosità e della potenza della Chiesa. Disegno: Costituisce l’elemento unificatore di tutta l’attività berniniana, perché il tratto si adegua alle diverse esigenze rappresentative. Nei vivaci schizzi preparatori per le sue opere scultoree, architettoniche o di arredo, il segno si fa spesso veloce e sintetico ma sempre funzionale all’esatta espressione dei propri intendimenti. Stile: Nel seicento la ricchezza degli spunti artistici, spesso tratti dallo studio dell’Antico, così come la raffinatezza delle invenzioni e la qualità dei risultati, concorrono a determinare il definitivo tramonto del concetto rinascimentale di arte come rappresentazione della realtà. E’ Bernini a gettare le basi per un’arte radicalmente nuova -> in essa infatti, la fantasia e la libertà di espressione finiscono per trasgredire quasi tutte le regole imposte dal Classicismo del quale, però, si continua ancora a conservare l’armonia. Questa equilibrata compresenza di fantasia e classicità si riscontra in tutta la sua produzione scultorea. Apollo e Dafne Anno: 1622-1625 Luogo: Galleria Borghese, Roma. Nella scultura, le due tematiche (fantasia e classicità) appaiono evidenti. In esso l’artista rappresenta il momento in cui Apollo, il dio greco della musica e delle profezie, sta per raggiungere la bellissima ninfa Dafne di cui si era perdutamente innamorato a causa di una freccia scagliatagli malevolmente da Eros. Dafne, per sottrarsi al suo amore, chiede e ottiene dal proprio padre Peneo di essere tramutata in una pianta di alloro (in greco dafne). Bernini riesce a conferire alle due figure un senso di movimento prima di allora sconosciuto alla tradizione scultorea. La gamba sinistra di Apollo appare sollevata dal suolo mentre il braccio destro spinto all’indietro equilibra lo slancio della corsa. Il leggiadro corpo nudo di Dafne, invece, per sfugge all’indesiderato abbraccio, si inarca in avanti in un ultimo momento di libertà. La ninfa urla disperata e, mentre Apollo la sta già abbracciando con la mano sinistra, i capelli e le mani iniziano a trasformarsi in rami di alloro, le dita dei piedi diventano radici che le bloccano la corsa e la pelle liscia del corpo si è già fatta ruvida corteccia. Estasi di Santa Teresa Anno: 1646-1651 Luogo: Chiesa di Santa Maria della Vittoria, Roma. La statua rappresenta Santa Teresa d’Avila in estasi mistica, nell’atto cioè di essere sopraffatta dalla soprannaturale visione di Dio. La religiosa scriveva “l’anima mia si riempie ti una grande luce, mentre un angelo sorridente mi ferisce con una freccia pungente d’amore”. Il Bernini scolpisce la santa immaginandola semidistesa su una coltre di nuvole, mentre un angelo sorridente sta per trafiggerle simbolicamente il cuore con una freccia. Dietro c’è una cascata di raggi dorati, illuminati da un’apposita finestra nascosta. La collocazione e gli atteggiamenti dei personaggi sono studiati e accentuati, come si trattasse di attori su un palcoscenico -> che in realtà lo è, perché ai lati della cappella sono presenti due finti balconcini dai quali le statue raffiguranti i vari membri della famiglia Cornaro, committente dell’opera, assistono all’estasi della santa. Il confine tra realtà e finzione è sempre più incerto. L’intensa espressione del volto, la liscia nudità dei piedi e lo scomposto e quasi eccessivo agitarsi delle vesti rimandano ancora una alle parole della santa “Dio infonde nuova vita, non soltanto nelle potenze dell’anima, ma anche nei sensi del corpo”. Ed è proprio al corpo che l’artista dedica la massima attenzione, indagandone le emozioni e sottolineandole la sensualità. Baldacchino di San Pietro Anno: 1624-1633 Luogo: Basilica di San Pietro, Città del Vaticano, Roma. Il baldacchino fu costruito per volere di Papa Urbano VIII e doveva avere proporzioni e caratteristiche tali da potersi inserire in modo armonico e proporzionato sopra l’altare maggiore, nell’immenso spazio vuoto sottostante alla cupola di Michelangelo. Volendo evitare una struttura in muratura, l’artista inventa una tipologia nuova e complessa che riunisca in sé anche la suggestione di un baldacchino in legno e tessuto. Su quattro piedistalli rivestiti di marmi colorati e di stemmi pontifici a rilievo, si ergono colonne in bronzo dorato. Ciascuna di esse è costituita da tre rocchi incastrati e sovrapposti, decorati in successioni con scanalature, fronde di alloro (simbolo di gloria), lucertole (resurrezione) e api. Le grandi colonne a spirale danno alla struttura un grande slancio verticale. Alla sommità le colonne sono coronate da imponenti capitelli sui quali s’impostano a loro volta quattro dadi. La trabeazione appare leggera e preziosa e termina inferiormente imitando le falde pendenti di un baldacchino mosso dal vento. La copertura infine è frutto della collaborazione con Borromini. Il baldacchino costituisce uno degli esempi più significativi di come l’arte barocca riesca a far interagire armonicamente fra di loro i diversi linguaggi della scultura e dell’architettura utilizzando forme, materiali e proporzioni che falsano volutamente la percezione della realtà. Colonnato di piazza San Pietro Anno: 1657-1665 Luogo: Piazza San Pietro, Città del Vaticano, Roma. Commissionato da Papa Alessandro VII, il colonnato conta 284 colonne e 88 piastri disposte su quattro file. Il colonnato, la cui forma geometrica è assimilabile a quella di un’enorme ellisse, si congiunge alla facciata della basilica vaticana grazie a due ali laterali vistosamente 60 divergenti. Se fossero state parallele essere sarebbero apparse, a causa della deformazione prospettica, convergenti al centro e, di conseguenza, la facciata della basilica sarebbe sembrata prospetticamente più lontana. Grazie all’artificio delle due ali laterali divergenti invece il Bernini capovolge l’effetto prospettico. In questo modo la percezione delle distanze si attenua e la facciata sembra più vicina, quasi direttamente affacciata sulla piazza. I due rami curvi del colonnato fanno pensare in modo abbastanza evidente ad una sorta di abbraccio simbolico, e al fedele che attraversa la piazza in direzione della basilica si offrono, mano mano che avanza, visioni prospettiche sempre diverse a causa dalla foresta di colonne e di pilastri che lo circondano, quasi si trovasse in mezzo a una scena teatrale. FRANCESCO BORROMINI (1599-1667) Nato: 1599 Lugano, Svizzera Morto: 1667 Roma Attività: architetto Vita: Si recò da giovanissimo a Milano per apprende l’arte dell’architetto. Fu fin da subito attivo nella fabbrica del Duomo ed ebbe occasione di conoscere le prime opere di Bramante. Successivamente si trasferì a Roma dove lavorò alla dipendenze di Carlo Maderno e successivamente di Bernini, al quale fu sempre ostile per il diverso modo di concepire l’architettura. Borromini, sempre riflessivo, problematico e dedito allo studio, accumulò nella sua biblioteca oltre mille libri, molti dei quali a tema architettura. Questo ci fa capire quanto fosse intellettualmente curioso e animato da un vivo desiderio di apprendere. Egli però era esclusivamente architetto, contrariamente al Bernini che era anche scultore e pittore. Borromini quindi si libera dal costume rinascimentale secondo il quale l’artista doveva essere universale -> nasce il concetto di specializzazione, consistente nel concentrare tutte le proprie capacità in un unico campo nel quale si tende ad essere eccellenti. A partire dal 1634 l’artista diventa un architetto indipendente e produsse anche un gran numero di disegni dei quali fu gelosissimo, in quanto li considerava come suoi figli. Tale amore lo porta anche a distruggerne molti incendiandoli qualche tempo prima di morire. Borromini morirà suicida a Roma, dopo una notte di disperazione e sofferenze, nel 1667. Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane Anno: 1665-1677 Luogo: Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane, Roma. Borromini costruisce, per i padri trinitari, la l’ala del dormitorio, il chiostro e la Chiesa di San Carlo. Il piccolo porticato interno colonnato, eseguito tra il 1637-37, ha una pianta rettangolare e si compone di un doppio ordine di colonne. Quelle inferiori, di ordine tuscanico, hanno l’abaco prolungato, quelle superiori sono invece trabeate. Gli angoli del rettangolo di base ospitano coppie di colonne sulla quale insistono porzioni di muro convesse. La forma convessa introdotta nel chiostro diventa il motivo dominante della chiesa. Questa, iniziata nel 1638, ha una pianta costituita dal succedersi di rientranze e sporgenze. Quattro arconi riconducono la struttura alla perfetta importa ovale della cupola. Chiesa di Sant’Ivo alla Sapienza Anno: 1642-1660 Luogo: Chiesa di Sant’Ivo alla Sapienza, Roma. La massima espressione della libertà inventiva del Borromini è costituita dalla chiesa a pianta centrale di Sant’Ivo alla Sapienza. Era appena stato nominato architetto della Sapienza e dovette inizialmente misurarsi con un preesistente cortile, un lato del quale era curvilineo. Borromini abbandona definitivamente la regola rinascimentale delle proporzioni, che faceva generare l’edificio dalla ripetizione di moduli uguali, per proporre una preziosa e rigorosa progettazione per schemi geometrici. Basilica di San Giovanni in Laterano Anno: 1646-1649 Luogo: Basilica di San Giovanni in Laterano, Roma. Borromini, su commissione di Papa Innocenzo X, fu chiamato per l’intervento di trasformazione della basilica perché la chiesa minacciava di crollare. Il Borromini conciliò le esigenze statiche con quelle di conservare l’antica basilica, secondo il desiderio del pontefice. Egli trattò la chiesa come una reliquia, racchiudendola in un prezioso reliquiario in muratura. Infatti ne rinforzò le strutture inglobandole nelle nuove, ma rendendole visibili a tratti. 61 PIETRO DA CORTONA (1597-1669) Nato: 1597 Cortona, Arezzo Morto: 1669 Roma Attività: pittore e architetto Vita: Nato a Cortona da una famiglia di modesti artigiani, si forma inizialmente presso il pittore fiorentino Andrea Commodi, che nel 1611 lo conduce a Roma. E’ in questo contesto che Pietro seppe dare un autonomo impulso al proprio tirocinio, dedicandosi con passione allo studio dell’arte classica e della pittura di Raffaello. Il contatto coi rappresentanti della cultura antiquaria del tempo consolidò in breve la fama di Pietro, rendendolo l’artista prediletto di varie famiglie importanti romane. Lavorò senza interruzione a Roma, dove morì nel 1669. Trionfo della divina provvidenza Anno: 1632-1639 Luogo: Palazzo Barberini, Roma. Cortona fornice un contributo al rinnovamento della pittura decorativa ad affresco, proponendo un nuovo stile e una rielaborazione della cultura classicista, arricchisce la narrazione di effetti scenografici e fa un uso efficacissimo del colore. L’affresco, che si trova nella volta del salone di Palazzo Barberini, rappresenta simbolicamente la divina provvidenza che, al centro di una complessa e movimentata allegoria, fa incoronare dall’eternità lo stemma gentilizio della famiglia. Questo, caratterizzato da tre api dorate entro una ghirlanda d’alloro (simbolo di concordia e operosità nella gloria) è sorretto dalle Virtù teologali (fede, speranza e carità). Sulle orme dei grandi esempi di Correggio e Carracci, Cortona riesce a creare l’illusione di una straordinaria profondità prospettica, gettando le basi per quello che sarà uno dei temi decorativi fondamentali della pittura murale del 600/700. La novità della realizzazione è tale che la consistenza materiale del soffitto pare dissolversi. GUIDO RENI (1575-1642) Nato: 1575 Bologna Morto: 1642 Bologna Attività: pittore Vita: Fece le sue prime esperienze presso il pittore fiammingo Denijs Calvaert. Nel 1595 si avvicina all’Accademia degli Incamminati e seguì gli insegnamenti dei Carracci. Nel 1600 era a Roma, dove poté studiare le opere di Annibale Carracci, Caravaggio, Raffaello e le opere antiche. Nel 1603 torna a Bologna, si sposterà spesso a Roma per lavoro. Muore nel 1642 a Bologna. Stile: Guido Reni crede che il pittore debba imitare la realtà, però non quella quotidiana (come Caravaggio), ma una “ideale”, creata selezionando quanto di più bello offriva la natura stessa. Lui ricerca quindi la bellezza ideale e non quella che ha solitamente sotto gli occhi. Strage degli innocenti Anno: 1611 Luogo: Pinacoteca Nazionale, Bologna. In questo dipinto, realizzato per la Chiesa di San Domenico a Bologna, possiamo riscontrare quanto lo studio delle sculture e delle architetture antiche di Roma e le opere di Raffaello siano stati utili per Reni. La scena raffigurata si riferisce al racconto evangelico secondo il quale il re Erode, per avere la certezza di sopprimere il piccolo Gesù, decretò la morte di tutti i bambini di Betlemme al di sotto dei due anni: gli innocenti, appunto. - La parte alta della tela è lasciata agli edifici e al cielo, attraversato dalle nuvole. A sinistra si erge una fortificazione, mentre a destra, su piani più avanzati., sono mostrate due architetture a ordini sovrapposti, unite da una superficie muraria interrotta da archi. Intanto dal cielo due angioletti distribuiscono le palme (simbolo del martirio). - La parte centrale e bassa della tela è occupata da un alto numero di personaggi: madri, bambini e carnefici. Reni ha lasciato esprimere sentimenti solo alle madri e ai bambini caratterizzando i loro volto con paura, orrore e disperazione. I loro atteggiamenti accentuano i sentimenti: chi tenta di fuggire nascondendo il proprio figlio, chi afferrata per i capelli si sente perduta, chi tenta un ultimo gesto di supplica, chi volge gli occhi al cielo prostrata dal dolore. I carnefici sono raffigurati con un’ombra sul volto, la contrazione crudele della bocca, la mancanza di ogni sentimento umano e la luce intensa sulle braccia e in particolare sulle mani che stringono i pugnali. Atalanta e Ippomene Anno: 1619 Luogo: Museo del Prado, Madrid. La giovane e velocissima Atalanta ha deciso diche sposerà solo chi riuscirà a vincerla nella corsa e ucciderà chiunque perda nella gara con lei. Solo Ippomene la sconfigge lasciando cadere, durante la corsa, tre mele d’oro dategli da Afrodite per ingannarla e farla fermare per raccoglierle. La tela ricorda quelle di Caravaggio, dove la luce naturale ha la funzione di costruire i volumi dei due giovani corpi. Lo sfondo, al contrario, non è scuro, ma un barlume di tramonto rimante all’orizzonte. Nesso e Deianira Anno: 1621 Luogo: Museo del Louvre, Parigi. La tela raffigura un episodio tratto dalla vita di Ercole. Lui doveva attraversare un fiume con la sposa e un centauro, Nesso, si offrì di traghettarla, ma arrivato sull’altra sponda decide di rapirla. Ercole allora lo colpì al cuore con una freccia (sullo sfondo a destra) intinta nel sangue dell’idra, un veleno. Il centauro, morendo, confidò a Deianira che il proprio sangue era afrodisiaco e che avrebbe dovuto usarlo se Ercole lo avesse tradito -> ciò accade e la donna fece indossare ad Ercole un mantello imbevuto del sangue di Nesso, che era però contaminato da quello dell’idra -> Ercole divenne preda di dolori fortissimi -> per suicidarsi, decide di 62 65 LUIGI VANVITELLI (1700-1773) Nato: 1700 Napoli Morto: 1773 Caserta Attività: architetto Vita: Il padre è un vedutista olandese naturalizzato italiano, e il figlio Luigi inizia la propria attività artistica seguendo le orme paterne. Il successo però non lo raggiunge come pittore, quanto come architetto. Formatosi a Roma nell’ambiente di Carlo Fontana entra in contatto con il già affermato Juvara, del quale potrebbe esser stato anche allievo. Nel 1726 viene nominato primo architetto della Fabbrica di San Pietro. Successivamente, a fianco del razionalismo illuminista e della figura dell’architetto legata allo stile classico, incomincia a delinearsi anche quella dell’ingegnere, quindi non solo esperto di composizione e effetti scenografici, ma dovrà conoscere anche la fisica, matematica e geometria. Reggia di Caserta Anno: 1751-1780 Luogo: Caserta, Campania. A Napoli, il sovrano Carlo III di Borbone, aveva intrapreso una vigorosa azione di riassetto politico ed economico dello stato. E’ in questo contesto che si inserisce la realizzazione della nuova e grandiosa Reggia, un palazzo che non doveva avere niente da invidiare alle altre regge europee. Vanvitelli non fu responsabile solo dell’aspetto architettonico della reggia, ma anche della risistemazione urbanistica intorno e dell’immenso parco -> simbolo del rinnovato stato borbonico. - Il palazzo appare come un massiccio parallelepipedo a pianta rettangolare, il cui spazio interno è diviso da due bracci ortogonali che intersecano i corpi principali delle facciate nel punto medio, dando origine a quattro cortili rettangolari. Le facciate interne hanno un paramento bugnato al piano terreno e intonaco liscio a quelli superiori, nei quali si allinea una serie di finestroni. Il perno centrale e punto di snodo di tutto l’edificio è il grande atrio ottagonale dove i due bracci mediani si incontrano dando origine a delle prospettive molto scenografiche. Da questo atrio, definito al piano terra da un’intersezione di volte a botte, si apre a destra il Salone d’onore, largo diciotto metri: ornato in marmo, si compone di una rampa centrale che si divide in due altre rampe a partire dal pianerottolo. Il punto di attacco è simbolicamente presidiato da due giganteschi leoni in marmo bianco. - Sul retro della reggia si estende, per oltre 120 ettari, un immenso parco. Vanvitelli, per la sua realizzazione, ha dovuto affrontare il problema dell’approvvigionamento delle acque necessarie al funzionamento delle cascate artificiali e delle fontane -> ha fatto costruire un apposito acquedotto che attraversa la campagna per vari km. In corrispondenza del centro della facciata si diparte un lunghissimo viale interrotto da fontane, vasche e cascate, in una successione che sembra prospetticamente infinita. Ai lati ci sono decine di vialetti nascosti tra la vegetazione che conducono ad altri ornamenti come statue e fontane. Tutti gli elementi naturali diventano come artificiali, ad esempio i fiori e le piante sono posizionati in maniera estremamente geometrica. Il paesaggio che ne deriva è quello di un prezioso fondale di teatro. GIAMBATTISTA TIEPOLO (1696-1770) Nato: 1696 Venezia Morto: 1770 Madrid Attività: pittore Vita: Figlio di un modesto mercante, frequenta fin da ragazzo varie botteghe di artisti, senza però mai avere un vero maestro. Egli si ricollega infatti non ai suoi contemporanei, ma alla tradizione cinquecentesca dei coloristi veneti. Già dai suoi esordi veneziani, l’artista messe in evidenza la propria predilezione per luce e prospettiva, che saranno i suoi principali punti di riferimento e che lo porteranno a decorare palazzi e chiese in giro per l’Europa. Non abbandonerà mai lo stile neoclassico e la causa del declino della sua arte è proprio questa: il suo stile verrà reputato inconsistente e sorpassato. Quadraturismo: Per i suoi affreschi Tiepolo parte sempre dall’architettura all’interno della quale essi andranno ad inserirsi. Egli sfonda prospetticamente gli spazi, immaginando ambienti luminosi e profondi popolati da personaggi della mitologia classica. Grazie alle regole matematiche e geometriche molto più affinate e precise, la prospettiva del settecento tende a trasgredire la realtà stessa, inventando diversi punti di vista che, per quanto verosimili, sono al limite e sfidano la natura. Banchetto di Antonio e Cleopatra Anno: 1747-1750 Luogo: Palazzo Labia, Venezia. La scena risulta incorniciata da un arco a tutto sesto retto da colonne e pilastri, dipinte così bene da sembrare reali. Antonio e Cleopatra sono raffigurati seduti, ai lati opposti di una tavola riccamente imbandita. La presenza di due punti di fuga crea una visione dal sotto in su, che sottolinea la teatralità della scena, che si svolge su un piano rialzato rispetto al pavimento del salone. La veridicità dell’atmosfera viene creata grazie al massimo rilievo che viene dato alle vesti e ai personaggi di secondaria importanza, come ad esempio il nano di corte ritratto di spalle o ai servitori di colore. Cleopatra è colta nell’atto di sciogliere una perla nel vino al fine di impreziosirlo in onore di Antonio -> il gesto, la pienezza delle forme e le vesti ricche e suntuose rendono il prototipo della dama settecentesca. In tutti i quadri di Tiepolo è evidente la presenza di una luce fresca e brillante che avvolge gesti e personaggi in un’atmosfera di perenne mattino, questo grazie all’accostamento di colori complementari. 66 67 FRANCESCO GUARDI (1712-1793) Nato: 1712 Venezia Morto: 1793 Venezia Attività: pittore Stile: Figlio e fratello di pittore, Francesco si forma in ambiente veneziano, attingendo però dall’esperienza illusionistica di Tiepolo. Guardi usa la camera ottica con più moderazione e le sue prospettive tornano ad essere interpretate, quindi filtrate attraverso la fantasia, e non descritte come quelle di Canaletto. I contenitori delle architetture, ad esempio, perdono la nitidezza del disegno tipico di Canaletto, l’uso dei colori cambia radicalmente e l’atmosfera che ne deriva è idealizzata e pittoresco e quindi la realtà viene interpretata sul piano del sentimento e della fantasia. Molo con la Libreria, verso la Salute Anno: 1770-1780 Luogo: Galleria Giorgio Franchetti alla Ca’ d’Oro, Venezia. La tela rappresenta lo stesso soggetto e lo stesso punto di vista di uno eseguito qualche decennio prima dal Canaletto. La tela del Guardi ricalca quella dell’altro maestro in modo così meticoloso da far pensare a una copia vera e propria o alla perfetta conoscenza del lavoro di Canaletto. La prospettiva del Guardi però appare subito più indefinita e scenografica. La basilica della Salute e la cupola e il campanile della Chiesa del Redentore sembrano quasi perdersi fra le nebbie dell’orizzonte. L’effetto che ne deriva è quello di una luce vibrante e di uno spazio più profondo e suggestivo di quello chiaro e razionale di Canaletto. Un’altra differenza sono i personaggi rappresentati a fianco della Zecca e della libreria: il Guardi si limita a suggerirceli con rapide macchie di colore, mentre Canaletto ce li descrive indugiandovi quasi con scientifica meticolosità. Laguna vista da Murano Anno: 1780-1790 Luogo: Collezione Mountbatten of Burma, Romsey (UK). La piccola tela, realizzata negli ultimi anni di vita dell’artista, rappresenta alcune case, sulla destra, che si affacciano su una piazzetta assolata in riva al mare, sul cui lastricato si proiettano le lunghe ombre di altre case, sulla sinistra, che restano comunque al di fuori della scena. Due figure femminili sulla destra si affaccendano intorno alla tinozza del bucato; due signori discorrono tranquillamente presso la riva; altri personaggi si trovano sulle imbarcazioni. In lontananza si estende il dolce paesaggio lagunare. Guardi sa dunque cogliere un suggestivo squarcio di vita quotidiana nella luce vibrante del tramonto dorato, lontano dagli splendori delle architetture patrizie cittadine. Ne deriva un’atmosfera di magico incantamento, frutto di una sensibilità artistica estremamente personale e romantica. 70 ILLUMINISMO La seconda metà del Settecento e i primi anni dell’Ottocento sono periodi di grandi e radicali cambiamenti in vari campi del sapere. Fondamentali sono le scoperte di Galileo Galilei e di Isaac Newton, la cui diffusione del pensiero scientifico al popolo aveva prodotto in molti la convinzione che la scienza avrebbe finalmente potuto portare la felicità tra gli uomini. La realizzazione delle nuove macchine, soprattutto in Inghilterra, aumentava esponenzialmente e molti grandi proprietari si arricchirono. Chi invece prestava il proprio lavoro (proletario) vivevano una vita molto disagevole ed erano estremamente poveri e malsani. Contemporaneamente a questo processo, si fecero spazio nuove idee ottimistiche, maturate assieme alla convinzione di una sicura felicità per l’uomo che, non più soggetto alla durezza del lavoro fisico, era aiutato anche dai continui progressi della scienza. L’ottimismo veniva dalla fede nelle capacità intellettive degli uomini i quali, con la sola ragione, sarebbero stati in grado di liberarsi dalle vecchie idee, dai pregiudizi, dall’ignoranza e dalla superstizione. Le tenebre contro cui gli uomini combattevano sarebbero state rischiarate dalla luce della ragione -> da ciò il termine illuminismo -> “il secolo dei lumi”. GIOVAN BATTISTA PIRANESI (1720-1778) Nato: 1720 Venezia Morto: 1778 Venezia Attività: incisore e architetto Vita: Educato a Venezia secondo la tradizione architettonica lagunare, della scenografia, aveva raggiunto Roma nel 1740 e 1743 aveva pubblicato un insieme di incisioni di fantasia, permettendogli di imporsi come disegnatore e incisore di grandissime capacità tecniche. Stile: Durante il periodo del Neoclassicismo la tesi principale era quella che la purezza dell’arte fosse stata raggiunta solo dagli antichi greci e che i romani l’avessero corrotta -> Piranesi era dell’opinione che i romani non dovessero nulla ai greci, ai quali anzi erano superiori. Piranesi, sbigottito di fronte all’imponenza delle rovine di Roma, dava vita a un’archeologia visionaria (l’unica che potesse rievocare quel che non poteva più tornare) applicando l’identico tipo di rappresentazione grafica, una prospettiva ingegnosamente dilatata. Egli perveniva a immagini improbabili, magniloquenti e falsate nel documentare le meraviglie della tecnica costruttiva romana. Per Piranesi non esistono regole poiché la fantasia e la creatività hanno con continuità modificato l’architettura e gli ornamenti nel corso dei secoli, tanto che neppure negli edifici classici è dato di riscontrare il rispetto delle regole: ciò che vale per un edificio non necessariamente vale per un altro. In tal modo Piranesi è portato ad accogliere tutte le manifestazioni dell’arte dell’antichità e a fonderle assieme in modo eclettico. Santa Maria del Priorato Anno: dal 1764 Luogo: Chiesa di Santa Maria del Priorato, Roma. Piranesi viene incaricato, nel 1764, di restaurare la chiesa. L’architetto si interessò alla creazione di una piazzetta a essa antistante e curò la progettazione nei minimi dettagli. Da tale accurata progettazione derivò un edificio dove gli ordini architettonici classici sono rielaborati in modo eclettico, specie nella facciata che pare un’enciclopedia dell’ornamentazione, fantastica ma rigorosa al tempo stesso. Il portale è affiancato da immagini simboliche ed è sormontato da decorazione che trasformano la finestra preesistente in una specie di motivo centrale di un sarcofago. Con questa chiesa, Piranesi affermava la propria libertà inventiva in un insieme ordinato di elementi decorativi eterogenei. NEOCLASSICISMO La passione per l’antico, mai spentasi dopo il rinascimento, diventa nel secolo dei lumi la caratteristica più significativa e riconoscibile non solo della società europea, ma anche di altre aree geografiche. Il desiderio di possedere pezzi antichi originali, calchi, riproduzioni è sintetizzata dalle tele di Johann Zoffany (1733-1810). Il neoclassicismo è un movimento culturale, che si diffonde tra la seconda metà del Settecento e si concluse nel 1815 con la fine dell’impero napoleonico, che è conseguente al pensiero illuminista. Rifiutano gli eccessi del Barocco e del Rococò e si guarda piuttosto all’arte dell’antichità classica, specie a quella greca. Infatti per loro il buon gusto aveva avuto origine in Grecia e che tutte le volte che si era allontanato da quella terra aveva perduto qualcosa. La grandezza artistica era propria dei greci, pertanto l’unica via per diventare grandi è l’imitazione degli antichi. Con imitazione s’intendeva ispirarsi a un modello che si cerca di eguagliare. Il termine “neoclassicismo” fu coniato nell’Ottocento con intento dispregiativo per indicare un’arte non originale, fredda ed accademica. Tuttavia esso comunica efficacemente il desiderio di ritorno all’antico e alla volontà di dar vita ad un nuovo classicismo. 71 ANTONIO CANOVA (1757-1822) Nato: 1757 Treviso Morto: 1822 Attività: scultore Vita: Nasce nei pressi di Treviso, figlio di uno scalpellino, fece il suo apprendistato a Venezia dove aprì uno studio nel 1775. Nel 1779 era a Roma, dove seguì corsi di nudo all’Accademia di Francia. A Roma risiedette tutta la vita, tranne per alcuni viaggi all’estero in Austria e in Francia. Amato ed ammirato dagli amici e dai potenti, ebbe incarichi di lavoro dalla nobiltà veneta e romana, da Napoleone e dai membri della sua famiglia, da aristocratici russi, dagli Asburgo d’Austria, dai Borboni e dalla corte pontificia. Stile: Canova incarna i principi neoclassici sia nel disegno sia nella scultura. Il suo scopo è il raggiungimento della bellezza ideale, che i Greci avevano realizzato e di cui avevano scritto anche gli artisti del rinascimento, cioè quella derivante da un’idea di bello che l’artista si crea nella mente dopo aver constatato l’impossibilità di trovare un corpo perfetto in natura. A tale bellezza si può pervenire tramite la massima padronanza della tecnica scultorea ed imitando la scultura classica. Teseo sul Minotauro Anno: 1781-1783 Luogo: Victoria and Albert Museum, Londra. L’eroe, seduto sul corpo del mostro che ha ucciso, è rappresentato dopo la lotta. Ogni passione è spenta, la rabbia e la furia del combattimento sono passate. Nella tranquillità della posizione di riposo Teseo mostra la sua anima grande che è di nuovo in sintonia con il corpo, non più teso e contratto ,perché non più preda delle passioni violente. L’eroe, simbolo di vittoria della ragione sull’irrazionalità bestiale, siede sul Minotauro come un cacciatore su una preda. Il mostro invece è riverso su una roccia in posizione a S. Amore e Psiche Anno: 1788-1793 Luogo: Museo del Louvre, Parigi. La statua raffigura un episodio di una favola, quello in cui Amore rianima Psiche svenuta in quanto, contro gli ordini di Venere, aveva aperto un vaso ricevuto nell’Ade da Proserpina. Canova ha fermato nel marmo un attimo che rimane sospeso: la tensione dei due corpi che si stringono e che si sfiorano appena con sottile erotismo, mentre il dio contempla, ricambiato con la stessa dolce intensità, il volto della fanciulla amata. E’ l’attimo che precede il bacio, un contatto che sta per avvenire, che l’atteggiamento dei corpi e degli sguardi preannunciano. Adone e Venere Anno: 1789-1794 Luogo: Musees d’Art et d’Historia, Ginevra. Il gruppo scultoreo, scelto da Canova senza averne avuto una commessa, raffigura l’ultimo saluto di Venere all’amato Adone, prima che questi, durante una battuta di caccia, morisse sotto la selvaggia aggressione di un enorme cinghiale mandatogli contro dal rivale Marte, accecato di gelosia. Il gruppo è formato da tre personaggi: oltre a Venere e Adone è raffigurato anche il fedele cane di lui, posizionato dietro la coppia. Venere si appoggia all’amato tenendogli la mano destra sulla spalla, mentre con l’altra gli accarezza il mento. Adone attira a sé la dea cingendole dolcemente la vita. Canova rende i due corpi quasi simili per la mancanza di una sicura muscolatura in adone, di cui però sottolinea la giovane età. Ebe Anno: 1800-1805 Luogo: Ermitage, San Pietroburgo. Ebe, dea della gioventù e figlia di Zeus, è sostenuta da una nuvola, il suo busto è nudo e la parte inferiore del corpo è avvolta in una veste leggera spostata dall’aria. Il chiaroscuro più pronunciato si riscontra lateralmente, nel mosso groviglio della veste che, dal fianco destro, accompagna la gamba arretrata. Tutto in Ebe tende alla grazia: il suo corpo giovane, l’ovale perfetto del volto, la delicatezza con cui tiene la coppa, l’atteggiamento del corpo appena proteso in avanti. Paolina Borghese Anno: 1804-1808 Luogo: Galleria Borghese, Roma. Paolina Borghese è la sorella di Napoleone e moglie del principe romano Camillo Borghese. Paolina viene raffigurata da Canova come Venere. Infatti con un gesto grazioso tiene in mano il pomo della vittoria offerto da Paride alla dea giudicata da lui più bella. La donna è rappresentata adagiata su un divano con una sponda rialzata. Il busto, sollevato e appoggiato a due cuscini, è nudo fin quasi all’inguine, mentre la parte inferiore del corpo è velata da un drappo che, sottolineando e sostituendo le pieghe inguinali, riveste il ritratto di un evidente erotismo, molto più sentito di quanto non sarebbe stato se Paolina si fosse offerta alla vita completamente nuda. Il volto idealizzato e le sembianze divine collocano Paolina al di fuori della realtà terrena. Tuttavia la cera rosa spalmata da Canova sulle parti nude della statua, ad imitazione dell’incarnato, la restituisce al mondo umano. 72